Janet Werner está distorcendo os ideais de beleza da moda com a pintura
Vasculhando arquivos da Vogue e campanhas vintage, a artista retorce o rosto de moda que você já conhece e o transforma em algo muito mais revelador.
Há quase quatro décadas, Janet Wernervem construindo uma prática ancorada na transformação, que parte do universo lustroso da moda apenas para desmontá-lo na tela. Garimpando imagens de arquivo em edições vintage da Voguee em campanhas icônicas, como as de Marc Jacobs, Werner reconstrói ideais familiares de beleza em algo muito mais complexo. Em suas mãos, a modelo de moda arquetípica — frequentemente magra, loira e símbolo de privilégio — torna-se distorcida e, por vezes, perturbadora, revelando uma tensão intensa entre o glamouroso e o grotesco.
A série mais recente da artista, Landscape with Legs, chega em um momento cultural especialmente carregado. À medida que padrões de beleza hiper-magros ressurgem e a cultura fashion do começo dos anos 2000 volta aos holofotes, as pinturas de Werner ganham uma urgência renovada. Transitando entre os mundos da arte e da moda, seu trabalho questiona a mulher como objeto de desejo enquanto investiga as dinâmicas de poder incrustadas na identidade feminina. Essas figuras, ao mesmo tempo sedutoras e estranhas, existem em um constante vai e vem entre agência e objetificação, encarnando e resistindo simultaneamente aos sistemas que as definem.
Conversamos com Werner enquanto ela reflete sobre sua prática de décadas, sua relação em transformação com a imagem de moda e o terreno psicológico mais profundo que ela percorre pela pintura. A seguir, a entrevista completa.
A exposiçãofica em cartaz de 1º de maio a 12 de junho de 2026, na Anat Ebgi Gallery.
Você pode contar um pouco sobre sua trajetória e como começou como artista?
Eu comecei como dançarina, estudando balé, mas, aos 17 anos, decidi que aquilo não era para mim. As artes visuais não eram uma escolha óbvia, embora minha mãe e minha irmã tivessem estudado Belas Artes. Minha avó também era pintora, então isso está na família. Minha irmã percebeu que eu desenhava o tempo todo e, depois de eu passar quatro anos estudando Humanidades, ela me incentivou a seguir Belas Artes. Quando finalmente decidi levar isso adiante, fiz o bacharelado e o mestrado em sequência e nunca fui tão feliz. A pintura foi meu primeiro foco, e achei tudo tão fascinante e desafiador que virou uma obsessão. Está assim há quase 40 anos. Ainda hoje considero incrivelmente desafiador.
Você está prestes a abrir uma individual em Nova York. Como isso faz você se sentir? O que esse momento representa para você?
Esta é a minha segunda individual em Nova York; a última foi há quatro anos e foi um enorme sucesso: esgotou, e colecionadores e críticos importantes apareceram. Foi realmente eletrizante! Mas o mundo girou sobre o próprio eixo desde então. O momento político que estamos vivendo parece traumático e precário, então é um tempo estranho. Não sei bem o que esperar. Ainda assim, estou animada para voltar a Nova York. É sempre estimulante, e estou ansiosa para reencontrar amigos, colegas e a galeria, além de ver muitas exposições. Claro que espero que a mostra tenha uma boa recepção. Sempre dá um certo frio na barriga, porque nunca se sabe o que esperar, mas sou grata pela oportunidade de apresentar este conjunto de obras.
Você pode contar um pouco sobre o seu processo criativo?
Meu processo criativo tem sido consistente nos últimos 15 anos, embora o foco do trabalho mude e se desloque. Quase sempre começo com imagens fotográficas de figuras retiradas de revistas de moda. Referências da história da arte também informam o trabalho; por exemplo, nesta mostra há elementos de paisagem extraídos de Watteau e Caspar David Friedrich. Eu misturo e combino as imagens, reunindo-as em “esboços de colagem”. Interessa-me o choque entre as imagens, a disjunção, o ponto em que algo inesperado acontece. É como escorregar numa casca de banana: você está em um lugar e, de repente, em outro. Abre-se uma multiplicidade de significados e interpretações possíveis.
Depois que a colagem está definida, começo o processo de pintura e então tudo pode acontecer. Muita coisa inesperada surge na tradução da foto para a pintura. A composição, as cores, os tons e as camadas transformam a colagem fotográfica em outro tipo de criatura. Essa é a parte divertida: você não consegue controlar totalmente. A materialidade da tinta, sua fisicalidade e fluidez, assim como a velocidade do gesto, a mão e o pincel tocando a superfície mudam a forma como a imagem é lida.
A exposição se chama Landscape with Legs por motivos óbvios, mas eu gosto do fato de ser um título bem-humorado. Também estou usando algumas fotos de paisagens que eu mesma tirei. Há aqui uma ênfase maior na paisagem em geral, combinada com as imagens de figuras oriundas da moda.
Esta mostra se situa na encruzilhada entre arte e moda. O que, inicialmente, atraiu você para a imagem de moda como matéria-prima para a pintura?
Eu caí na imagem de moda meio por acaso. Moda não é algo com que eu tenha crescido olhando ou pensando e, na verdade, quando era mais jovem, eu era bastante crítica, porque via aquilo como problemático. Mas eu vinha pintando retratos de imaginação, sem referência fotográfica, e tinha esgotado o que sabia fazer a partir desse processo. Eu buscava outra abordagem.
Naquela época, no começo dos anos 2000, uma infinidade de bancas e lojas de revista havia surgido de repente. Eu tinha me mudado para Montreale estava folheando essas revistas quando percebi que as publicações de moda eram um arquivo prontamente disponível de imagens de figuras. Elas exibiam uma variedade de gestos, poses, olhares, roupas, formas, cores, tons… toda uma gama de recursos e características visuais que eu podia tomar emprestado e manipular. Fiquei fascinada com a complexidade do que acontecia naquelas fotos — a evocação do desejo. Foi uma espécie de revelação, e um mundo de possibilidades para a pintura se abriu para mim através daquelas páginas. Era o olhar da modelo, a sensação de movimento, os padrões e formas abstratas das roupas — mais do que as roupas em si — que me interessavam. Tudo se articulava: as qualidades psicológicas e emocionais e também as qualidades abstratas.
Você equilibra glamour e grotesco nas suas pinturas. Há uma mensagem que você queira que o público leve consigo?
Em relação ao glamour e ao grotesco, sim, eles frequentemente operam em diálogo no meu trabalho. Quero que as pinturas tenham profundidade — psicológica e emocional. As revistas de moda são muito sedutoras por um lado, mas também são superficiais, repetitivas e muitas vezes aparentemente vazias. As modelos são figuras genéricas, quase bonecas. São qualquer uma e ninguém ao mesmo tempo. Isso me permite projetar nelas e transformá-las. Tento investir nelas uma subjetividade real, uma vida psicológica e emocional, preenchê-las, por assim dizer. Às vezes, acho a distorção e o grotesco úteis para dar peso à imagem e complexificar a leitura. Quando são apenas glamourosas, parecem muito vazias para mim; precisa haver alguma aresta. Muitas vezes é uma aresta de humor, e o grotesco pode fazer parte disso. Às vezes há uma certa violência em fracionar as imagens. Isso introduz uma ruptura e abre a narrativa.
Suas personagens muitas vezes lembram modelos arquetípicas de moda — magras, loiras e privilegiadas. Como você lida com a sua própria relação com o corpo e com essas figuras enquanto as pinta?
Isso é fácil: eu não estou lá. Quando estou envolvida na feitura de uma pintura, estou dentro do processo. É intuitivo e absorvente. As questões que surgem não são sobre quem eu sou em relação a esse outro, mas quem elas são, o que estão fazendo e como fazê-las falar. Ainda é um retrato ficcional. O fato de serem modelos arquetípicas de moda exige que eu as altere de algum modo, para que pareçam reais e ultrapassem os limites do material de origem.
Recentemente, a indústria de modelos do começo dos anos 2000 voltou ao centro da conversa cultural, em parte pelo interesse renovado em programas como America’s Next Top Model. Você sente que seu trabalho ressoa de outra forma à medida que as pessoas reexaminam aquela era?
Comecei a trabalhar com essas imagens de moda nos anos 2000, e parte do material no meu ateliê vem justamente dessa época. Eu ainda uso essas referências e elas não me parecem datadas. Vejo os mesmos clichês sendo repetidos hoje e, embora haja mais diversidade entre as modelos, a maneira como elas performam não mudou de fato. Às vezes escolho imagens que remetem aos anos 1960. Há uma pintura na exposição chamada “Petula” que mostra uma figura com o cabelo armado e muito rímel. Tenho uma certa nostalgia por essa época, que foi quando minha mãe estava no auge. Ela era meu ícone de feminilidade.
Sua percepção de beleza mudou desde que você começou a trabalhar com esse tema?
Minha percepção de beleza não mudou. Eu me intrigo com o que torna algo superficialmente belo, mas sem profundidade, em contraste com um tipo de beleza mais profunda, complexa e interessante. Quero que as pinturas sejam belas E interessantes, belas E surpreendentes — ou mesmo perturbadoras.
Você tem uma obra preferida na exposição? E como vê a evolução desse tema no futuro?
Não gosto de escolher favoritas, mas há algumas, ambas pequenas pinturas com um novo tipo de complexidade de tema e de cor. A menor delas se chama “Skull Tree”, e não há figura, apenas uma paisagem amarela de árvores com alguns crânios nos galhos centrais. A paisagem veio de uma revista, e os crânios são decorações de Halloween que vi a caminho do ateliê. Interessa-me como as paisagens desta mostra podem funcionar como contraponto às figuras. Elas quebram a aparição insistente dessa figura feminina com a qual venho trabalhando há tantos anos e abrem a narrativa. A paisagem oferece um espaço de contemplação menos apreensível. É menos familiar para mim, e estou tentando descobrir quais são as possibilidades. No momento, a paisagem funciona para mim como o desconhecido ou o inconsciente dentro das pinturas. Estou ansiosa para explorar mais essa ideia em trabalhos futuros.
