Wie Janet Werner mit Malerei die Schönheitsideale der Mode auf den Kopf stellt
Aus Vogue-Archiven und Vintage-Kampagnen schöpfend, verwandelt die Künstlerin das vertraute Modegesicht in etwas radikal Entblößendes.
Seit fast vier Jahrzehnten Janet Wernerhat sie eine Praxis entwickelt, die ganz auf Verwandlung basiert – sie schöpft aus der schillernden Welt der Mode, nur um sie auf der Leinwand wieder zu dekonstruieren. Sie durchforstet Archivbilder aus Vintage-Ausgaben von Voguesowie ikonische Kampagnen wie jene von Marc Jacobs, und verwandelt vertraute Schönheitsideale in etwas weitaus Komplexeres. In ihren Händen wird das archetypische Model – oft dünn, blond und Inbegriff von Privileg – verzerrt und bisweilen verstörend, wodurch eine spannungsgeladene Reibung zwischen Glamour und Groteske sichtbar wird.
Ihre jüngste Werkserie, Landscape with Legs, entsteht in einem kulturell besonders aufgeladenen Moment. Während hyperdünne Schönheitsideale wieder auftauchen und die Modekultur der frühen 2000er ins Rampenlicht zurückkehrt, wirken Werners Gemälde plötzlich hochaktuell. Zwischen Kunst- und Modewelt verortet, befragt ihre Arbeit Frauen als Objekte der Begierde und legt die Machtstrukturen offen, die in weiblicher Identität eingeschrieben sind. Diese Figuren, zugleich verführerisch und entfremdet, bewegen sich in einem ständigen Spannungsfeld zwischen Eigenmacht und Objektifizierung und verkörpern wie verweigern zugleich die Systeme, die sie definieren.
Wir haben mit Werner gesprochen, während sie über ihre jahrzehntelange Praxis, ihr sich wandelndes Verhältnis zu Modebildern und die psychologischen Tiefenschichten reflektiert, die sie mit Farbe auslotet. Das vollständige Interview lesen Sie hier.
Die Ausstellungist vom 1. Mai bis 12. Juni 2026 in der Anat Ebgi Gallery.
Können Sie uns ein wenig über Ihre Laufbahn erzählen und darüber, wie Sie als Künstlerin angefangen haben?
Ich habe als Tänzerin angefangen und Ballett, aber mit 17 habe ich gemerkt, dass es nicht das Richtige für mich ist. Bildende Kunst war keine naheliegende Wahl, obwohl meine Mutter und meine Schwester beide Freie Kunst studiert hatten. Auch meine Großmutter war Malerin – es liegt also in der Familie. Meine Schwester bemerkte, dass ich ständig zeichnete, und nachdem ich vier Jahre Liberal Arts studiert hatte, ermutigte sie mich, tatsächlich Freie Kunst zu studieren. Als ich mich schließlich entschloss, diesen Weg zu gehen, machte ich meinen Bachelor und meinen Master direkt hintereinander – und ich war nie glücklicher. Malerei war von Anfang an mein Schwerpunkt, und ich fand sie so faszinierend und herausfordernd, dass sie zu meiner Obsession wurde. So ist es seit fast 40 Jahren, und ich empfinde sie immer noch als unglaublich anspruchsvoll.
Sie stehen kurz vor einer Solo-Show in New York. Wie fühlt sich das an? Was bedeutet dieser Moment für Sie?
Das ist meine zweite Einzelausstellung in New York; die letzte war vor vier Jahren und ein großer Erfolg: alles ausverkauft, wichtige Sammler:innen und Kritiker:innen waren da. Das war unglaublich aufregend! Aber seitdem hat sich die Welt verschoben. Der politische Moment, in dem wir leben, fühlt sich traumatisch und prekär an, und deshalb ist es eine merkwürdige Zeit. Ich weiß nicht genau, was mich erwartet. Ich freue mich aber darauf, wieder in NYC zu sein – es ist immer aufregend, und ich bin gespannt, Freunde, Kolleg:innen und die Galerie wiederzusehen und viele Ausstellungen zu besuchen. Natürlich hoffe ich, dass die Show gut aufgenommen wird. Es ist immer ein bisschen nervenaufreibend, weil man nie weiß, was passieren wird, aber ich bin dankbar für die Gelegenheit, diese Werkserie zu zeigen.
Können Sie uns ein wenig über Ihren kreativen Prozess erzählen?
Mein kreativer Prozess ist in den letzten 15 Jahren relativ konstant geblieben, auch wenn sich der Fokus der Arbeiten verschiebt und verändert. Fast immer beginne ich mit fotografischen Abbildungen von Figuren aus Modemagazinen. Kunsthistorische Referenzen fließen ebenfalls ein; in dieser Ausstellung etwa gibt es Landschaftselemente, die auf Watteau und Caspar David Friedrich zurückgehen. Ich mische und kombiniere die Bilder und setze sie zu „Collage-Skizzen“ zusammen. Mich interessiert der Zusammenprall der Bilder, die Brüche – die Momente, in denen etwas Unerwartetes geschieht. Es ist, als würde man auf einer Bananenschale ausrutschen: Man ist noch an einem Ort und plötzlich an einem ganz anderen. Eine Vielzahl möglicher Bedeutungen und Lesarten tut sich auf.
Wenn die Collage feststeht, beginne ich mit dem Malprozess – und dann ist alles offen. In der Übersetzung von Foto zu Gemälde passieren viele unerwartete Dinge. Komposition, Farbe, Tonwerte und Schichten verwandeln die fotografische Collage in eine ganz andere Art von Wesen. Das ist der spannende Teil: Man kann es nicht vollständig kontrollieren. Die Materialität der Farbe, ihre Körperlichkeit und Fluidität, ebenso wie das Tempo des Malens, die Hand und der Pinsel auf der Oberfläche verändern, wie das Bild gelesen wird.
Die Ausstellung heißt Landscape with Legs – aus naheliegenden Gründen –, aber ich mag, dass es ein humorvoller Titel ist. Ich verwende auch einige Landschaftsfotografien, die ich selbst aufgenommen habe. Insgesamt spielt die Landschaft hier eine größere Rolle, kombiniert mit den Figurenbildern aus der Mode.
Diese Präsentation bewegt sich an der Schnittstelle von Kunst und Mode. Was hat Sie ursprünglich an Modebildern als Ausgangsmaterial für Ihre Malerei fasziniert?
Ich bin eher zufällig bei Modebildern gelandet. Mit Mode bin ich nicht aufgewachsen – weder im Blick noch im Denken – und ehrlich gesagt war ich als junge Frau eher abweisend, weil ich sie als problematisch empfand. Aber ich hatte lange Porträts aus der Vorstellung heraus gemalt, ohne Foto-Referenzen, und ich war an einem Punkt, an dem ich alles ausgeschöpft hatte, was ich mit dieser Methode konnte. Ich suchte nach einem anderen Ansatz.
Damals, in den frühen 2000ern, hatten plötzlich unzählige Zeitschriftenläden aufgemacht. Ich war nach Montrealgezogen und stöberte in diesen Läden, als mir klar wurde, dass die Modemagazine ein frei zugängliches Archiv von Figurenbildern waren. Sie boten eine Vielzahl von Gesten, Posen, Blicken, Kleidungsstücken, Formen, Farben, Tonwerten – ein ganzes Spektrum visueller Merkmale, mit denen ich arbeiten und spielen konnte. Mich begann die Komplexität dessen zu faszinieren, was in diesen Fotos passiert: die Inszenierung von Begehren. Es war eine Art Offenbarung, und durch diese Seiten öffnete sich für mich eine neue Welt malerischer Möglichkeiten. Es waren der Blick des Models, das Gefühl von Bewegung, die abstrakten Muster und Formen der Kleidung – weniger die Kleidung an sich –, die mich interessierten. Alles griff ineinander: ihre psychologischen und emotionalen Qualitäten ebenso wie ihre abstrakten.
In Ihren Bildern balancieren Glamour und Groteske. Gibt es eine Botschaft, die Sie den Betrachter:innen mitgeben möchten?
Was Glamour und Groteske betrifft – ja, die beiden treten in meiner Arbeit oft in einen Dialog. Ich möchte, dass die Gemälde Tiefe haben, psychologische und emotionale Tiefe. Modemagazine sind einerseits sehr verführerisch, andererseits aber auch oberflächlich, repetitiv und oft scheinbar leer. Die Models sind generische, puppenhafte Figuren. Sie sind jede und niemand. Das erlaubt es mir, sie zu besetzen und zu verwandeln. Ich versuche, sie mit echter Subjektivität, mit psychischem und emotionalem Leben aufzuladen – sie gewissermaßen aufzufüllen. Manchmal helfen mir Verzerrung und das Groteske, dem Bild Gewicht zu verleihen und die Lesart zu verkomplizieren. Sind sie nur glamourös, wirken sie auf mich ziemlich leer; es braucht eine gewisse Schärfe. Oft ist das eine humorvolle Schärfe, und das Groteske kann Teil davon sein. Manchmal steckt auch ein Moment von Gewalt im Zerschneiden der Bilder. Das erzeugt einen Bruch und öffnet die Erzählung.
Ihre Sujets erinnern häufig an archetypische Fashion-Models – dünn, blond, privilegiert. Wie navigieren Sie Ihre eigene Beziehung zu Ihrem Körper und zu diesen Figuren, während Sie sie malen?
Das ist leicht: Ich bin nicht da. Wenn ich an einem Bild arbeite, bin ich ganz im Prozess. Es ist intuitiv und alles einnehmend. Die Fragen, die auftauchen, betreffen nicht, wer ich im Verhältnis zu diesen Anderen bin, sondern wer sie sind, was sie tun und wie ich sie zum Sprechen bringe. Es bleibt fiktive Porträtmalerei. Gerade weil es archetypische Fashion-Models sind, muss ich sie in gewisser Weise verändern, um sie real wirken zu lassen und die Grenzen des ursprünglichen Bildmaterials zu sprengen.
In letzter Zeit ist die Modelbranche der frühen 2000er wieder stärker ins kulturelle Gespräch gerückt, unter anderem durch das neu erwachte Interesse an Shows wie America’s Next Top Model. Haben Sie das Gefühl, dass Ihre Arbeit anders wahrgenommen wird, seit dieses Jahrzehnt neu befragt wird?
Ich habe in den 2000ern begonnen, mit diesen Modebildern zu arbeiten, und manches Material in meinem Studio stammt noch aus dieser Zeit. Ich verwende es immer noch, und es wirkt auf mich nicht veraltet. Ich sehe, dass dieselben Tropen weiterhin benutzt werden, und obwohl die Models heute vielfältiger sind, hat sich ihre Art zu performen nicht wirklich verändert. Manchmal wähle ich Bilder, die bis in die 1960er zurückverweisen. In der Ausstellung gibt es ein Gemälde namens „Petula“, das eine Figur mit toupiertem Haar und starkem Mascara zeigt. Ich habe eine Nostalgie für diese Ära, in der meine Mutter in ihrer Blütezeit war. Sie war meine Ikone von Weiblichkeit.
Hat sich Ihre Wahrnehmung von Schönheit verändert, seit Sie mit diesem Thema arbeiten?
Meine Wahrnehmung von Schönheit hat sich nicht verändert. Ich grüble darüber nach, was etwas nur oberflächlich schön macht und was eine tiefere Art von Schönheit ausmacht, die komplexer und interessanter ist. Ich möchte, dass die Bilder schön UND interessant sind, schön UND überraschend – oder sogar verstörend.
Haben Sie ein Lieblingswerk in der Ausstellung? Und wie sehen Sie die Weiterentwicklung Ihres Themas in der Zukunft?
Ich mag es nicht, Favoriten zu küren, aber es gibt ein paar – beides kleine Gemälde mit einer neuen Art von Komplexität in Motiv und Farbigkeit. Das kleinste heißt „Skull Tree“, und es gibt keine Figur, nur eine gelbe Baumlandschaft mit ein paar Schädeln auf den zentralen Ästen. Die Landschaft stammt aus einem Magazin, und die Schädel sind Halloween-Dekorationen, die ich auf dem Weg ins Atelier gesehen habe. Mich interessiert, wie die Landschaften in dieser Ausstellung als Gegenpole zu den Figuren funktionieren können. Sie durchbrechen das beharrliche Auftauchen dieser weiblichen Figur, mit der ich so viele Jahre gearbeitet habe, und öffnen die Erzählung. Die Landschaft bietet einen Raum der Kontemplation, der weniger greifbar ist. Er ist mir weniger vertraut, und ich versuche herauszufinden, welche Möglichkeiten darin liegen. Im Moment funktioniert die Landschaft für mich wie das Unbekannte oder das Unbewusste im Bild. Ich freue mich darauf, diese Idee in zukünftigen Arbeiten weiter auszuloten.
