Rencontrez Patricia Zhou, la danseuse qui relève un nouveau défi dans « Cats »
« Créer une pièce qui est belle, c’est facile. Ce qui est vraiment passionnant, c’est de créer une œuvre qui vous ressemble. »
Pour Patricia Zhou, le mouvement n’a jamais été qu’une affaire de technique : c’est aussi une question d’émotion et de récit. Danseuse, chorégraphe et réalisatrice, elle a construit une carrière qui fait dialoguer les disciplines avec naturel, de l’exigeante formation en ballet à la scène contemporaine, en passant par la réalisation, derrière la caméra, jusqu’à l’une des productions les plus célèbres du théâtre musical. À l’affiche de Cats au Regent’s Park Open Air Theatre, à Londres, Zhou apporte son propre regard artistique à ce classique réinventé, en endossant un rôle aussi inattendu que parfaitement opportun.
Tout au long de sa carrière, Zhou n’a cessé de se réinventer, troquant la quête de perfection contre une plus grande liberté créative, sans jamais se départir de son profond engagement envers son art. Qu’elle crée des chorégraphies, réalise ou se produise sur scène, son travail est porté par un regard affirmé et le désir de créer des espaces où les artistes peuvent s’exprimer pleinement.
À l’approche de la première de Cats, nous avons rencontré Zhou pour évoquer sa découverte fortuite de la danse, les moments décisifs qui ont façonné sa carrière, son entrée dans l’univers du théâtre musical et les raisons pour lesquelles il est plus essentiel que jamais de rester fidèle à sa propre vision créative. Découvrez l’interview dans son intégralité.
Pouvez-vous nous en dire un peu plus sur vous et sur la façon dont vous avez découvert la danse ?
Je suis danseuse, chorégraphe et réalisatrice. Je suis arrivée à la danse un peu par hasard. Mes parents, typiques de parents chinois, ne voulaient pas que ma sœur et moi restions à la maison après l’école à regarder la télévision, alors ils nous ont inscrites à des cours de danse au centre de loisirs du quartier. L’un des professeurs a dit déceler beaucoup de potentiel chez moi et a commencé à beaucoup me pousser à participer à des concours.
J’y consacrais énormément de temps, voyageant en été dans différents endroits pour participer à des compétitions nationales. Mais mes parents estimaient que je devais davantage me concentrer sur mes études, alors que j’allais avoir 11 ou 12 ans. Une année, alors que j’étais en Chine chez mes grands-parents, ils m’ont envoyée à des cours de ballet très stricts, dans l’espoir que le professeur soit si méchant que je ne veuille plus danser. Curieusement, ces cours ont complètement changé ma personnalité et ma manière d’aborder les choses. Je crois que la discipline de ces cours de ballet très rigoureux et professionnels m’a fait comprendre que je voulais devenir ballerine.
Mes parents restaient très hésitants, mais quelqu’un m’a recommandé de passer une audition pour cette école de ballet russe aux États-Unis, et j’ai finalement obtenu une bourse. Mes parents ont alors cédé et m’ont dit que je pouvais danser à condition d’avoir des notes parfaites, au cas où je ne réussirais pas à devenir danseuse.
J’y ai suivi quatre années de formation, puis j’ai travaillé pendant des années dans des compagnies de ballet professionnelles. J’ai ensuite déménagé à LA pour rejoindre une compagnie de danse contemporaine, avant de comprendre que je souhaitais avoir davantage de contrôle sur les spectacles. J’ai fini par partir pour créer mes propres œuvres, ce qui m’amène aujourd’hui à danser dans le West End !
C’est incroyable d’avoir compris si jeune que vous vouliez devenir danseuse.
Oui, c’est amusant, car 11 ou 12 ans, cela paraît très jeune, mais, étrangement, dans le ballet, c’est en réalité assez tard. Je pense toutefois que cela a joué en ma faveur, car j’ai vu beaucoup d’enfants prodiges s’épuiser à force d’avoir été trop poussés dès l’enfance. Et comme je suis arrivée un peu plus tard dans cet univers, je n’avais pas cette vision idéalisée qui consistait à devenir danseuse étoile au Ballet de l’Opéra de Paris ; j’étais simplement heureuse d’être là et je me laissais porter. Je crois que cela m’a permis d’être un peu plus souple dans mes choix.
Vous avez fait une petite pause dans la danse, et vous voilà aujourd’hui à l’affiche de Cats. Pouvez-vous nous raconter comment cette opportunité s’est présentée et ce que vous ressentiez à ce moment-là ?
J’ai d’abord rejoint Cats de manière officieuse, il y a environ deux ans. Chrissie, le metteur en scène et chorégraphe, avait été sollicité pour revisiter la production et, je crois, a longtemps hésité, tant le spectacle est emblématique. À quoi bon, si l’on n’a pas vraiment le sentiment de pouvoir lui rendre justice ? Nous étions donc huit à être réunis pour un atelier tenu secret. Nous ignorions totalement ce que nous allions faire jusqu’au premier jour, lorsqu’ils nous l’ont annoncé.
Je n’ai pas vraiment de parcours dans le théâtre musical, donc je n’avais jamais vu le spectacle. Je n’avais donc pas beaucoup d’attentes ni de sentiments particuliers à son sujet lorsque nous avons commencé. Mais au cours de la première semaine, nous avons travaillé sur la grande séquence dansée du spectacle, et je me suis dit : « Oh là là, c’est tellement excitant. »
Depuis que je suis indépendante, j’ai tendance à n’accepter des projets que s’ils m’enthousiasment vraiment, parce qu’ils exigent énormément de travail, de temps et d’énergie. Mais là, je me suis vraiment dit : « D’accord, il faut que ça arrive. » Lorsque le rôle m’a effectivement été proposé, cela m’a semblé évident, comme si c’était écrit, exactement ce que j’attendais. Et comme je n’avais encore jamais fait de comédie musicale, cela représentait un défi exaltant.
Vous avez également travaillé derrière la caméra. Selon vous, en quoi cela a-t-il changé votre approche en tant qu’interprète ?
Le fait d’être derrière la caméra et de réaliser a changé mon rapport à la pression que je m’impose en tant qu’interprète, car on se rend compte que les personnes qui dirigent cherchent elles aussi leurs repères. Quand je dirige, je ne m’attends pas à ce que les gens réussissent tout parfaitement dès le départ ; cela relève davantage d’un travail collaboratif. Lorsque je redeviens interprète, je ressens donc moins de pression. En tant que responsable, on comprend aussi que l’on veut que l’interprète se sente à l’aise et en confiance dans ce qu’il fait. En avançant en âge et en passant davantage du côté de celles et ceux qui dirigent, je pense plus souvent à créer des espaces où chacun se sent en sécurité pour explorer et se sent important : ces personnes sont là pour une raison.
Comme vous le disiez, Cats fait partie de ces productions que tant de gens connaissent par cœur. Qu’est-ce qui vous a le plus surprise dans ce spectacle ?
Après avoir obtenu le rôle, je me suis dit : « D’accord, je dois me plonger dans le sujet et comprendre dans quoi je m’embarque. » J’ai donc regardé différentes versions de la comédie musicale, vu le film et beaucoup lu sur les divers personnages. J’ai constaté que c’est la chorégraphie originale que la plupart des gens connaissent : elle est tellement emblématique. J’étais donc très curieuse de voir comment Chrissie allait la réinventer.
Ce qui est vraiment intéressant avec cette distribution, c’est que chacun possède des talents incroyables, singuliers et bien à lui. Il a donc été passionnant de voir comment ils s’expriment au sein d’une œuvre qui repose essentiellement sur un ensemble, où nous évoluons souvent à l’unisson. Leur approche semble être la suivante : « Comment réunir toutes ces personnes différentes, tout en mettant en valeur leurs talents singuliers dans leur manière de bouger ? » En tant qu’interprète, c’est très intéressant de voir comment ils parviennent à cultiver des styles distincts tout en leur accordant à tous leur légitimité. C’est très éclairant, et j’ai hâte que le public le découvre, car chaque jour, en répétition, je reste bouche bée.
La production se joue en plein air, au Regent’s Park Open Air Theatre. Qu’est-ce que cela apporte au spectacle, selon vous ?
Je pense que cela apporte énormément. Rien que pendant notre préparation, nous faisons des méditations de chats : nous fermons les yeux et imaginons que notre peau se transforme peut-être en fourrure. Dans certaines de ces visualisations, on nous dit : « Maintenant, vous sentez une brise qui fait frémir votre fourrure », mais nous serons réellement dehors et pourrons sentir cette brise, ou nous tournerons soudain le visage et le soleil apparaîtra. Je pense donc que cela ajoutera d’autres éléments avec lesquels nous, les interprètes, pourrons jouer. Il y a aussi quelque chose de très particulier à être sous le même ciel que le public : la brise que l’on ressent est la même que celle que ressent l’interprète. C’est profondément fédérateur, d’une manière très particulière.
Le ballet est tout entier tourné vers la perfection, tandis que la danse contemporaine est plus libre. Dans quel univers vous sentez-vous le plus à l’aise ?
Venir du ballet ne veut pas forcément dire que je me suis toujours considérée comme une danseuse très technique, car, chez moi, tout part beaucoup de l’émotion ou de la musique. Enfant, j’apprenais des enchaînements et, sans la musique, je ne connaissais pas vraiment les pas ; mais dès qu’on la lançait, je savais exactement quelle était la danse. Bien sûr, la formation classique est très axée sur la technique et sur une manière très précise de faire les choses ; j’espère donc être aujourd’hui parvenue à faire cohabiter tout cela. Je m’entraîne presque tous les jours, même lorsque je ne me produis pas, car il s’agit vraiment de s’assurer que les muscles sont entraînés à travailler d’une façon très spécifique afin que, lorsque l’on est sur scène, le corps et les muscles fonctionnent sans que l’on ait à y penser. On peut alors véritablement exprimer ses émotions et se montrer vulnérable sans perdre toute cette technique.
Y a-t-il des créatifs qui inspirent votre manière de bouger ?
Oui, tellement ! Des cinéastes comme Wong Kar-wai et Wes Anderson. Il y a cette formidable photographe, Leslie Zhang, qui travaille beaucoup avec Vogue China. Il y a aussi une autre photographe, Elizaveta Porodina : lorsque l’on regarde leur travail, on a l’impression d’être transporté dans leur univers et d’adopter leur regard. C’est la même chose avec certaines marques, comme Cecilie Bahnsen ou Chet Lo : leur point de vue est immédiatement perceptible.
Cela n’influence pas nécessairement ma façon de bouger, mais je pense que cela influence ma manière d’aborder le travail. Il est très facile de créer des œuvres qui sont belles, mais ce qui m’intéresse davantage, c’est de créer des œuvres qui vous ressemblent. C’est mon étoile polaire, la ligne directrice de la façon dont je veux aborder les choses à mesure que je développe de nouveaux projets. Je me demande : « Comment rester fidèle à ma propre vision ? »
Vous avez dit être arrivée au ballet un peu plus tard que beaucoup de professionnels. Quel est votre rapport à la discipline ?
J’ai le sentiment que ces dix cours en Chine ont complètement changé ma vie. Je suis très travailleuse et très concentrée, donc, lorsque je m’engage dans quelque chose, je travaille aussi dur que possible pour le mener à bien au meilleur niveau dont je suis capable. C’est un critère difficile à fixer, car quel est vraiment le meilleur niveau que l’on peut atteindre ? C’est sans limites, n’est-ce pas ? En continuant à travailler, cela peut toujours être mieux, encore et encore, mais il y a aussi un revers. Par exemple, si je travaille sur un film et que je le monte, je peux littéralement continuer jusqu’à ce que ma partenaire rentre et me trouve dans le noir, parce que je suis restée au même endroit pendant quatorze heures environ. Parfois, c’est formidable, mais j’ai tendance à avoir une vision en tunnel. Le perfectionnisme a ses bons côtés, mais ce n’est pas toujours idéal pour la santé. Je crois toutefois que cela se voit dans les projets que j’entreprends. Je donne toujours 150 %, car sinon, je me demande : à quoi bon ?
Enfin, quelle est la suite pour vous ?
Pour l’instant, je travaille sur Cats, et, après notre série de représentations à Regent’s Park, nous partirons en tournée au Royaume-Uni et à Dublin pendant près d’un an. À court terme, je ne me projette pas vraiment, mais, à plus long terme, j’aimerais avoir mon propre studio et ma compagnie de danse. Je veux continuer à créer et à cultiver des espaces où les danseurs peuvent réellement se développer en tant qu’artistes, à leur façon. Peut-être pourrais-je les accompagner pour qu’ils deviennent la meilleure version d’eux-mêmes.
Je souhaite aussi créer mes propres œuvres de façon plus régulière. Aujourd’hui, peu de gens créent de nouveaux ballets classiques. J’aimerais trouver comment intégrer mes propres récits, mon esthétique et ma culture dans un espace qui, traditionnellement, ne relève ni de ma culture ni de mon esthétique. Je pense donc à moderniser la danse d’une manière qui me ressemble davantage, et qui soit aussi agréable à danser pour les interprètes. Il reste tant d’histoires à raconter.
