Vier aufstrebende Designer verraten, was es wirklich braucht, um ein eigenes Label zu starten
Pauline Dujancourt, Masha Popova, Clara Chu und AGRO STUDIO erzählen, was der Start eines eigenen Labels kostet – und wie man es auf den offiziellen Fashion-Week-Schedule schafft.
Fashion Week in der Metropole dreht sich alles um subversive Designs und aufstrebende Talente. Die Fall/Winter 2026-Saison in London ist nun offiziell vorbei – und sie hat auf ganzer Linie abgeliefert.
In dieser Saison sahen wir AGRO STUDIO mit einer von der Wildnis inspirierten Kollektion, komplett mit isländischem Schaffell und handgefärbten Stoffen. Clara Chu gab ihr LFW-Debüt und zeigte eine Kollektion, die vom Gummiband inspiriert ist, während Pauline Dujancourt eine ätherische Runway-Show inszenierte, bei der die Models im wahrsten Sinne des Wortes auf Eierschalen liefen. Diese Saison markierte außerdem Masha Popovas erste Show im offiziellen Kalender, seit sie das NewGen-Programm abgeschlossen hat.
Wir haben mit den vier aufstrebenden Designerinnen gesprochen, um zu erfahren, wie sie es in den offiziellen Showkalender geschafft haben, wie viel Geld sie dafür brauchten und welche Ratschläge sie weitergeben möchten. Lies weiter für das komplette Interview.
Pauline Dujancourt
Wer bist du, und wie bist du in die Branche gekommen?
AGRO STUDIO: Wir sind George und Angus, unsere Initialen ergeben zusammen den Namen des Labels. Wir beide sind auf ähnlichen Wegen zur Mode gekommen, auch wenn wir am London College of Fashion im Abstand von ein paar Jahren unseren Abschluss gemacht haben. Nach der Uni haben wir lange in ganz unterschiedlichen Bereichen der Branche gearbeitet, ohne wirklich zu wissen, wann sich alles einmal fügen würde. Wir arbeiteten in Film und Fernsehen, assistierten Stylist:innen, übernahmen Produktions- und Modejobs und realisierten kommerzielle Projekte parallel zu unserer eigenen Arbeit. Es ging nicht darum, dem großen Durchbruch hinterherzujagen, sondern darum, Erfahrung zu sammeln.
Nach COVID haben wir diesen Fokus in AGRO gesteckt. Wir begannen mit maßgeschneiderten Pieces, vor allem für Performer:innen und VIP-Kund:innen, und haben daraus unsere eigene visuelle Sprache entwickelt.
Clara Chu: Ich bin eine in London ansässige Accessoire-Designerin, geboren in Hongkong. In meiner Arbeit geht es darum, alltägliche Haushaltsgegenstände in tragbare Accessoires zu verwandeln. Ich habe Womenswear und Accessoires studiert, aber während des Studiums immer über klassische Mode hinaus experimentiert, Skulpturen und Möbel gemacht und mit Referenzen gearbeitet, die nicht unbedingt fashionbezogen waren, sondern eher aus Produktdesign und Alltagsobjekten kamen.
Diese Sprache wollte ich weiterentwickeln, also habe ich mein eigenes Label gegründet – als Plattform, um DIY-Kultur zu fördern und Pieces zu schaffen, die nahbar wirken, weil sie aus Komponenten bestehen, die Menschen aus ihrem Alltag wiedererkennen.
Masha Popova: Ich bin eine in London ansässige Designerin, und in meiner Praxis dreht sich alles um Technik und Material – darum, Alltagsbasics durch Verarbeitung und Konstruktion in etwas Unverwechselbares zu verwandeln. Ich habe zunächst Architektur studiert und das geliebt, wollte aber etwas Handfesteres, ein Medium, das expressiver, schneller und unmittelbarer ist und in dem ich wirklich mit meinen eigenen Händen Dinge erschaffen kann.
Ich war nie jemand, der von Anfang an geplant hatte, in die Mode zu gehen, aber mich hat immer fasziniert, wie Menschen sich über Kleidung ausdrücken. Mir ist auch aufgefallen, wie viel selbstbewusster ich mich fühlte, wenn ich mich auf eine bestimmte Art anzog. Mode fühlte sich unmittelbar und emotional an und gab mir die Möglichkeit, rund um eine Idee eine eigene Welt aufzubauen – und dabei trotzdem im Handwerk verwurzelt zu bleiben.
Pauline Dujancourt: Ich habe kreative Eltern, die mir immer beigebracht haben, wie ich mich künstlerisch weiterentwickeln kann. Anfangs war ich stark auf Theater fokussiert, dann bin ich bei der Mode gelandet – und war sofort verliebt. Ich bin nach London gezogen [aus Frankreich], weil ich mit Designer:innen der London Fashion Week arbeiten wollte, die ich cool, aufstrebend und experimenteller fand.
Clara Chu
Wie hast du es in den offiziellen LFW-Kalender geschafft?
AS: Wir haben gewartet, bis wir uns bereit fühlten. Als wir uns für den Kalender des British Fashion Council (BFC) beworben haben, hatten wir bereits ein starkes Portfolio, ein kleines Team und Erfahrung mit komplexen Projekten. Wir wurden direkt beim ersten Mal angenommen – wir glauben, weil wir den Prozess nicht überstürzt haben. Zu diesem Zeitpunkt kannten wir die kreativen, finanziellen und logistischen Anforderungen eines Auftritts auf diesem Niveau.
CC: Ich habe mich über das BFC beworben und gespürt, dass dies der richtige Moment war, um die Kollektion offiziell zu launchen. Als Brand arbeiten wir an ganz unterschiedlichen Projekten – von Installationen über Bildungsinitiativen bis hin zur Produktentwicklung. Eine Show bei der LFW fühlte sich deshalb wie der logische nächste Schritt und die perfekte Plattform an, um alles zusammenzuführen.
MP: Ich habe während Covid meinen Abschluss gemacht und mich für ein Discovery Lab beworben, weil ich ehrlich gesagt einfach einen Anlass brauchte, um nach der Uni weiter Kleidung zu machen – mit einer Deadline, auf die ich hinarbeiten konnte. Das Timing war perfekt, denn alle, auch die großen Häuser, konnten nur digital zeigen, wir saßen also im selben Boot. Ich habe eine kleine Reihe neuer Looks entworfen und sie als digitale Präsentation umgesetzt.
Innerhalb einer Woche meldeten sich mehrere Stores, darunter Ssense und H. Lorenzo, die die Kollektion einkaufen wollten. Um sie zu produzieren, bin ich in die Ukraine gezogen, habe dort ein Studio aufgebaut und von dort aus gearbeitet. 2022 habe ich mich für BFC NewGen beworben und wurde ausgewählt. Im darauffolgenden Winter begann die großangelegte russische Invasion, und ich musste alles zurücklassen und zurück ins Vereinigte Königreich ziehen. Im September habe ich dann meine erste vollständige Runway-Kollektion im offiziellen Kalender der London Fashion Week für SS23 gezeigt.
PD: Ich habe mich bei NewGen beworben und Unterstützung vom BFC erhalten. Danach begann die Marke zu wachsen, wir waren stärker im Retail vertreten und bekamen mehr Sichtbarkeit. Mir war es unglaublich wichtig, diese Brand-Welt zu erschaffen – mit Musik, Atmosphäre, Licht usw. – und Runway-Shows waren für mich ein Weg, diese Geschichte komplett über das Set zu erzählen. Apropos: Alle Teile sind nach den Frauen benannt, die an der Kollektion gearbeitet haben; ihre Arbeit ist so beeindruckend, und ich wollte ihnen damit Tribut zollen.
Masha Popova
Wie viel Geld braucht man, um ein Mode-Label zu gründen?
AS: Wir haben ohne externes Investment angefangen. Wir haben alle Pieces selbst gemacht. Unsere Eltern konnten finanziell nicht in das Business einsteigen, also kam alles aus anderen Jobs, deren Einnahmen wir in Materialien und Equipment reinvestiert haben. Es gab Monate, die wirklich beängstigend waren, in denen wir nicht sicher waren, ob wir die Miete zahlen können.
CC: Nach meinem Abschluss am Royal College of Art, habe ich an einigen Wettbewerben teilgenommen und einen Accessoire-Preis in Höhe von 10.000 Pfund gewonnen, mit dem ich das Label offiziell gestartet habe. In den ersten Jahren habe ich ununterbrochen nach Stipendien, Förderprogrammen und Finanzierungsmöglichkeiten gesucht und mich beworben.
PD: Ich glaube, es geht nicht in erster Linie ums Geld. Klar, ein bisschen braucht man, sind wir ehrlich, aber gerade am Anfang wird man dadurch auch extrem kreativ. Ich denke, wir haben nie genug – also nutze das, was du hast, und hol das Maximum daraus heraus!
AGRO Studios
Welchen Rat würdest du einem Designer geben, der heute ohne Geld und ohne Kontakte startet?
AS: Sag am Anfang zu so vielem Ja, wie es vernünftigerweise möglich ist. Wir haben unsere persönliche Ästhetik zu Beginn nicht zu eng gesteckt – das ist nicht für jede:n etwas. Zuerst haben wir Kontakte und ein Fundament aufgebaut und erst später die Arten von Jobs, zu denen wir Ja gesagt haben, stärker gefiltert. Fast drei Jahre lang haben wir so gut wie nichts abgelehnt. An sehr unterschiedlichen Projekten zu arbeiten, hat uns beigebracht, wie die Branche funktioniert – von Produktion über Budgets bis hin zu Kundenbeziehungen.
Nimm jeden Job ernst, sei zuverlässig und kommuniziere klar. Diese Dinge sind wichtiger, als viele denken. Du wirst Fehler machen – und das ist okay. Fortschritt ist nicht immer sichtbar, aber die Arbeit summiert sich. Nichts, das sich lohnt, wird einem einfach auf dem Silbertablett serviert.
CC: Geh einfach raus und sprich Menschen an. Geh zu Events, auf denen du Gleichgesinnte triffst, um voneinander zu lernen oder euch zu vernetzen. Ich habe Fotograf:innen und Stylist:innen, mit denen ich seit Jahren arbeite, in Bars oder auf Veranstaltungen kennengelernt. Vernetzt zu bleiben und echte, langfristige Beziehungen aufzubauen, macht nicht nur Spaß, es ist absolut essenziell.
MP: Zunächst einmal: Es ist hart, aber nicht unmöglich. Umgib dich mit Menschen, deren Arbeit du bewunderst – und die auch deine Arbeit schätzen. Die meisten in der Branche wissen, wie tough es ist, und viele unterstützen dich, wenn du es ernst meinst und dranbleibst. Du brauchst eine Community und ein Team; es ist fast unmöglich, alles komplett allein zu stemmen. Vergleiche dich außerdem nicht mit den Geschichten anderer – jede Journey ist anders. Konzentriere dich darauf, deine eigene Stimme zu finden. Eine starke Haltung ist oft mächtiger als ein großes Budget. Mit sehr wenig Geld kannst du Großes erreichen, wenn die richtigen Menschen um dich sind, die an dich glauben. Und lass dich nicht entmutigen, wenn sich Dinge langsamer entwickeln, weil dir das Funding fehlt.
PD: Sammle Erfahrung, arbeite für andere, schau dich um und probiere unterschiedliche Jobs aus. Du kannst beobachten, wie du als Mitarbeiter:in geführt wirst und wie es ist, im Team zu arbeiten – dann fühlt es sich natürlicher an, wenn du dein eigenes Label startest. Ich denke oft an meine Zeit als Praktikantin zurück, weil ich jetzt selbst eine Studio-Praktikant:in habe, und denke: „Ah, so muss sich das für sie anfühlen!“ Ich bin so froh, dass ich diese Erfahrungen gemacht habe, denn sonst könnte ich die Marke wahrscheinlich nicht tragen. Wir werden als Kreative ausgebildet, nicht als Business-People, also müssen wir on the job lernen – und das ist auch spannend!
