Scopri Patricia Zhou, la danzatrice che affronta la sua nuova sfida in “Cats”
«È molto facile creare un lavoro che sembri bello, ma è molto più interessante creare qualcosa che assomigli a te.»
Per Patricia Zhou, il movimento non è mai stato solo una questione di tecnica: è emozione e racconto. Danzatrice, coreografa e regista, ha costruito una carriera che attraversa con naturalezza discipline diverse, dalla rigorosa formazione nel balletto alla performance contemporanea, passando per la regia fino ad approdare a una delle produzioni più celebri del teatro musicale. Protagonista di Cats al Regent’s Park Open Air Theatre di Londra, Zhou porta il proprio sguardo artistico in un classico reinventato, accogliendo un ruolo tanto inaspettato quanto arrivato al momento giusto.
Nel corso della sua carriera, Zhou ha continuato a mettersi alla prova e a evolvere, sostituendo la ricerca della perfezione con la libertà creativa, senza mai venir meno al profondo impegno per il proprio mestiere. Che crei coreografie, diriga o si esibisca sul palco, il suo lavoro è guidato da una visione precisa e dal desiderio di creare spazi in cui gli artisti possano esprimersi pienamente.
In vista del debutto di Cats, abbiamo incontrato Zhou per parlare di come abbia scoperto la danza quasi per caso, dei momenti decisivi che hanno plasmato la sua carriera, del suo ingresso nel mondo del teatro musicale e del perché restare fedeli alla propria visione creativa conti oggi più che mai. Leggete l’intervista completa.
Puoi raccontarci qualcosa di te e di come ti sei avvicinata alla danza?
Sono una danzatrice, coreografa e regista. Mi sono avvicinata alla danza quasi per caso. I miei genitori, da tipici genitori cinesi, non volevano che io e mia sorella restassimo a casa dopo la scuola a guardare la TV, così ci hanno iscritte a corsi di danza al centro ricreativo di quartiere. Uno degli insegnanti disse di vedere in me un grande potenziale, così cominciò a spronarmi molto a partecipare alle gare.
Ci dedicavo moltissimo tempo: d’estate viaggiavo in posti diversi e partecipavo a competizioni nazionali. Ma, quando stavo per compiere 11 o 12 anni, i miei genitori pensavano che avrei dovuto concentrarmi di più sugli studi. Così, un anno, mentre ero in Cina a trovare i nonni, mi mandarono a lezioni di balletto davvero severe, sperando che l’insegnante fosse così cattivo da farmi passare la voglia di danzare. Stranamente, quelle lezioni cambiarono completamente la mia personalità e il mio modo di affrontare ogni cosa. Credo che la disciplina di quelle lezioni di balletto così rigorose e professionali mi abbia fatto capire che volevo diventare una ballerina.
I miei genitori erano ancora molto titubanti, ma qualcuno mi consigliò di fare un’audizione per una scuola russa di balletto negli Stati Uniti e alla fine ottenni una borsa di studio. A quel punto i miei genitori cedettero e dissero che avrei potuto danzare, purché avessi voti perfetti, nel caso non fossi riuscita a fare carriera come danzatrice.
Mi sono formata lì per quattro anni, poi ho lavorato per anni con compagnie di balletto professionistiche e mi sono trasferita a Los Angeles per entrare in una compagnia di danza contemporanea, prima di capire che volevo avere più voce in capitolo sulle performance. Alla fine ho lasciato per creare i miei progetti, e ora questo significa danzare nel West End!
È incredibile che tu abbia capito di voler fare la danzatrice così presto.
Sì, è buffo perché 11 o 12 anni possono sembrare un’età giovanissima, ma nel balletto, stranamente, sono già tanti. Credo però che sia stato un vantaggio, perché ho visto molti bambini prodigio esaurirsi per essere stati spinti troppo da piccoli. Inoltre, essendomi avvicinata un po’ più tardi, non avevo quella visione idealizzata di diventare prima ballerina del Balletto dell’Opéra di Parigi: ero semplicemente felice di essere lì, seguendo il corso delle cose. Penso che questo mi abbia permesso di essere un po’ più flessibile nelle mie scelte.
Hai attraversato una sorta di pausa dalla danza e ora sei in scena in Cats. Puoi raccontarci come è nata questa opportunità e come ti sentivi in quel momento?
Sono stata coinvolta in Cats inizialmente in modo non ufficiale, circa due anni fa. Chrissie, il regista e coreografo, era stato contattato per realizzare un nuovo allestimento dello spettacolo e credo fosse rimasto titubante per un po’, perché è un titolo così iconico. Se non senti davvero di potergli rendere giustizia, che senso ha? Così, otto di noi furono chiamati per un workshop riservato. Non avevamo idea di cosa stessimo facendo fino al primo giorno, quando ce lo dissero.
Non vengo propriamente dal teatro musicale, quindi non l’avevo mai visto. Questo significava che non avevo grandi aspettative e, all’inizio, non provavo particolari emozioni al riguardo. Ma durante la prima settimana abbiamo lavorato alla principale sequenza danzata dello spettacolo e allora ho pensato: «Oddio, è così emozionante».
Da quando lavoro come freelance, tendo a non accettare progetti se non mi entusiasmano davvero, perché richiedono tantissimo lavoro, tempo ed energie. Ma ho pensato davvero: «Ok, questa cosa deve succedere». Quando mi hanno effettivamente offerto il ruolo, mi è sembrato che fosse destino, esattamente ciò che stavo aspettando. E poi, dato che non avevo mai fatto un musical, mi è sembrata una sfida entusiasmante.
Hai lavorato anche dietro la macchina da presa. In che modo pensi che questo abbia cambiato il tuo approccio come performer?
Stare dietro la macchina da presa e dirigere ha cambiato il modo in cui vivo la pressione che metto su me stessa come performer, perché capisci che anche chi guida la sala sta cercando di capire come far funzionare le cose. Quando dirigo, non mi aspetto che le persone capiscano tutto perfettamente fin dall’inizio, quindi mi sembra più uno sforzo collaborativo. Quando torno a essere performer, sento meno pressione. Da guida, capisci anche che vuoi che chi si esibisce si senta a proprio agio e sicuro di ciò che sta facendo. Crescendo e passando sempre più spesso a dirigere, penso di più a creare spazi in cui le persone si sentano al sicuro di esplorare e importanti: sono lì per un motivo.
Cats, come dicevi, è una di quelle produzioni che moltissime persone conoscono benissimo. Che cosa ti ha sorpreso di più dello spettacolo?
Dopo aver ricevuto l’offerta, ho pensato: «Ok, devo approfondire e capire in cosa mi sto cacciando». Così ho guardato diverse versioni del musical, ho visto il film e letto molto sui vari personaggi. Ho scoperto che la coreografia originale è ciò che la maggior parte delle persone conosce: è talmente iconica che ero davvero incuriosita di capire come Chrissie l’avrebbe reinterpretata.
Ciò che rende questo cast davvero interessante è che ognuno possiede capacità incredibili, personali e uniche. È stato quindi interessante vedere come emergano all’interno di uno spettacolo essenzialmente corale, in cui spesso ci muoviamo all’unisono. L’approccio sembra essere: «Come riuniamo tutte queste persone diverse, valorizzandone al tempo stesso i talenti speciali e unici nel movimento?». Per me, come performer, è stato molto interessante vedere come riescano davvero a coltivare stili diversi e unici, facendoli sentire tutti legittimi. È davvero illuminante e non vedo l’ora che il pubblico lo scopra, perché ogni giorno, durante le prove, resto letteralmente a bocca aperta.
Lo spettacolo va in scena all’aperto, al Regent’s Park Open Air Theatre. Che cosa pensi aggiunga questo alla produzione?
Credo aggiunga tantissimo. Già durante la nostra preparazione facciamo meditazioni da gatto, in cui chiudiamo gli occhi e immaginiamo, per esempio, che la pelle si trasformi in pelo; in alcune di queste visualizzazioni ci dicono: «Ora senti una brezza che ti increspa il pelo», ma noi saremo davvero all’aperto e potremo sentirla, oppure potremmo girare improvvisamente il viso e vedere spuntare il sole. Penso quindi che aggiungerà altri elementi con cui noi performer potremo giocare. C’è anche qualcosa di davvero speciale nel trovarsi sotto lo stesso cielo del pubblico: la brezza che senti è la stessa che sente chi è in scena. È un elemento che unisce in un modo davvero speciale.
Il balletto è tutto incentrato sulla perfezione, mentre la danza contemporanea è più libera. Dove ti senti più a tuo agio?
Venendo dal balletto, non mi sono mai sentita necessariamente una danzatrice super tecnica, perché per me tutto è molto guidato dalle emozioni o dalla musica. Da bambina imparavo le coreografie e, senza musica, non conoscevo davvero i passi; ma appena partiva la musica, sapevo esattamente quale fosse la danza. Naturalmente, la formazione classica è molto incentrata sulla tecnica e sull’eseguire le cose in un modo molto specifico, quindi spero di essere riuscita a fondere questi aspetti. Mi alleno quasi ogni giorno, anche quando non sono in scena, perché si tratta di fare in modo che i muscoli siano allenati a lavorare in un modo molto preciso, così che durante una performance il corpo e i muscoli funzionino senza che tu debba pensarci, permettendoti di esprimere emozioni e mostrarti vulnerabile senza perdere tutta quella tecnica.
Ci sono creativi che ispirano il tuo movimento?
Sì, tantissimi! Registi come Wong Kar-wai e Wes Anderson. C’è questo straordinario fotografo, Leslie Zhang, che lavora molto con Vogue China. C’è poi un’altra fotografa, Elizaveta Porodina, e quando guardi il loro lavoro è come se venissi trasportato nel loro mondo, nel loro punto di vista. Lo stesso vale per alcuni brand, per esempio Cecilie Bahnsen o Chet Lo: capisci subito il loro punto di vista, è chiarissimo.
Non influenza necessariamente il modo in cui mi muovo, ma credo influenzi il modo in cui affronto il lavoro. È molto facile creare qualcosa che sia bello da vedere, ma per me è più interessante creare qualcosa che ti somigli. Questa è la mia stella polare nel modo in cui voglio affrontare le cose, mentre continuo a sviluppare nuovi progetti. Mi chiedo: «Come posso restare fedele alla mia visione?»
Hai detto di esserti avvicinata al balletto un po’ più tardi rispetto a molti professionisti. Che rapporto hai con la disciplina?
Sento che quelle dieci lezioni in Cina hanno cambiato tutta la mia vita. Sono molto laboriosa e concentrata, quindi, se mi assumo un impegno, lavoro il più duramente possibile per portarlo a termine al miglior livello che posso raggiungere. È un parametro difficile, perché qual è il massimo che puoi raggiungere? Non ha limiti, no? Se continui a lavorare, può sempre migliorare, ma c’è anche l’altra faccia della medaglia. Per esempio, se sto lavorando a un film e lo sto montando, potrei letteralmente continuare finché il mio partner non torna a casa e mi trova al buio, perché sono rimasta seduta nello stesso punto per qualcosa come quattordici ore. A volte è fantastico, ma tendo anche a chiudermi in una visione a tunnel. Il perfezionismo ha i suoi lati positivi, ma per la salute non è sempre l’ideale. Penso però che si veda nei progetti che intraprendo. Do sempre il 150%, perché altrimenti penso: che senso ha?
Infine, cosa ti aspetta?
Per il momento sto lavorando a Cats, e dopo le repliche al Regent’s Park partiremo per una tournée nel Regno Unito e a Dublino che durerà quasi un anno. Nel breve periodo non sto davvero pensando al futuro, ma tra i miei obiettivi a lungo termine c’è quello di avere uno studio e una compagnia di danza tutti miei. Voglio continuare a creare e a coltivare spazi in cui i danzatori possano davvero svilupparsi come artisti, a modo loro. Forse potrei fare loro da mentore, aiutandoli a diventare la versione migliore di sé.
Voglio anche creare i miei lavori con maggiore regolarità. Al momento non sono in molti a creare nuovo balletto classico. Mi piacerebbe capire come portare le mie storie, la mia estetica e la mia cultura in uno spazio che tradizionalmente non appartiene né alla mia cultura né alla mia estetica. Penso quindi a modernizzare la danza in un modo che mi somigli di più e che sia anche naturale da danzare. Ci sono ancora tantissime storie da raccontare.
