Gehören Fast-Fashion-Marken zur Fashion Week?
Zu den größten Debüts dieser Fashion-Week-Saison zählten H&M, Topshop und Zara – doch sollten sie das?
Was haben Topshop, H&M, Zara und COS gemeinsam? Abgesehen davon, dass man sie in so gut wie jeder Einkaufsstraße oder im Einkaufszentrum findet, verantworteten sie im Vorfeld des diesjährigen Fashion Month auch einige der größten Shows und Präsentationen.
Im August feierte Topshop sein Runway‑Comeback: Mit einer Catwalk‑Show, die Londons Trafalgar Square lahmlegte, relaunchte die Marke ihre Website und eigenständigen Kollektionen. Bei der New York Fashion Week zeigte COS seine Präsentation am selben Tag wie Labels à la Sandy Liang und Jane Wade.
Kurz darauf eröffnete H&M den umfangreichen Londoner Fashion‑Week‑Kalender mit einem Showcase am Donnerstagabend samt Afterparty zur Premiere der neuen Kollektion. Das Event wurde von der Marke als „teils Runway, teils Konzert, teils lebendiges Magazin“ beschrieben und zielte darauf ab, das traditionelle Runway‑Erlebnis aufzubrechen.
Im Verlauf der London Fashion Week feierte Zara seine neue Kollektion gemeinsam mit Disney und dem Stylisten Harry Lambert mit einer offiziellen, im Kalender verankerten Präsentation, bevor die Inditex‑Vorsitzende Marta Ortega Pérez Zara anlässlich des 50‑jährigen Jubiläums nach Paris brachte.
Diese Events wurden insgesamt von prominenten Gästen wie Cara Delevingne, Alex Consani, Paloma Elsesser, Amelia Gray und sogar Little Simz und Emrata besucht, zogen enorme Menschenmengen an und dominierten zeitweise den Diskurs rund um die Fashion Week. Da die Fashion Week typischerweise eine Zeit für aufstrebende Designer und Luxusmarken ist, wirkte die schiere Menge an Diskussionen über Fast Fashion in dieser Saison ungewohnt.
Mit gleichberechtigten Plätzen in den Fashion‑Week‑Kalendern in London, New York, und sogar Paris — ein Kalender, der berüchtigt schwer zu bekommen ist — hat sich ein bemerkenswerter Wandel vollzogen, denn die Branche hat solche Marken auf dieselbe Stufe wie ihre High‑Fashion‑Gegenstücke gestellt, neben renommierten Marken, die für ihr Handwerk und ihre Exklusivität bekannt sind.
Sie haben also große Momente kreiert, große Stars angezogen und alle ins Gespräch gebracht. Aber heißt das, dass sie auf den Fashion‑Week‑Kalender gehören?
„Die einfache Antwort lautet: nein“, sagt Model und Autor Dr. Brett Staniland, bekannt für seine Modekommentare und seinen schonungslos ehrlichen Umgang mit Nachhaltigkeitsthemen. „Es ist eine extrem frustrierende Dynamik des Systems und der Branche, der wir offenbar folgen müssen. Für Fast‑Fashion‑Marken zahlt sich das aus; es hilft, ihr Image von minderwertiger, wegwerfbarer Kleidung in etwas weitaus Hochwertigeres schönzuwaschen (ein Phänomen, das als ‚Haute‑Washing‘ bezeichnet wird), und sie können sich dann mit dem High‑Quality‑, High‑Fashion‑Branding der Marken schmücken, neben denen sie im Kalender stehen“, sagt er uns.
Ein wichtiger Faktor, merkt Staniland an, ist außerdem, dass sich die Berichterstattung über diese Marken selten auf die Kollektionen konzentriert, die sie zeigen. „Die Berichterstattung rund um ihre Shows dreht sich nie um die Kleidung, sondern vielmehr um Gäste, Models und Creators“, ergänzt das Model und erklärt, dass diese Marken zudem in der Regel nicht dem saisonalen Frühjahr/Sommer‑, Herbst/Winter‑Rhythmus wie andere Designer folgen. „Es gibt keine Notwendigkeit, der Presse und Einkäufern eine ‚Kollektion‘ zu zeigen, weil ihr System einfach das ganze Jahr über jede Woche neue Teile droppt“, führt Staniland fort.
Darüber hinaus bergen immer vollere Fashion‑Week‑Kalender das Risiko, aufstrebende Designer zu überstrahlen, denen der Zugang zu Glanz und Glamour fehlt. „Leider scheinen kleinere, unabhängige Designer und Organisationen immer der Gnade des großen, schmutzigen Geldes von Fast‑Fashion‑Marken ausgeliefert zu sein, die sehr tiefe Taschen haben“, ergänzt Staniland und deutet an, dass diese Kalender‑Ergänzungen aufstrebenden Talenten mehr schaden als nützen können.
Auch wenn sich diese Saison besonders Fast‑Fashion‑lastig anfühlte, ist ebenso klar, dass Shows während der Fashion Week nichts Neues sind. Topshops erste LFW‑Präsentation reicht bis ins Jahr 2005 zurück und wurde damals als besonders positive Entwicklung gefeiert, die die Lücke zwischen High Street und High Fashion schloss.
Viele sind überzeugt, dass das Überbrücken dieser Lücke die Fashion Week zugänglicher macht — etwas, an dem mehr Menschen aus der breiten Öffentlichkeit teilhaben und das sie erleben können, was nicht der Fall wäre, wenn es nur den Eingeweihten (und, noch wichtiger, der Branche) vorbehalten wäre.
„Die London Fashion Week ist ein globales Schaufenster, in dem Marken und Designer auf allen Ebenen zu ihrer Strahlkraft beitragen“, erklärt Laura Weir, CEO des British Fashion Council.
„Historisch gesehen hat die High Street eine entscheidende Rolle in Londons Modegeschichte gespielt — von Topshops Headline‑Shows in der Tate Modern in den frühen Nullerjahren über Marks & Spencer, das mit jungen Designern kooperierte und den britischen Stil weltweit stärkte, bis hin zu H&M mit seinem spektakulären Showcase in dieser Saison. High‑Street‑Namen bringen Größe, Budget und Talent mit und stehen Seite an Seite mit der Kreativität, Innovation und dem Storytelling aufstrebender und etablierter Labels. Dieser Mix macht die London Fashion Week dynamisch, relevant und hochwertig; er spiegelt das gesamte Ökosystem der britischen Mode wider und hält die Stadt an der Spitze der Kultur“, sagt sie uns.
Auch wenn das zutrifft, findet das anonyme Modekonto Boring Not Com: „Es ist Platz für alle bei der Fashion Week, aber das muss sorgfältig gesteuert werden. Andernfalls droht ein Spektakel, das von High‑Street‑Giganten mit Milliardendollar‑Budgets dominiert wird und aufstrebende Designer verdrängt, die sich kaum ein Lookbook leisten können.“
Die richtige Balance zu finden, ist enorm wichtig — und im Zuge dieser Balance müssen diese Marken auch herausfinden, wie sie sich am sinnvollsten einbringen. „Wenn diese Giganten mitreden wollen, sollten sie in die nächste Generation von Absolventen und Unabhängigen investieren, die die Zukunft der Mode am Leben halten“, bestätigt Boring.
Pull&Bear ist tatsächlich eine der Marken, die genau das getan haben, und hat sich mit dem NEWGEN‑Programm des BFC zusammengetan, um Shows von Designern wie LUEDER, Chet Lo und Johanna Parv zu unterstützen.
Also stimmt es, dass diese Schauen die Zugänglichkeit erhöhen, unser Angebot als Stadt diversifizieren und große Promi‑Mengen anziehen. Aber es ist auch wahr, dass sie das Risiko bergen, kleinere Marken zu überstrahlen, den Fokus vom Produkt auf Prominenz zu verlagern und die Fashion Week möglicherweise zugänglicher zu machen, als sie es überhaupt sein muss.
Ob es bleibt oder geht — die Zukunft von Fast Fashion bei der Fashion Week wird wohl weiterhin untrennbar verflochten sein. Wir können nur hoffen, dass die aufstrebenden Designer im Hintergrund, die ihren Platz am Tisch mehr als verdienen, ebenfalls ein Stück vom Rampenlicht abbekommen.
