Binabaluktot ni Janet Werner ang Beauty Ideals ng Fashion sa Kanyang Mga Painting
Gamit ang Vogue archives at vintage na mga campaign, binabaluktot ng artist ang pamilyar na mukha ng fashion para ilantad ang mas maselan at mas totoo nitong anyo.
Sa halos apat na dekada,Janet Werner ay nagbuo ng isang praktikang nakaugat sa transpormasyon—humuhugot mula sa kumikintab na mundo ng fashion para saka ito kalasin sa canvas. Hinuhukay niya ang archival na mga imahe mula sa mga lumang edisyon ng Vogue at mga iconic na kampanya tulad ng kay Marc Jacobs, muling binubuo ni Werner ang pamilyar na mga ideal ng ganda tungo sa isang mas masalimuot na anyo. Sa kaniyang mga kamay, ang arketipal na fashion model—karaniwang payat, blonde at sagisag ng pribilehiyo—ay nababaling at, kung minsan, nakakabagabag, ibinubunyag ang matinding tensiyon sa pagitan ng glamor at grotesque.
Ang pinakabagong serye ng artist na si Landscape with Legs, ay dumarating sa isang kulturang sandaling sobrang siksik sa kahulugan. Habang muling umuusbong ang hyper-payat na beauty standards at bumabalik sa spotlight ang fashion culture ng early 2000s, nagiging lalo pang apurahan ang mga painting ni Werner. Nasa pagitan ng mundo ng sining at fashion, sinusuri ng kaniyang mga obra ang kababaihan bilang mga objek ng pagnanasa habang hinuhukay ang mga power dynamic na nakapaloob sa pagiging babae. Ang mga pigurang ito—sabay mapang-akit at tila banyaga—ay nabubuhay sa hilahang labanan sa pagitan ng agency at objectification, sabay na kumakatawan at lumalaban sa mga sistemang humuhubog sa kanila.
Nakipagkuwentuhan kami kay Werner habang pinagninilayan niya ang kaniyang dekada-dekadang praktika, ang nagbabagong relasyon niya sa fashion imagery, at ang mas malalim na sikolohikal na teritoryong tinatahak niya sa pamamagitan ng pintura. Basahin sa ibaba ang buong panayam.
Ang eksibisyon ay mapapanood mula Mayo 1 hanggang Hunyo 12, 2026 sa Anat Ebgi Gallery.
Maaari mo bang ikuwento nang kaunti ang tungkol sa iyong karera at kung paano ka nagsimula bilang artist?
Nagsimula ako bilang mananayaw, nag-aaral ng ballet, pero noong 17 ako, napagpasyahan kong hindi iyon para sa akin. Hindi agad halatang opsyon ang visual art, kahit pareho pang nag-aral ng Fine Art ang mama at kapatid ko. Pintora rin ang lola ko, kaya talagang nasa dugo na. Napansin ng kapatid ko na palagi akong nagdo-drawing, at matapos akong gumugol ng apat na taon sa pag-aaral ng Liberal Arts, hinikayat niya akong ituloy ang fine arts. Nang tuluyan na akong nagpasya, tinapos ko ang bachelor’s at master’s sunod-sunod, at hindi pa ako naging ganoon kasaya. Painting agad ang naging pokus ko at sobrang naging kaakit-akit at hamon ito sa akin kaya nauwi sa pagiging obsesyon ko. Halos apatnapung taon na iyong ganoon. Hanggang ngayon, matindi pa rin ang hamon nito sa akin.
Magbubukas ka na ng isang solo show sa New York. Ano ang pakiramdam? Ano ang ibig sabihin ng sandaling ito para sa iyo?
Ito ang ikalawa kong solo show sa New York; ang nauna ay apat na taon na ang nakararaan at naging napakalaking tagumpay—sold out, at dumalo ang mahahalagang kolektor at kritiko. Sobrang thrilling noon! Pero mula noon, parang umikot na ang mundo sa ibang axis. Ang kasalukuyang politikal na sandali ay ramdam na traumatiko at alanganin, kaya kakaibang panahon ito. Hindi ko alam kung ano ang dapat asahan. Sabik pa rin akong makabalik sa NYC, siyempre. Laging nakakakilig ang lungsod, at sabik akong muling makipagkita sa mga kaibigan, kasamahan at sa gallery, at makakita rin ng maraming eksibisyon. Siyempre, umaasa akong mainit na tatanggapin ang show. Laging may kaba dahil hindi mo talaga alam ang mangyayari, pero lubos akong nagpapasalamat sa pagkakataong maipakita ang seryeng ito ng mga obra.
Maaari mo bang ikuwento nang kaunti ang tungkol sa iyong creative process?
Medyo konsistent ang creative process ko sa nakaraang 15 taon, kahit nagbabago-bago ang pokus ng mga obra. Kadalasan, nagsisimula ako sa photographic na mga imahe ng mga pigura na kinukuha ko mula sa mga fashion magazine. May art-historical references ding humuhubog sa trabaho; halimbawa, sa show na ito, may mga landscape element na hinango kina Watteau at Caspar David Friedrich. Hinahalo-halo ko ang mga imahen, pinagsasama sa mga tinatawag kong “collage sketches.” Interesado ako sa banggaan ng mga imahe, sa puwang at pagkabitin, kung saan biglang may hindi inaasahang nangyayari. Para itong pagdulas sa balat ng saging—nasa isang lugar ka, tapos bigla ka na lang napupunta sa iba. Napakaraming posibleng kahulugan at interpretasyon ang biglang bumubukas.
Kapag nakapili na ako ng collage, saka ako nagsisimula sa proseso ng pagpipinta, at doon na nagiging bukas sa lahat ng posibilidad ang trabaho. Maraming hindi inaasahang bagay ang lumilitaw sa pagsasalin mula litrato patungong painting. Ang komposisyon, kulay, tono at mga patong ay nagbabago sa photographic collage tungo sa isang ibang klaseng nilalang. Doon nagiging masaya—hindi mo siya lubos na makokontrol. Ang materialidad ng pintura, ang bigat at daloy nito, pati ang bilis ng paggawa, ang kamay at ang brush na humahaplos sa surface, lahat iyon ay nagbabago kung paano binabasa ang imahe.
Ang show ay pinamagatang Landscape with Legs dahil malinaw naman kung bakit, pero gusto ko rin na may mapaglarong, nakakatawang tono ang pamagat. Gumagamit din ako ng ilang litrato ng mga landscape na ako mismo ang kumuha. Mas binibigyang-diin dito ang landscape sa pangkalahatan, na pinagsasama sa mga imahen ng mga pigurang hinango mula sa fashion.
Ang showcase na ito ay nasa sangandaan ng sining at fashion. Ano ang unang humatak sa iyo sa fashion imagery bilang source material para sa iyong mga painting?
Napunta ako sa fashion imagery nang halos aksidente lang. Hindi ako lumaki na tumitingin o nag-iisip tungkol sa fashion, at sa katunayan, noong mas bata ako, medyo minamaliit ko pa ito dahil nakikita ko itong problematiko. Pero gumagawa na ako noon ng mga portrait mula sa imahinasyon, nang walang reference na litrato, at naubos ko na ang kaya kong gawin gamit ang prosesong iyon. Naghahanap ako ng ibang atake.
Noon namang panahon na iyon, early 2000s, biglang nagsulputan ang napakaraming tindahan ng magazine. Lumipat ako sa Montreal at naglilibot ako sa mga tindahan na iyon nang mapagtanto kong parang handang-handang arkibo ang mga fashion magazine ng mga imahen ng katawan. Nagpapakita ang mga iyon ng sari-saring kilos, pose, tingin, kasuotan, hugis, kulay, tono—isang buong hanay ng visual na katangian na maaari kong hiramin at paglaruan. Na-fascinate ako sa sobrang komplikado ng nangyayari sa mga litrato—ang pag-evoke ng pagnanasa. Para itong pagbubunyag, at isang mundo ng posibilidad para sa pagpipinta ang biglang bumukas sa akin sa pamamagitan ng mga pahinang iyon. Ang tumimo sa akin ay ang tingin ng modelo, ang sense of movement, ang abstract na pattern at hugis ng damit, hindi mismo ang damit, ang talagang nakapukaw sa akin. Lahat iyon ay nagkakabit-kabit—ang sikolohikal at emosyonal na mga katangian nila, pati ang pagiging abstract ng mga ito.
Pinaglalaruan mo ang glamor at grotesque sa iyong mga painting. May mensahe ka bang gustong maiuwi ng mga tao mula rito?
Pagdating sa glamor at grotesque, oo, madalas silang parang nag-uusap sa loob ng mga obra ko. Gusto kong magkaroon ng lalim ang mga painting—sikolohikal at emosyonal na lalim. Nakakaakit ang fashion magazines sa isang banda, pero sa kabilang banda, mababaw, paulit-ulit at kadalasang tila walang laman. Generic, parang manika ang mga modelo. Maaari silang maging sinuman at wala ring tiyak na pagkatao. Dahil dito, maaari kong i-project at baguhin sila. Sinisikap kong lagyan sila ng tunay na subjectivity, sikolohikal at emosyonal na buhay—parang pinupuno ko sila, kumbaga. Minsan, nakakatulong ang distortion at ang grotesque para bigyan ng bigat ang imahe at gawing mas komplikado ang pagbasa rito. Kapag puro glamor lang, pakiramdam ko hungkag sila; kailangan laging may kaunting talim. Kadalasan, may humorous na talim, at bahagi niyon ang grotesque. Minsan, may bahid din ng karahasan sa paghahati-hati ng mga imahe. Nagdudulot iyon ng bitak at binubuksan ang naratibo.
Madalas magmukhang arketipal na fashion models ang mga subject mo—payat, blonde at pribilehiyado. Paano mo hinahawakan ang sarili mong relasyon sa iyong katawan at sa mga pigurang ito habang pinipinta mo sila?
Madali lang iyon: wala ako roon. Kapag lubog na ako sa paggawa ng painting, nasa proseso ako. Intuitive ito at lubusang sumasakop sa akin. Ang mga tanong na lumilitaw ay hindi kung sino ako kaugnay nila, kundi kung sino sila, ano ang ginagawa nila, at paano ko sila mapapagsalita. Nasa fictional portraiture pa rin ako. Ang katotohanang arketipal na fashion models sila ang siya ring nagtutulak sa akin na baguhin sila sa kung anong paraan para maging mukhang totoo at malampasan ang hangganan ng orihinal na source material.
Kamakailan, muling pumasok sa cultural conversation ang modeling industry ng early 2000s, partly dahil sa panibagong interes sa mga palabas tulad ng America’s Next Top Model. Pakiramdam mo ba ay iba na ang dating ng mga obra mo ngayon habang muling sinusuri ng mga tao ang panahong iyon?
Nagsimula akong magtrabaho gamit ang mga imaheng ito mula sa fashion noong 2000s, at ilan sa mga materyales sa studio ko ay mula pa sa panahong iyon. Ginagamit ko pa rin sila at hindi sila mukhang laos sa paningin ko. Nakikita kong inuulit pa rin ngayon ang parehong tropes, at kahit mas marami nang representasyon sa mga modelo, hindi naman talaga nagbago ang paraan ng kanilang pagpe-perform. Minsan, pumipili ako ng mga imaheng nakaaalala sa 1960s. May isang painting sa show na tinatawag na “Petula” na may pigurang may backcombed hair at makapal na mascara. May nostalgia ako para sa panahong iyon, panahon kung kailan nasa rurok ang nanay ko. Siya ang naging icon ko ng femininity.
Nagbago ba ang pananaw mo sa ganda mula nang magsimula kang magtrabaho sa ganitong subject matter?
Hindi nagbago ang pananaw ko sa ganda. Pinag-iisipan ko kung ano ang nagpapaganda sa isang bagay sa ibabaw lang pero kulang sa lalim, kumpara sa isang mas malalim na uri ng ganda na mas masalimuot at mas nakakainteres. Gusto kong maging maganda AT nakakainteres ang mga painting, maganda AT nakakagulat, o kahit nakakaistorbo.
May paborito ka bang piyesa sa eksibisyon? At paano mo nakikitang mag-e-evolve ang subject matter sa hinaharap?
Ayokong pumili ng paborito, pero may dalawa—parehong maliliit na painting na may bagong klaseng kompleksidad sa subject at sa kulay. Ang pinakamaliit ay tinatawag na “Skull Tree,” at walang pigura rito, kundi isang dilaw na tanawin ng mga puno na may ilang bungo sa gitnang mga sanga. Galing sa magazine ang landscape, at ang mga bungo ay Halloween decorations na nakita ko sa daan papuntang studio. Interesado ako kung paano maaaring kumilos ang mga landscape sa show na ito bilang counterpoint sa mga pigura. Binabasag nila ang paulit-ulit na paglitaw ng babaeng pigura na ilang taon ko nang pinagtatrabahuhan at binubuksan nila ang naratibo. Nag-aalok ang landscape ng puwang para sa pagninilay na hindi madaling maabot. Hindi ito ganoon kakilala para sa akin, at sinusubukan kong tuklasin kung ano ang mga posibilidad. Sa ngayon, gumagana para sa akin ang landscape bilang ang hindi kilala o subconscious sa mga painting. Sabik akong tuklasin pa ang ideyang ito sa mga susunod na obra.
