從牙齒圖騰到 Deepfake：Moritz Iden 拆解年輕世代的靈性飢渴
「數碼世界、AI 和我們正在構築的系統，就是新世代的『宗教』—— 我們不再走進教堂，而是聚在螢幕前。」
在夜店 strobe 閃光與深夜螢幕冰冷光暈交錯下，IDEN 悄然現身 —— 正如創辦人 Moritz Iden 所言，它不是一個品牌，而是一段「酷兒親密的數碼旅程」。自 2021 年起，這位駐柏林設計師便構築反烏托邦夢域，讓賽博身份與「神聖 Bug」糾纏交織，既超然亦幽魅。
全新系列「Unsupervised AExccess」進一步鑽研「access／excess」、派對圈與網絡文化、連結與混沌的雙重張力。針織單品乍看髒污失真，其實每一針都精準到位；標語 T-shirt「Deepfake, talk to strangers!」直接點破當代年輕世代的孤立處境；牙齒圖騰則暗示人類最原初、無語言的求生訊號。透過數碼渲染與 3D 建模，整個系列直面當代身份的不穩定，觸及成癮、慾望與逃避等命題。在 Iden 的世界裡，時裝是一扇通往非二元自我的入口，每一處細節都值得回頭細看。
以下訪談於 Berlin Fashion Week 登場前夕進行，我們與創意總監暢談時裝享樂主義、數碼幻象與情感超載。
當初是什麼契機，讓你決定把賽博格主義與數位文化納入創作核心？
我是第一代把互聯網視作「第三位父母」的人。很小便接觸網絡，而父母對此一無所知；於是我自學探索 —— 社交媒體、遊戲《The Sims》…… 這些都深深塑造了我，包括我的酷兒身份。我上網找社群、找歸屬，也試圖弄清自己是誰、想做什麼。
從時裝角度來說，我也是在網上第一次學縫紉、學 Photoshop，並累積至今仍引以為傲的技能。我在網絡上經歷過多重人生：先是純粹旁觀，之後開始發帖，與人互動、建立連結。我天生喜歡社群，樂於伸手尋找同伴；互聯網遂成為我們的「第三空間」，一個截然不同的平行宇宙。
為何你選擇以時裝作為承載這些概念的媒介？
我從小就喜歡畫畫，涉獵不同媒材。學會 Photoshop 後開始做數碼拼貼，沉浸在網絡文化之中。時裝對我來說是發現身份、建立自信的關鍵 —— 我會穿著離經叛道的造型去上學。雖然本人稱不上最自信，但那身裝束給了我力量；每天早上穿衣的瞬間，彷彿是一整日最重要的儀式。
以數碼文化為坐標，你通常在哪裡蒐集研究與視覺靈感？
最近我迷上早期電玩文化，甚至追溯到比我成長年代更早的媒體。自己的童年素材早已熟悉，因此更想挖掘前人的創作。不一定全是數位範疇，例如我極愛 John Waters 的電影，那種張狂與怪誕能量深深吸引我，即便語言與媒介不同。我也常把 YouTube 上動輒數小時的「Iceberg」影片當背景音 —— 主題從「Most Disturbing Movies」到「Björk Iceberg」五花八門。
能否跟我們簡介一下你目前手上的新系列？
我的作品向來偏向暗黑、帶點反烏托邦；但這一季的氣質有所不同，外界甚至戲稱為「recessioncore」。我過去用色猛烈，這回刻意收斂，把一切拆解至極簡。那段時間我情緒低谷，萬事萬物顯得灰暗無生，但同時又極端氾濫。系列圍繞「access」與「excess」，討論人們如何沉溺於數碼逃離，而那份逃離往往猛烈到幾近失控 —— 永遠過量，幾乎多到負荷不來。
柏林的夜店文化正好與這股能量互相呼應。Club 與數位世界有太多共通點：遊戲感與社群感，但也潛藏陰暗面；住在柏林，我們推門就能親身體驗。真與假之間的界線因而變得模糊。這暫時是我最喜歡的一個系列。
你的作品談及「酷兒親密的數碼旅程」，你如何把如此抽象的歷程轉化為具體的產品？
對我而言，「旅程」並不總是正面的 —— 尤其在酷兒及其網絡社群裡，毒性無所不在，特別是在年輕階段。幸運地，我只是擦邊而過，但聽朋友描述過那些陰暗角落。我當時也不太明白自己經歷的是什麼，於是上網找到同路人。我記得和第一任男友 —— 我們透過朋友認識，但真正開始聊天是在網絡；因為現實生活中無法公開交談。當時還未出櫃，線上空間成了我們私下表達與現實禁忌之間的橋樑。
直到今天，我依然珍視網絡平台維繫社群的力量。它們能跨地域連結更廣大的酷兒版圖 —— 這正是我最喜歡的部分。幾個月前朋友傳我一段影片：一位 furry（扮演擬人動物角色者）穿著我的設計。furry 社群常被曲解甚至嘲諷，但這位創作者以近乎 opium-core 的方式演繹我的作品。我們因此聊了許多，建立起小小關係，最近更完成一組內容拍攝。這種創意連結，正是線上社群最振奮人心、最有意義的成果。
你的作品中有哪些反覆出現的符號或母題？它們對你而言有何意義？
對我來說，牙齒是人類最原始的武器 —— 尖銳、直接、充滿本能。當然我們有雙手，但「咬」帶來的危險與野性更赤裸。那個動作既可以嬉戲，也可以攻擊；微笑可示好，也可能露出威脅；牙齒甚至帶有性感意味。多重意涵交疊，令我著迷。
我有時亦把宗教意象融入其中。我們這一代與傳統宗教漸行漸遠 —— 尤其在歐洲。對我而言，數位領域、AI 及我們建構的系統正是新的宗教：我們不再聚在教堂，而是聚在螢幕前。二者之間的象徵重疊相當合理。學生時代除了藝術，我最感興趣的是心理學 —— 特別是犯罪心理與食人行為。人們從事食人的理由林林總總：宗教、戰爭汲取力量，甚至作為愛的象徵；它從不是單一面向，而是曖昧且文化複雜。
你的靈性或哲學觀是否影響設計流程？如果有，具體如何體現？
我一直著迷於模糊人類與非人類的界線。幾乎每個系列都拋出同一問題：我們何時不再是人？什麼定義了我們？倘若 android 能表達情感，它算人嗎？AI 看似能感受，那它是否具有人性？許多人對這種變化心生恐懼，而我卻被它深深吸引。
你聽過 Donna Haraway 的《Cyborg Manifesto》？我非常喜歡這本書。雖然並非每一章都適用於現今，尤其是對種族的討論，但她對性別、慾望與混種身份的觀點依舊切中要害。把人與科技融為一體、模糊人機邊界，對我而言帶有強烈的靈性，只是因為它與科技綁定，我們常忽略了這層意義；但在我看來，那正是一種當代靈修實踐。
談到賽博格，後人類身體與你的實踐有何關聯？
坦白說，我不知道，所以才不斷提問。若真找到答案，或許它也就失去意義 —— 就像問「生命的意義」：你可以爲自己找到回應，但明天可能又會改變。科技持續進化，新事物層出不窮。三年前我們還沒怎麼討論 AI，如今它幾乎主宰所有對話；再過兩年，或許會冒出更難以想像的東西。
撇開賽博格主義，科技還是如何幫你擴張概念？
我們所有紙樣都以數碼方式製作，才能實現無縫圖像。我尤其著迷於圖案從袖子一路延伸，在接縫處完美對位 —— 那份精準唯有數位技術才能辦到。當圖案直接嵌入布料（無論印花或針織），每一次縫合都能無縫銜接。
我們也使用 CLO 進行 3D 試穿。由於大量運用圖像，掌握比例格外關鍵。剛開始時，我很難判斷尺寸 —— 在人體上量出 20 公分，但實際穿上往往因曲面而變形。像 CLO 這類程式能保證圖像落在衣身時呈現理想比例。說實話，我只用到它約一至兩成功能，但已經覺得既好玩又強大。
