Lern Patricia Zhou kennen – die Tänzerin, die sich in „Cats“ ihrer nächsten großen Herausforderung stellt
„Es ist sehr leicht, etwas zu machen, das gut aussieht. Spannend wird es erst, wenn deine Arbeit wirklich nach dir aussieht.“
Für Patricia Zhou ging es bei Bewegung nie nur um Technik, sondern immer auch um Emotionen und das Erzählen von Geschichten. Die Tänzerin, Choreografin und Filmemacherin hat sich eine Laufbahn aufgebaut, in der sie mühelos verschiedene Disziplinen verbindet: von der fundierten Ballettausbildung über zeitgenössische Performances und die Regiearbeit hinter der Kamera bis hin zu einer Rolle in einer der renommiertesten Musicalproduktionen überhaupt. Mit ihrer Rolle in Cats am Regent’s Park Open Air Theatre in London bringt Zhou ihre ganz eigene künstlerische Perspektive in einen neu interpretierten Klassiker ein – und übernimmt eine Rolle, die ebenso unerwartet wie perfekt getimt wirkt.
Im Laufe ihrer Karriere hat Zhou sich immer wieder selbst herausgefordert und weiterentwickelt. Dabei hat sie das Streben nach Perfektion gegen kreative Freiheit eingetauscht, ohne je ihren hohen Anspruch an ihr Handwerk aufzugeben. Ob sie choreografiert, Regie führt oder auf der Bühne steht – ihre Arbeit ist geprägt von einer klaren Haltung und dem Wunsch, Räume zu schaffen, in denen Künstler:innen sich frei entfalten können.
Vor der Premiere von Cats haben wir mit Zhou darüber gesprochen, wie sie eher zufällig zum Tanz kam, welche Schlüsselmomente ihre Karriere geprägt haben, wie sie in die Welt des Musicals eintaucht – und warum es heute wichtiger denn je ist, der eigenen kreativen Vision treu zu bleiben. Hier geht es zum vollständigen Interview.
Erzähl uns ein wenig von dir und davon, wie du zum Tanzen gekommen bist.
Ich bin Tänzerin, Choreografin und Filmemacherin. Zum Tanzen bin ich eher zufällig gekommen. Meine Eltern wollten – ganz typisch chinesische Eltern – nicht, dass meine Schwester und ich nach der Schule zu Hause bleiben und fernsehen, also schickten sie uns zu Tanzkursen im örtlichen Freizeitzentrum. Einer der Lehrer meinte, er sehe großes Potenzial in mir, und begann, mich dazu anzuspornen, an Wettbewerben teilzunehmen.
Das nahm viel Zeit in Anspruch: Im Sommer reiste ich an verschiedene Orte und nahm an nationalen Wettbewerben teil. Doch als ich elf oder zwölf wurde, fanden meine Eltern, ich sollte mich stärker auf die Schule konzentrieren. Als ich eines Jahres in China meine Großeltern besuchte, schickten sie mich deshalb zu extrem strengem Ballettunterricht – in der Hoffnung, die Lehrerin sei so gemein, dass ich anschließend keine Lust mehr aufs Tanzen hätte. Seltsamerweise veränderten diese Stunden meine ganze Persönlichkeit und meine Herangehensweise an alles völlig. Ich glaube, die Disziplin dieses strengen, professionellen Ballettunterrichts ließ mich erkennen, dass ich Ballerina werden wollte.
Meine Eltern zögerten noch immer sehr, aber jemand empfahl mir, an dieser russischen Ballettschule in den USA vorzusprechen – und ich bekam schließlich ein Stipendium. Daraufhin gaben meine Eltern nach und sagten, ich dürfe tanzen, solange meine Noten perfekt blieben, falls es mit der Karriere als Tänzerin doch nichts würde.
Dort absolvierte ich vier Jahre Ausbildung, arbeitete anschließend jahrelang professionell für Ballettkompanien und zog nach LA, um einer Contemporary-Dance-Company beizutreten. Irgendwann merkte ich jedoch, dass ich bei den Aufführungen mehr mitbestimmen wollte. Also ging ich, um eigene Arbeiten zu schaffen – was mich jetzt bis auf die West-End-Bühne geführt hat!
Es ist unglaublich, dass du schon so früh wusstest, dass du Tänzerin werden willst.
Ja, das ist witzig, denn elf oder zwölf klingt vermutlich sehr jung, aber im Ballett ist das seltsamerweise schon ziemlich spät. Ich glaube aber, dass es mir zugutekam, denn ich habe viele Wunderkinder ausbrennen sehen, weil sie als Kinder zu sehr unter Druck gesetzt wurden. Und weil ich etwas später dazu kam, hatte ich nicht diese idealisierte Vorstellung, Primaballerina beim Paris Opera Ballet zu werden. Ich war einfach glücklich, dabei zu sein, und ließ mich treiben. Ich glaube, das hat mir ermöglicht, bei meinen Entscheidungen etwas flexibler zu sein.
Du hast eine kleine Tanzpause eingelegt und stehst nun in Cats auf der Bühne. Wie kam diese Chance zustande, und wie ging es dir damals damit?
Vor etwa zwei Jahren wurde ich zunächst inoffiziell zu Cats geholt. Chrissie, der Regisseur und Choreograf, war angefragt worden, die Produktion neu zu inszenieren, zögerte aber, glaube ich, eine Weile, weil es eine so ikonische Show ist. Was bringt es schließlich, wenn man nicht wirklich das Gefühl hat, ihr gerecht werden zu können? Also wurden wir zu acht für einen geheimen Workshop zusammengebracht. Bis zum ersten Tag hatten wir keine Ahnung, worum es ging – dann wurde es uns erzählt.
Ich komme eigentlich nicht aus dem Musicalbereich, deshalb hatte ich Cats nie gesehen. Entsprechend hatte ich keine großen Erwartungen und empfand zu Beginn auch nicht besonders viel dabei. Doch in der ersten Woche arbeiteten wir an der zentralen Tanzsequenz der Show, und da dachte ich: „Oh mein Gott, das ist so aufregend.“
Seit ich freiberuflich arbeite, nehme ich Projekte eigentlich nur an, wenn sie mich wirklich begeistern, denn sie kosten so viel Arbeit, Zeit und Energie. Aber ich dachte sofort: „Okay, das muss passieren.“ Als mir die Rolle dann tatsächlich angeboten wurde, fühlte es sich einfach vorherbestimmt an – genau das, worauf ich gewartet hatte. Und weil ich noch nie in einem Musical gespielt hatte, war es auch eine spannende Herausforderung.
Du hast auch schon hinter der Kamera gearbeitet. Wie hat das, glaubst du, deinen Ansatz als Performerin verändert?
Hinter der Kamera zu stehen und auch Regie zu führen, hat verändert, wie viel Druck ich mir als Performerin mache. Denn man merkt, dass auch die Person vorne im Raum noch versucht herauszufinden, wie alles funktionieren soll. Wenn ich selbst vorne stehe und Regie führe, erwarte ich nicht, dass andere von Anfang an alles perfekt können – es ist eher ein gemeinsamer Prozess. Wenn ich dann wieder als Performerin arbeite, fühlt es sich weniger druckvoll an. In einer leitenden Rolle merkt man außerdem, dass man möchte, dass sich die Performer:innen bei dem, was sie tun, wohl und sicher fühlen. Je älter ich werde und je mehr ich selbst in diese leitende Rolle hineinwachse, desto mehr denke ich darüber nach, Räume zu schaffen, in denen Menschen sich sicher fühlen, etwas auszuprobieren, und sich wichtig fühlen – schließlich sind sie aus einem Grund da.
Cats ist, wie du sagst, eine jener Produktionen, die so viele Menschen in- und auswendig kennen. Was hat dich an der Inszenierung am meisten überrascht?
Nachdem mir der Job angeboten worden war, dachte ich: „Okay, ich muss jetzt tief eintauchen und verstehen, worauf ich mich da einlasse.“ Also schaute ich verschiedene Versionen des Musicals und den Film und las viel über die unterschiedlichen Figuren. Dabei stellte ich fest, dass die meisten Menschen vor allem die Originalchoreografie kennen – sie ist einfach so ikonisch. Deshalb war ich sehr gespannt darauf, wie Chrissie sie neu angehen würde.
Das wirklich Spannende an diesem Cast ist, dass jede:r einzelne unglaubliche, einzigartige Fähigkeiten mitbringt. Deshalb war es interessant zu beobachten, wie diese in einem Stück zum Vorschein kommen, das im Kern ein Ensemblestück ist und in dem wir uns oft synchron bewegen. Die Herangehensweise wirkt wie die Frage: „Wie bringen wir all diese unterschiedlichen Menschen zusammen und heben zugleich ihre besonderen, einzigartigen Bewegungstalente hervor?“ Als Performerin ist es sehr spannend zu sehen, wie unterschiedliche, unverwechselbare Stile wirklich gefördert werden und alle ihre Berechtigung haben. Das öffnet einem wirklich die Augen, und ich kann es kaum erwarten, dass das Publikum es sieht – denn bei den Proben sitze ich jeden Tag mit offenem Mund da.
Die Produktion findet unter freiem Himmel im Regent’s Park Open Air Theatre statt. Was verleiht das der Show, glaubst du?
Ich finde, es bringt unglaublich viel hinzu. Schon im Training machen wir Katzenmeditationen: Wir schließen die Augen und stellen uns vor, wie sich unsere Haut vielleicht in Fell verwandelt. In manchen dieser Bilder heißt es dann: „Jetzt spürst du eine Brise, die durch dein Fell fährt“ – doch wir werden tatsächlich draußen sein und diese Brise fühlen können. Oder wir drehen plötzlich das Gesicht, und die Sonne kommt heraus. Ich glaube also, dass es uns Performer:innen weitere Elemente gibt, mit denen wir spielen können. Außerdem hat es etwas ganz Besonderes, mit dem Publikum unter demselben Himmel zu sein: Die Brise, die du spürst, ist dieselbe, die auch die Performer:innen spüren. Das verbindet auf eine ganz besondere Weise.
Im Ballett dreht sich alles um Perfektion, während Contemporary Dance freier ist. Wo fühlst du dich am wohlsten?
Obwohl ich aus dem Ballett komme, habe ich mich nie unbedingt als besonders technische Tänzerin gesehen, denn bei mir wird vieles von Emotionen oder der Musik geleitet. Als Kind lernte ich Choreografien, kannte die Schritte aber gar nicht ohne die Musik. Sobald sie lief, wusste ich jedoch ganz genau, welcher Tanz es war. Natürlich geht es in der Ballettausbildung sehr stark um Technik und darum, Dinge auf eine ganz bestimmte Weise auszuführen – und hoffentlich ist es mir inzwischen gelungen, beides zu verbinden. Ich trainiere fast jeden Tag, auch wenn ich nicht auftrete, denn es geht darum, die Muskeln so zu schulen, dass sie auf eine ganz bestimmte Weise arbeiten. Wenn ich dann auftrete, funktionieren Körper und Muskeln, ohne dass ich darüber nachdenken muss, sodass ich Gefühle zeigen und mich verletzlich machen kann, ohne dabei all diese Technik zu verlieren.
Gibt es Kreative, die deine Bewegung inspirieren?
Ja, so viele! Filmemacher wie Wong Kar-wai und Wes Anderson. Da ist diese großartige Fotografin namens Leslie Zhang, die viel mit Vogue China arbeitet. Und dann gibt es noch die Fotografin Elizaveta Porodina – wenn man ihre Arbeiten betrachtet, fühlt es sich an, als würde man in ihre Welt und ihre Perspektive versetzt. Bei manchen Marken ist es genauso, zum Beispiel bei Cecilie Bahnsen oder Chet Lo: Man versteht ihre Haltung sofort. Sie ist unmittelbar klar.
Es beeinflusst nicht unbedingt die Art, wie ich mich bewege, aber ich glaube, es prägt, wie ich an meine Arbeit herangehe. Es ist sehr leicht, Arbeiten zu schaffen, die gut aussehen. Spannender finde ich jedoch, Arbeiten zu kreieren, die nach einem selbst aussehen. Das ist mein Nordstern dafür, wie ich an Dinge herangehen möchte, während ich immer mehr eigene Arbeiten entwickle. Ich frage mich: „Wie bleibe ich meiner eigenen Vision treu?“
Du hast erwähnt, dass du etwas später zum Ballett kamst als viele Profis. Wie würdest du dein Verhältnis zu Disziplin beschreiben?
Ich habe das Gefühl, dass diese zehn Unterrichtsstunden in China mein ganzes Leben verändert haben. Ich bin sehr fleißig und fokussiert. Wenn ich etwas übernehme, arbeite ich so hart wie möglich, um es auf das höchste Niveau zu bringen, das ich erreichen kann. Das ist ein schwieriger Maßstab, denn was ist überhaupt das Beste, das man erreichen kann? Das ist doch grenzenlos, oder? Wenn man einfach weiterarbeitet, kann es immer besser und besser werden – aber es gibt auch die andere Seite. Wenn ich zum Beispiel an einem Film arbeite und ihn schneide, könnte ich das buchstäblich so lange tun, bis mein:e Partner:in nach Hause kommt und mich im Dunkeln vorfindet, weil ich etwa 14 Stunden lang am selben Platz gesessen habe. Manchmal ist das großartig, aber ich bekomme dann einen Tunnelblick. Perfektionismus hat seine Vorteile, aber gesundheitlich ist er nicht immer das Beste. Ich glaube aber, dass man es den Projekten ansieht, die ich übernehme. Ich gebe immer 150 Prozent, denn sonst denke ich einfach: Wozu überhaupt?
Zum Schluss: Was kommt als Nächstes für dich?
Im Moment arbeite ich an Cats, und nach unserer Spielzeit im Regent’s Park gehen wir für fast ein Jahr auf Tour durch das Vereinigte Königreich und Dublin. Kurzfristig denke ich noch nicht wirklich voraus, aber langfristig würde ich gern ein eigenes Studio und eine eigene Tanzkompanie haben. Ich möchte weiterhin eigene Arbeiten schaffen und Räume fördern, in denen Tänzer:innen sich als Künstler:innen auf ihre eigene Art wirklich entwickeln können. Vielleicht könnte ich sie dabei begleiten, die beste Version ihrer selbst zu werden.
Außerdem möchte ich regelmäßiger eigene Arbeiten schaffen. Derzeit gibt es nicht besonders viele Menschen, die neues klassisches Ballett machen. Ich würde gerne herausfinden, wie ich meine eigenen Geschichten, meine eigene Ästhetik und Kultur in einen Bereich einbringen kann, der traditionell nicht von meiner Kultur oder Ästhetik geprägt ist. Ich denke also darüber nach, den Tanz so zu modernisieren, dass er sich mehr nach mir anfühlt – und sich zugleich gut tanzen lässt. Es gibt noch so viele weitere Geschichten, die erzählt werden können.
