Clarks Originals가 2026년 가을/겨울 ‘Desert Riders’ 컬렉션으로 올가을 옷장에 여행의 낭만과 장인정신을 더한다. 유서 깊은 영국 슈즈 브랜드는 게스트 크리에이티브 디렉터로 중국 아티스트 Blanche Yu를 맞이해 아메리칸 웨스턴의 아이코닉한 요소와 몽골 유목민 전통 공예를 인상적으로 결합했다.

장엄한 내몽골의 풍광을 배경으로 촬영한 캠페인은 유목의 낭만을 발끝으로 끌어온다. 컬렉션은 상징적인 헤리티지 실루엣에 풍부한 질감의 디테일을 더해 새롭게 해석했다. 빈티지한 가죽, 손자수 뱀프, 스터드 장식, 정교한 레이스 마감, 결이 살아 있는 헤어리 어퍼 등이 돋보인다.

Wallabee와 Desert Trek 같은 인기 모델은 추운 계절에 어울리도록 세련되게 업데이트됐지만, 위시리스트에 올릴 만한 이유를 만드는 건 단연 새로운 실루엣이다. Desert 2456 Rock은 클래식 Desert Boot를 대담하게 재해석한 모델로, 패딩 칼라와 한층 여유로운 토 형태, 견고한 Rock 솔 유닛을 갖췄다.

또 다른 신작 Wallabee Lace는 여성 사이즈로만 만나볼 수 있다. 아웃도어에서 영감받은 레이스 투 토 구조를 적용한 이 실루엣은 클래식 Wallabee에 고프코어 특유의 엣지를 더하면서도 여성적인 감각을 놓치지 않았다.

“Desert Riders 컬렉션은 탐험과 재해석에 관한 이야기입니다.” Yu는 보도자료를 통해 밝혔다. “200년이 넘는 헤리티지를 지닌 브랜드와 함께하며, 현대적인 관객에게 몽골 장인정신의 아름다운 전통을 조명할 수 있어 영광이었습니다.”

Desert Riders 컬렉션은 오는 9월부터 Clarks Originals 웹사이트와 일부 리테일러에서 구매할 수 있다.

한편, Salomon이 새로운 XT-EVO 스니커즈를 출시했다.

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Huda Beauty가 컬트적인 인기를 누려온 Easy Bake 라인에 새로운 핑크·라일락 컬렉션 Ultra Snatched를 더한다. 출시를 기념해 브랜드는 Cardi B를 모델로 발탁, 컬렉션의 브라이트닝·리프팅·블러링 효과에서 영감을 얻은 유쾌한 ‘Snatched Baddies’ 캠페인을 공개했다. Huda 특유의 에어브러시드 피니시를 한층 끌어올리도록 설계된 Ultra Snatched는 Easy Bake Loose Setting Powder Duos와 Easy Bake Pressed Powders 라인을 확장한다.

이번 캠페인은 영화 ‘프리키 프라이데이’를 연상시키는 보디 스와프 콘셉트로, Huda Kattan과 Cardi B가 서로의 삶을 바꿔 살아보는 이야기를 그린다. 메이크업은 재미있고 표현력이 풍부하며 때로는 과감해야 한다는 신념을 공유하는 두 뷰티 애호가의 만남인 만큼, 더없이 어울리는 협업이다.

 

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Loose Setting Powder Duos는 페어~라이트 톤을 위한 ‘Cherry Lilac’과 미디엄~탠 톤을 위한 ‘Pink Ube’ 두 가지 셰이드 조합으로 출시된다. 두 제품 모두 최대 18시간 동안 플래시백 없이 유지되며, 자연스럽게 블렌딩할 수 있다고 브랜드는 설명한다. Pressed Powders는 최대 12시간 번들거림을 잡아주는 두 가지 브라이트닝 셰이드를 선보인다. 브랜드는 리프팅 효과를 극대화하려면 두 제품을 함께 레이어링할 것을 권장한다.

Ultra Snatched 컬렉션은 39~40달러(USD)이며, 브랜드 공식 웹사이트에서 구매할 수 있다.

한편, J Balvin이 Giorgio Armani의 ‘I WILL’ 오 드 퍼퓸 캠페인 모델로 발탁됐다.

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피부에 집중하는 뷰티 애호가가 늘어난 지금, 파운데이션이 우리의 메이크업 루틴 중심에 자리한 것도 놀랄 일은 아니다. 최근 몇 년 사이 파운데이션 분야는 눈부신 발전을 거듭했다. 스킨케어 성분을 담은 K-뷰티 포뮬러부터 피부에 맞춰 변하는 피그먼트까지 등장했다. 드러그스토어 BB 크림을 고수하든 세포라의 신제품을 빠짐없이 시도하든, 파운데이션이 크게 발전해온 것은 분명하다. 하지만 정작 내게 맞는 색조를 찾기는 그 어느 때보다 어려워졌다.

뷰티 업계 혁신가들 덕분에 셰이드 구성은 어느 때보다 폭넓어졌다. 2004년 Maybelline의 Dream Matte Mousse Foundation은 단 13가지 셰이드로 출시됐지만, 2026년인 지금 Fenty Beauty와 Haus Labs 같은 브랜드는 최대 50가지 셰이드를 꾸준히 선보이고 있다. 하지만 선택지가 무궁무진해 보여도 메이크업 팬들은 여전히 시장에 빈틈이 있다고 느낀다. 특히 미디엄에서 딥에 이르는 피부 톤에 어울리면서 쿨 언더톤을 지닌 셰이드를 찾는 일은 유난히 고되다. 밝은 피부 톤용 셰이드는 쿨 톤 옵션이 끝없이 다양한 반면, 어두운 셰이드는 쿨 톤이 하나뿐이거나 아예 웜 톤과 뉴트럴 톤만 있는 경우도 많다.

 

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겉으로 보기에는 쿨 톤 셰이드가 부족한 데에는 여러 이유가 있을 법하다. 어두운 피부 톤 소비자층의 수요가 상대적으로 적거나, 이를 구현하는 포뮬러를 개발하기가 더 어렵기 때문일 수 있다는 것이다. 그러나 셀러브리티 메이크업 아티스트 Mally Roncal은 둘 다 사실이 아니라고 본다. 오히려 뷰티 업계가 윤기 나는 피부 표현과 연결 짓기 위해 웜 언더톤을 강조하면서, 한때 파운데이션 셰이드의 미묘한 차이를 간과했다는 것이다. 그는 Hypebae에 이렇게 말했다. "언더톤의 범위는 아주 넓어요. 쿨, 뉴트럴, 올리브는 물론 이들이 섞인 경우도 있죠. 파운데이션을 개발할 때는 단순히 색을 밝거나 어둡게 만드는 게 아닙니다. 해당 명도에서도 언더톤이 자연스럽게 보이도록 여러 피그먼트의 균형을 맞춰야 해요."

역사적으로 쿨 톤 셰이드는 피부 위에서 회색빛이 돌거나 탁해 보인다는 이유로 다른 어떤 색상군보다 외면받아왔다. 메이크업 아티스트이자 Black Radiance 브랜드 앰배서더인 Tiesha Williams는 "20년 넘게 유색인 고객을 담당해온 메이크업 아티스트로서, 저는 쿨 톤이 주를 이루는 셰이드를 거의 쓰지 않아요. 피부에 올리면 회색으로 뜰 가능성이 크기 때문이죠"라고 말한다. 문제는 어두운 피부 톤에 쿨 언더톤이 없는 것이 아니라, 브랜드가 개발하는 쿨 톤 셰이드가 이들에게 잘 맞지 않는 경우가 많다는 데 있다.

한편 뷰티 전문가들은 쿨 톤 셰이드를 만드는 일이 웜 톤이나 뉴트럴 톤 제품보다 그저 더 어려운 것은 아니라고도 지적한다. 대신 더욱 의도적인 색상 개발과 테스트가 필요하다. Williams는 "색채 이론을 안다면 쿨 톤 파운데이션을 만드는 일은 어렵지 않아요. 결국 제품 개발자의 전문성에 달린 문제죠"라고 말한다. 이어 "색채 이론의 원리를 이해한다면 어떤 파운데이션이든 필요한 언더톤으로 만들 수 있습니다"라고 덧붙인다.

 

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2000년대 이후 브랜드가 파운데이션 셰이드에 접근하는 방식은 훨씬 정교해졌지만, 언더톤과 피부 톤의 관계에 관한 오해는 여전히 남아 있는 듯하다. Roncal은 "피부 톤이 어둡다고 해서 곧바로 웜 톤인 것은 아닙니다. 매우 어두운 피부 톤이라도 뚜렷한 쿨, 뉴트럴, 올리브, 레드 언더톤을 지닐 수 있죠. 과거 브랜드들은 명도와 언더톤을 마치 같은 개념처럼 다루곤 했어요. 그래서 셰이드가 어두워질수록 색을 더 웜하게 혹은 더 붉게 만드는 경향이 있었습니다. 모든 명도에서 다양한 언더톤 옵션을 갖추는 일이 중요한 이유죠"라고 말한다.

13가지 셰이드였던 파운데이션이 50가지로 확대된 것처럼, 메이크업 아티스트들은 언더톤 선택지의 뚜렷한 공백도 서서히 해소되기를 기대하고 있다. Williams는 어두운 피부 톤을 위한 파운데이션에서 뉴트럴에 가까운 제품을 선보이는 브랜드가 늘고 있다고 말한다. Roncal은 소비자들의 언더톤 인식이 높아진 만큼, 브랜드가 더욱 다양한 셰이드 구성을 출시하도록 이끄는 동력이 되어야 한다고 덧붙인다. "분명한 변화가 일어나고 있다고 생각합니다. 소비자들은 이제 언더톤에 대해 훨씬 잘 알고 있고, 단순히 라이트, 미디엄, 딥으로 나누는 것보다 더 구체적인 선택지를 원해요. 진정으로 포용적인 셰이드 구성이라면 쿨 언더톤을 지닌 사람도 웜 언더톤을 지닌 사람과 같은 수준의 선택지를 누릴 수 있어야 합니다."

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Salomon의 아이코닉한 XT 라인업이 더욱 확장된다. 최신 모델의 등장이 벌써부터 기대를 모은다. 팬들의 사랑을 받아온 XT-6의 트레일 러닝 DNA를 매끈하고 현대적이며 조형적인 디자인 언어로 재해석한 강렬한 새 실루엣, XT-EVO를 만나보자.

현대의 탐험가를 위해 탄생한 XT-EVO는 고성능 기능성과 미래적인 스트리트 스타일을 결합했다. Salomon이 신뢰해 온 Agile Chassis System 특유의 안정성과 풍부한 쿠셔닝은 유지하되, 어퍼는 패션에 초점을 맞춰 새롭게 변모시켰다. 한층 강조한 레이어링과 날카로운 비율, 어느 각도에서나 움직임을 연상시키는 유려한 라인이 새로운 디자인의 특징이다.

첫 출시 모델은 오리지널 XT-6 컬러 팔레트 중 하나를 오마주한 향수 어린 레드, 블랙, 그레이 컬러웨이로 선보인다. 텍스처에 깊이를 더하기 위해 클래식 점보 메시와 새롭게 개발한 리퀴드 러버 오버레이를 조합했다. 그 결과 스니커즈는 하이킹 트레일부터 즐겨 찾는 도심의 거리까지 자연스럽게 어우러지는 입체적이고 유려한 외관을 갖췄다.

Salomon XT-EVO는 9월 2일부터 Salomon 웹사이트와 일부 글로벌 리테일러를 통해 구매할 수 있다.

한편 Gohar World는 ASICS와 협업해 브랜드 최초의 스니커즈를 출시했다.

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Barbie가 세련된 하이테크 시대로 진입했다. 그 매력에 완전히 빠져들 수밖에 없다. Mattel Creations는 탁월한 스타일 비저너리 Yoon Ahn과 손잡고 미래 패션을 새롭게 그려낸 맞춤 제작 Barbie x Yoon AMBUSH 인형을 선보인다.

도쿄 기반 브랜드 AMBUSH를 이끄는 Ahn은 럭셔리 패션과 스트리트웨어 특유의 엣지를 자연스럽게 결합하는 것으로 잘 알려져 있다. 아이코닉한 인형을 자신만의 방식으로 재해석하며 미래지향적인 디자인과 애니메이션 미학에서 영감을 얻었다. 메탈릭 마감과 미니멀한 하이패션 라인에 완전히 새로운 얼굴 조형을 더한 것이 특징이다. 가장 눈길을 끄는 디테일은 미래적인 룩을 완성해 진열장까지 그 무드를 이어주는 짝을 이룬 로봇 고양이 파트너다.

컬렉터의 꿈을 실현하는 데 그치지 않고, 이번 디자인은 여성의 역량 강화와 혁신에 바치는 헌사이기도 하다. Ahn은 보도자료를 통해 “기술과 인간이 함께 진화하면서, 힘을 북돋우고 자기표현을 가능케 하는 낙관적인 미래를 상상하고 싶었다”고 전했다. 이어 “내가 꿈꾸는 Barbie는 그 가능성을 보여준다. 미래는 먼저 상상하는 소녀들의 것”이라고 덧붙였다.

Barbie x Yoon AMBUSH 인형은 9월 4일부터 Mattel Creations 웹사이트에서 단독으로 구매할 수 있다.

한편, Givenchy가 2026년 가을/겨울 캠페인을 공개했다.

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Giorgio Armani가 레게톤 가수 J Balvin을 미국 시장의 새 프레이그런스 앰배서더로 선정하고, 신작 향수 ‘I WILL’ 오드 퍼퓸의 캠페인 모델로 발탁했다. 이번 파트너십은 콜롬비아 정체성에 뿌리를 두면서도 글로벌 음악계를 재편해 온 아티스트 발빈의 서사에 주목한다. 아르마니는 이러한 이중성이 결단력과 내면의 강인함을 담은 향수의 메시지와 맞닿아 있다고 설명했다.

“‘I WILL’은 단순한 문구가 아니라 스스로에게 하는 약속입니다.” 발빈은 보도자료를 통해 이같이 말했다. “제 인생의 모든 일은 무언가 가능하다고 믿는 데서 시작됐고, 이를 현실로 만들겠다는 결단력이 뒤따랐습니다. 자신감과 우아함, 시대를 초월하는 창의성을 발산하는 Giorgio Armani를 늘 존경해 왔기에, 제게도 매우 개인적으로 다가오는 메시지를 담은 향수를 대표하게 돼 영광입니다.”

 

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조향사 Alberto Morillas와 Nathalie Lorson이 완성한 ‘I WILL’은 스모키한 바닐라 베이스에 우디 레더 노트를 더한 아르마니 최초의 다크 바닐라 향수다. 브랜드는 이 향을 “중독적이고 관능적이며 오래 지속되는” 향이라고 소개한다. 매트 프로스트 마감의 블랙 숄더가 투명한 베이스로 이어지는 보틀 역시 향조가 지닌 이중성을 그대로 반영한다.

‘I WILL’ 오드 퍼퓸은 미국에서 170달러에 판매되며, 브랜드 공식 웹사이트에서 구매할 수 있다.

한편, Louis Vuitton이 Pat McGrath, Nicolas Ghesquière와 협업한 메이크업 컬렉션을 선보였다.

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Givenchy가 크리에이티브 디렉터 Sarah Burton의 비전을 구현한 2026 가을/겨울 여성복 캠페인을 크로아티아에서 공개했다. 거장 사진가 Juergen Teller가 촬영한 이번 캠페인은 인위적인 연출을 배제하고, 쇳빛 화강암이 펼쳐진 날것의 풍경을 배경으로 화려한 캐스팅을 담아냈다.

보도자료를 통해 Burton은 새로운 비전의 중심에 “모든 여성의 현실과 찬란함을 바라보고 기리는 일”이 있다고 밝혔다. 이러한 철학은 연령과 정체성, 여성성의 표현 방식이 저마다 다른 인물들로 구성된 캐스팅에 고스란히 드러난다. 캠페인에는 톱 모델 Kaia Gerber, Liu Wen, Eva Herzigova, Nyaduola Gabriel을 비롯해 프랑스 작가이자 전직 변호사인 Constance Debré가 참여했다. 현재의 Givenchy를 함께 만들어온 확장된 Givenchy 패밀리의 일원으로서, 이들은 각자의 자아를 이미지에 담아낸다.

의상은 Givenchy 하우스의 시그니처가 지닌 정교함을 부각한다. 날카롭게 재단한 수트는 단호한 컷과 태도를 드러내고, 클래식한 화이트 버튼다운 셔츠는 부드러운 가죽으로 재해석됐다. 드레이프 이브닝 드레스는 단단한 화강암 배경과 유려한 대비를 이루며, 유쾌하고 화려한 액세서리는 룩에 세련된 기이함을 불어넣는다.

Givenchy 2026 가을/겨울 컬렉션은 현재 Givenchy 웹사이트와 일부 리테일러에서 구매할 수 있다.

한편, Balenciaga는 Anok Yai와 Liu Wen이 출연한 Winter 26 캠페인을 공개했다.

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Balenciaga가 ‘ClairObscur’라는 제목의 Winter 2026 컬렉션 캠페인을 공개하며 다가올 추운 계절을 준비한다. 포토그래퍼 로빈 갈리에그(Robin Galiegue)가 촬영한 이번 캠페인에는 낭만적이면서도 대비감이 돋보이는 배경을 무대로 Anok Yai, Liu Wen, 다라 게예(Dara Gueye) 등 주목받는 모델들이 등장한다.

Pierpaolo Piccioli는 하이 르네상스 미술에서 영감을 받아 Balenciaga의 역사적인 디자인 코드에 현대적인 감각을 더했다. 컬렉션의 중심에는 드라마틱한 구조미를 강조한 아우터웨어가 있다. 후드 재킷과 피코트, 블루종에는 하이 칼라와 둥근 어깨선을 적용하고, 풍부한 질감의 가죽과 시어링, 울, 파이예트 자수 실크로 완성했다. 골드 B 모양 버클과 은은한 주얼리가 빛을 더하는 한편, 선명한 색채는 짙은 뉴트럴 톤을 가르며 고전적인 키아로스쿠로 기법을 연상시킨다.

컬렉션은 클래식 액세서리를 새롭게 재해석해 선보인다. 아워글래스 애비뉴 백(Hourglass Avenue Bag)은 아이코닉한 실루엣에 신선한 변주를 더했으며, 파리 7구에서 이름을 딴 르 셋 보울링 백(Le 7 Bowling Bag)은 이번 겨울 처음 공개된다. 슈즈에는 곡선적인 블룸 펌프(Bloom Pump)와 미드나이트 시티 뮬(Midnight City Mule)을 더해 유쾌한 감각을 입혔다.

Balenciaga Winter 26 컬렉션은 현재 Balenciaga 웹사이트와 전 세계 일부 리테일러에서 구매할 수 있다.

한편, Chloë Sevigny가 캠페인 모델로 나선 7 for All Mankind의 새 캠페인도 공개됐다.

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지속 가능한 패션 레이블 ARMEDANGELS가 এবার 액티브웨어 시장을 겨냥한다. 쾰른 기반의 이 브랜드는 친환경적 가치를 더한 패션 감도의 액티브웨어 라인을 새롭게 선보이며, 퍼포먼스 웨어도 지구에 부담을 주지 않으면서 충분히 시선을 끌 수 있음을 보여준다.

기존 액티브웨어는 환경에 장기적인 악영향을 미칠 수 있는 합성 섬유에 크게 의존해 왔다. ARMEDANGELS는 관리된 산림에서 얻은 목재 유래 소재와 용제의 99.8% 이상을 재활용하는 폐쇄형 순환 시스템을 통해 이러한 관행에 도전한다. 통기성이 뛰어나고 습기를 조절하는 리오셀은 버터처럼 부드러운 촉감을 선사하며, 소량의 엘라스테인은 필요한 만큼의 신축성과 형태 유지력을 더한다.

이번 컬렉션에서 공학적 설계는 핵심적인 역할을 한다. 전통적인 재단·봉제 패턴 대신, 각 의류를 형태에 맞춰 직접 니팅하는 방식을 택했다. 이음새 없는 구조로 원단 폐기율은 15.38%까지 낮췄는데, 일반적인 레깅스 제작 방식보다 약 42% 적은 수준이다. 디자인은 절제되면서도 매끈하다. 역동적인 디자인 라인과 은은한 골지 디테일, 니트 구조에 자연스럽게 통합한 ‘A’ 로고가 특징이다.

일상의 움직임을 염두에 두고 디자인한 이 라인은 아침 스트레칭부터 필라테스 세션, 커피를 사러 나서는 순간까지 자연스럽게 함께한다. 블랙, 더스티 스톤, 다크 버건디, 마스 레드 등 네 가지 컬러웨이로 구성된 캡슐 컬렉션은 자유로운 믹스매치 스타일링을 위해 마련됐다.

새로운 ARMEDANGELS 액티브웨어 컬렉션은 현재 ARMEDANGELS 웹사이트와 일부 리테일러에서 구매할 수 있다.

한편, Stine Goya와 Umbro가 또 하나의 완성도 높은 협업을 선보였다.

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Grimes는 자신이 발을 들이는 모든 씬에서 판을 움직이는 촉매 같은 존재다. 뮤지션이자 도발가, 프로듀서, 테크노 유토피아주의자이며, 초기 커리어를 빚어낸 팝 컬처에 때로는 이단을 선언하는 인물이기도 하다. 파라소셜한 관계를 통해서든 아니든 Grimes를 안다는 것은, 기술을 실험하는 만큼이나 그 기술을 비판하는 타고난 능력을 이해하는 일이기도 하다.

Grimes의 음악적 성취는 그의 이야기를 이루는 일부일 뿐이다. 더욱 눈길을 끄는 것은 디지털 시대의 정체성과 창작 주체성을 바라보는 그의 감각이다. 기술은 그를 겁먹게 하지 않는다. 오히려 그 이면과 혼란 속으로 뛰어들어, 책임과 주체성이 여전히 살아 있는 곳을 찾아내고자 한다.

그의 이력을 끝없이 스크롤해 내려가다 보면 이런 사례는 셀 수 없이 발견된다.

프로젝트 Elf.Tech를 통해 자신의 목소리를 타인이 사용할 수 있도록 라이선스를 내주고, 이를 소송으로 맞서야 할 위협이 아닌 경제적 실험으로 받아들였다. 기계 의식을 다룬 आगामी 다큐멘터리 First Contact를 비롯해 기계에 관한 자신의 생각을 이야기할 때도, 가까운 친구에게나 보일 법한 다정함이 묻어난다.

그런 다정함과 쉼 없는 호기심으로 버추얼 퍼포머 하츠네 미쿠와 함께한 최신 프로젝트를 선보인다. 일본 보컬로이드 프로듀서 SatapanP와 손잡고, 하츠네 미쿠의 목소리를 중심으로 만든 새 싱글 "Miku-Maxxing"을 발표했다.

하츠네 미쿠는 누구나 가사와 멜로디를 입력하면 컴퓨터가 노래하게 만들 수 있는 Crypton Future Media의 보컬 소프트웨어로 출발했다. 팬들은 여기에 열광하며 자신만의 트랙을 인터넷에 쏟아냈고, 미쿠는 전 세계 팬덤을 거느린 문화적 현상으로 급성장했다.

이번 싱글은 Cyberland라는 혼돈의 디지털 세계로 관객을 이끄는 뮤직비디오와 함께 공개됐다. 영상에서는 한 명의 주인공이 하츠네 미쿠와 함께 무너져가는 가상 환경을 헤쳐 나간다. 픽셀화된 로우 폴리 그래픽에 질감 있는 애니메이션과 믹스드미디어 디자인을 결합한 비주얼도 눈에 띈다.

이번 곡은 곧 공개될 컴필레이션 EMERGE MODE MIKU의 오프닝 싱글이자, 일본 보컬로이드 크리에이터와 미국 기반 프로듀서 및 보컬리스트를 연결하는 Dwango의 BEYOND BORDERS 프로그램 출범을 알리는 작품이기도 하다.

EMERGE MODE MIKU 프로젝트 전체는 폭넓은 음악적 재능을 선보인다. Grimes와 SatapanP를 비롯해 Odetari, George Clanton, Frost Children, slayr, XAMIYA, jon-YAKITORY, picco 등이 참여했다. "Miku-Maxxing"은 현재 스트리밍으로 들을 수 있으며, 오는 9월 EP 전체 공개에 앞서 추가 싱글도 순차적으로 발매될 예정이다.

아바타와 함께 음악을 만드는 일, 그리고 오늘날 인터넷 시대의 ‘진정성’이란 무엇인지에 관해 Grimes와 나눈 대화를 이어서 살펴보자.

처음으로 미쿠의 목소리와 자신의 목소리가 같은 트랙에서 나란히 들렸을 때 어떤 기분이었나?

미쿠 목소리가 나보다 더 예쁘다. *운다.*

미쿠는 늙지도, 지치지도 않으며, 보호해야 할 몸도 없다. 그런 존재와 협업하며 자신의 한계에 대해 무엇을 깨달았나?

죽음의 망령이 나를 괴롭힌다.

당신은 이전부터 자신을 작품 속에 녹여 개념 뒤로 사라지고 싶다고 말해 왔다. 이번 프로젝트는 그 목표에 어떻게 더 가까이 다가가게 했나?

나는 너무나 인간적이다. 너무나 필멸의 존재다. 미쿠와 나 자신을 바라보면, 어쩌면 내게는 생명력이 있을지 모르지만 그 대가는 무엇인가 싶다. 나는 고깃덩어리일 뿐 아닌가?

미쿠에게 캐릭터를 향한 진짜 정서적 애착을 느끼는 팬들이 있다는 사실은, 사람들이 아티스트에게 무엇을 원하는지에 관해 무엇을 말해준다고 생각하나?

사람들은 진솔한 예술을 원한다고 생각한다. 디지털 캐릭터로 그것을 구현하기란 무척 어렵다. 미쿠를 수많은 디지털 아바타보다 더 가치 있게 만드는 것은 결과물만이 아니라, 그가 우리와 함께해 온 시간이다. 한없이 미래적인 존재이면서도 어딘가 오래된 느낌이 있다.

당신은 인터넷 문화의 여러 시대를 거치며 ‘진정성’의 의미가 거듭 새롭게 정의되는 과정을 지켜봤다. 이번 프로젝트는 그 흐름 안에서 어떤 위치를 차지하며, 또 그 의미를 어떻게 확장한다고 보나?

나는 초창기 팝티미스트 가운데 한 사람이었지만, 요즘은 그 생각을 크게 번복하게 된다. 대안은 필수적이며, 팝 음악과도 의미 있게 다르다고 생각한다. 대문자 A의 ‘아티스트’와 예술을 기계적으로 생산하는 대형 레이블의 프로젝트는 분명히 구분해야 한다. 적어도 진지한 예술 담론의 장에서는 포크 아트를 위한 공간도 충분히 마련하지 못하고 있다.

어떤 예술이 더 진짜이고 덜 진짜라는 뜻은 아니다. 돈을 벌기 위해 존재하는 예술도 있고, 예술가가 만들지 않고는 견딜 수 없기에 존재하는 예술도 있다. 오랜 시간 투어를 돌며 명성의 모든 면을 경험한 끝에, 나는 후자에 확고히 몰입할 수 있을 때가 아니라면 예술로 돌아가지 않겠다고 결심했다.

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Stine Goya와 Umbro가 두 번째 협업으로 돌아온다. 이번에는 축구 경기장이 아닌, 매치데이 문화가 진정으로 살아나는 공간에 주목한다. 2025년 첫 협업에 이어 다시 손잡은 덴마크 디자이너와 영국 스포츠웨어 레이블은 축구를 둘러싼 커뮤니티와 의식, 밤이 깊어질수록 고조되는 에너지에서 영감받은 5피스 캡슐 컬렉션 ‘Where We Meet’를 선보인다. 1990년대 영국의 정서를 끌어온 이번 컬렉션은 기름진 음식을 파는 다이너와 펍 한쪽 구석, 그래피티로 뒤덮인 클럽 화장실 등 축구와 레이브, 유스 컬처가 오랫동안 교차해 온 공간을 조명한다.

라인업은 박시한 칼라 저지 3종과 핸드페인팅 체커보드 프린트의 슬림 핏 티셔츠, 많은 이들이 즐겨 찾던 펍 화장실 벽에서 영감받은 낙서와 손글씨로 뒤덮인 가벼운 긴소매 스웨트셔츠로 구성된다. 저지와 티셔츠에는 Umbro의 시그니처 크레스트를 로맨틱한 레이스로 재해석해, 클래식 스포츠웨어에 한층 부드럽고 여성적인 감각을 더했다.

캠페인에는 프로 댄서 Didde-Mie Lykke가 등장한다. 그는 동네 펍을 오가며 이 공동체적 공간 특유의 즉흥성과 에너지를 포착한다. ‘Where We Meet’는 축구에서 영감받은 컬렉션에 그치지 않고, 관중석의 응원가부터 경기 후 마시는 맥주, 낯선 이와 함께 추는 춤까지 사람들을 한데 모으는 의식을 탐구한다.

‘Where We Meet’는 8월 31일 출시된다. 자세한 내용은 Stine Goya와 Umbro 웹사이트에서 확인할 수 있다.

한편, Chloë Sevigny가 7 For All Mankind의 2026년 가을·겨울(FW) 캠페인에 출연했다.

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단독으로 전하는 소식. Gohar World가 공식적으로 풋웨어 시장에 진출하며, ASICS와 손잡았다. Laila와 Nadia Gohar 자매가 공동 설립한 이 브랜드는 꿈같은 홈웨어와 데커 아이템으로 잘 알려져 있다. 두 사람은 ASICS SportStyle과 협업해 새로운 GEL-DS TRAINER SP 실루엣을 재해석했다. 2000년대 중반 육상 스파이크 디자인에 발레 플랫의 섬세한 라인을 더한 이번 리미티드 에디션은 스포티한 스타일과 극도로 여성적인 글래머가 어우러진 스니커즈다.

Laila와 Nadia Gohar 자매가 공동 설립한 뉴욕 기반 브랜드는 특유의 초현실적인 매력을 슈즈 디자인에 고스란히 녹여냈다. 가벼운 실루엣에는 독특한 참 장식과 스테인리스 스틸 피어싱, 은도금 구리 소재의 Gohar Bean을 더해 룩을 한층 끌어올렸다. 블랙과 오렌지 두 가지 컬러의 슈레이스는 원하는 방식으로 연출할 수 있다.

물론 스타일을 위해 편안함을 포기하지도 않았다. ASICS의 TRUSSTIC 서포트 유닛과 뒤꿈치 GEL 기술을 적용한 이 슈즈는 이른 아침 마켓에서 보내는 시간부터 저녁 식탁에 둘러앉는 순간까지 자연스럽게 함께하도록 제작됐다고 Laila Gohar는 보도자료를 통해 밝혔다.

Gohar World x ASICS 협업 제품은 9월 1일부터 Gohar World 웹사이트에서 단독 판매된다.

한편, UGG와 Willy Chavarria가 선보이는 바이커에서 영감받은 컬렉션도 주목할 만하다.

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새 대표작 앨범 Starrgirl를 막 발표한 Ayra Starr의 존재감은 이제 누구도 부인할 수 없다. SNS 피드의 사운드트랙이 되고, 보라색 겔레에 미니스커트와 드레스를 매치하는 최신 트렌드를 이끌며, 세계 각지의 페스티벌 관객을 사로잡는 이 나이지리아 아티스트. 그의 글로벌 스타로서의 위상은 이번 신작에서 온전히 드러난다.

지금은 Starrgirl 열풍을 피할 수 없다. 세계 곳곳에서 창작의 영감을 얻는 Starr는 대륙을 넘나드는 공연마다 그 에너지를 팬들에게 되돌려준다. 뉴욕과 로스앤젤레스의 뜨거운 리스닝 파티부터 런던의 All Points East 페스티벌에서 선보인 인상적인 무대, 올가을 NFL의 영국 경기에서 펼칠 하프타임 헤드라이너 공연까지. 이 스타의 빛은 어느 때보다 눈부시며, 그의 커리어는 계속해서 새로운 정점을 향해 나아가고 있다.

All Points East 무대를 앞두고 Starr를 만나 Starrgirl의 비주얼이 어떻게 진화했는지, 뉴욕에 새 보금자리를 마련한 이야기, 그리고 그를 앞으로 나아가게 하는 조언에 관해 들었다. 전체 인터뷰는 아래에서 확인할 수 있다.

패션과 비주얼 스타일이 음악만큼이나 뚜렷하다. 새로운 시대나 앨범마다 비주얼 아이덴티티는 어떻게 정하는가?

새로운 시대마다 비주얼 아이덴티티를 정할 때는 내가 어떤 사람으로 변해가고 있는지, 혹은 지금 내가 누구인지를 따라가는 편이다. 예전에는 반드시 어떤 모습이 되어야 한다는 생각에 다소 갇혀 있었던 것 같다. 하지만 이번 시대에는 보라색을 좋아하게 됐고, 이런 것들에 끌리기 시작했다. 그저 내게 자연스러운 것들을 따라가다 보니 Starrgirl을 발견하게 됐다.

Starrgirl에는 세계 각지의 사운드와 장르가 담겨 있지만, 그 중심에는 여전히 나이지리아적인 정서와 아프로비츠가 자리하고 있다. 여행은 음악에 얼마나 큰 영감을 주는가?

나에게 아프로비츠는 곧 나 자신이다. 내 존재의 핵심이자 아티스트로서의 사운드이며, 말하자면 나의 토대다. 이미 그 토대가 있다는 것을 알기에 여행할 때는 주변의 모든 것에서 영감을 얻는다. 지금의 나 이상으로 다른 무엇이 될 필요는 없다. 뉴욕에 있을 때면 가끔 파티에 가서 사람들이 어떤 음악을 틀어놓는지 보고, 거기서 영감을 얻고 싶다. 브라질에서도 마찬가지다. 그곳에서는 어떤 음악을 틀어놓는지 직접 보고 싶다.

최근 찾은 도시나 접한 문화 가운데 가장 뜻밖이었던 곳은 어디였나? 그곳 특유의 에너지가 음악에도 스며들었는지 궁금하다.

단연 뉴욕이다. 막 뉴욕으로 이사했다. 젊은 여성으로서 처음으로 혼자 살아보는 곳이자, 첫 아파트를 얻고 모든 것을 처음 경험하는 도시다. 당연히 내 사운드와 Starrgirl을 통해 구현하고자 했던 방향에 큰 영감을 줬다. 뉴욕은 분명 Starrgirl의 배경이 된 도시라고 생각한다.

아프로비츠는 최근 몇 년 사이 세계적인 현상으로 자리 잡았다. 런던이나 뉴욕 같은 도시에서 공연하는 일은 고향에서의 공연과 어떤 점이 다른가?

솔직히 크게 다르지 않다. 아프로비츠를 듣는 사람은 어디에 있든 아프로비츠를 사랑하고 지지한다. 그 열정도, 에너지도 같다. 아프로비츠에는 본래 강렬한 에너지가 있어서 이 사운드를 사랑하는 사람들과 함께라면 어디서든 느낄 수 있다.

커리어 초창기에 들었던 조언 가운데 지금까지도 길잡이가 되는 말이 있다면 무엇인가?

마침 그 생각을 하고 있었다. 어릴 때 즐겨 듣던 한 남성 아티스트가 어느 날 비행기에서 나를 알아봤다. 그는 자신이 정말 열심히 일해왔다며, 때로는 내가 남자들보다 더 열심히 일해야 할 거라고 말했다. 나는 “네, 그럴 준비가 돼 있어요”라고 답했다. 그래서 지금도 그 말을 마음에 새기고 있다.

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UGG가 비전 있는 디자이너 Willy Chavarria와 손잡고, 거친 바이커 문화와 UGG 특유의 포근함을 자연스럽게 아우른 강렬한 유니섹스 캡슐 컬렉션을 선보인다. 이번에는 온 가족이 함께할 수 있는 컬렉션이기도 하다.

파리 패션위크 런웨이에서 처음 공개된 이 협업은 로미오 베컴이 모델로 나서며 눈길을 끌었다. 총 7가지로 구성된 라인업은 최상급 풀그레인 가죽 갑피에 부드러운 시프스킨과 울 안감을 더해, 강인함과 부드러움의 역동적인 조화를 탐구한다.

풋웨어는 보호용 정강이 가드를 갖춘 대담한 Guard Boot부터 맞춤 제작한 크롬 하드웨어로 멋스럽게 장식한 슬라우치 실루엣의 Biker와 Relaxed 부츠까지 폭넓게 구성된다. 시크한 Otzo Clog와 집에서 느긋한 시간을 보낼 때 제격인 포근한 Hotel Chavarria Slipper도 라인업에 포함됐다. 룩을 완성할 아이템으로는 위트 있는 “Let's UGG It Out” 티셔츠와 자수 장식의 Willy Chavarria Socks를 선보인다.

Chavarria는 이번 컬렉션을 “당신 안의 아웃로에게 보내는 러브 레터”라고 설명한다. 향수를 자극하는 스타 캐스팅 캠페인 ‘UGG and KISSES’가 이를 생생하게 구현한다. 1990년대 시트콤 Married... with Children에서 영감을 받은 이번 캠페인은 Eva Longoria, Becky G, Danny Trejo, Ivan Cornejo 등 강력한 출연진과 함께 멕시코계 미국인 문화를 조명한다.

Willy Chavarria x UGG 컬렉션은 9월 10일부터 UGG 공식 웹사이트와 일부 리테일러에서 구매할 수 있다.

한편 Cecilie Bahnsen과 ASICS의 새로운 협업도 공개됐다.

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Frankies Bikinis가 새 학기를 맞이한다. 다만 이번 컬렉션은 풋풋한 신입생보다는 쿨한 대학생에 가깝다. ‘Superlatives’라는 이름의 2026년 가을 컬렉션은 빈티지 컬리지 스타일을 바탕으로, 헤리티지 아이템을 브랜드 특유의 유쾌한 시선으로 재해석했다. 부드러운 소재와 로 엣지 디테일, 향수를 자극하는 실루엣이 어우러져 믹스 매치와 레이어링을 자유롭게 즐길 수 있는 워드로브를 완성한다.

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런던 동부 해크니의 철도 아치가 와인 바로 탈바꿈한 거리 뒤편에는 Joshua Samuels의 새 스튜디오가 자리한다. 이 영국 디자이너는 지난 몇 년간 이름을 알리며 2023년 1만 명에도 못 미치던 인스타그램 팔로워를 현재 7만 명 이상으로 늘렸다. 그 중심에는 컬트적인 사랑을 받는 FO Baggy 진이 있다. 이제 Little Simz, Beabadoobee, Sekou 등 영국 정상급 뮤지션들이 무대에서 입는 청바지가 됐다.

Samuels는 자신의 디자인으로 머리부터 발끝까지 차려입은 채 밖에서 나를 맞이한다. 작업실로 들어가기 전 그는 담배를 하나 말아 피운다. 바닥부터 천장까지 데님 더미가 쌓여 있고, 그 사이에는 재봉틀과 원단 자투리, 느슨하게 풀어놓은 담뱃잎이 놓인 작업대 몇 개가 자리한다. 간단히 작업실을 둘러본 뒤, 여기저기 원단 스와치와 롤링 페이퍼가 흩어진 가죽 소파에 자리를 잡는다. 런던에서 가장 빠르게 성장 중인 스트리트웨어 레이블 중 하나가 탄생한 이야기를 듣기 위해서다.

Samuels는 열의에 차 있으면서도 겸손하다. 자신의 일에 진심으로 몰두하고 있다는 사실도 단번에 느껴진다. 봉쇄 기간 무료함을 달래려 바느질을 시작하고 친구들의 옷을 만들던 그는 이제 글로벌 슈퍼스타들의 옷까지 만든다. Joshua Samuels는 리워크 의류를 누구보다 잘 아는 디자이너다. 팀은 버려진 데님과 저지부터 제2차 세계대전 당시의 침낭까지 활용해 스케이트 문화와 런던 스트리트웨어 신에서 영감을 얻은 오버사이즈 실루엣을 완성한다. 작업의 중심에는 “디자인 과정에서는 언제나 최대한 엉뚱하고 장난스럽게 접근하려 한다”는 Samuels의 말이 있다. 꽃과 해골·뼈다귀 모티프, 짓궂은 프린트 슬로건까지, 이러한 유희성은 컬렉션 전반을 관통한다.

“누구를 위해 옷을 디자인하느냐”는 질문에 Samuels는 이렇게 답한다. “디자인할 때 젠더를 크게 생각하지는 않는다. 나는 사람을 위한 옷을 만든다.” 이런 느긋한 태도와 진정성 덕분에 브랜드는 자연스럽게 성장할 수 있었다. 가장 기이했던 빈티지 발견부터 옷을 입혀보고 싶은 드림 셀러브리티, 곧 공개할 최신 컬렉션까지 디자이너와 폭넓은 이야기를 나눴다. 아래 인터뷰에서 전문을 확인할 수 있다.

브랜드와 시작하게 된 계기를 소개해달라.

브랜드는 어쩌다 보니 시작됐다. 봉쇄 기간 너무 지루해서 이런저런 것을 만들고 Instagram에 올렸는데, 친구들이 “와, 나도 그거 갖고 싶어”라고 하더라. 처음부터 계획했던 일은 아니었지만 더 만들기 시작했고, 금세 매진됐다. 이후 친구의 친구, 또 그 친구의 친구에게로 이어지면서 아주 자연스럽게 브랜드가 생겨났다. 다만 브랜드의 중심은 늘 같았다. 우연히 시작됐고, 모든 제품은 업사이클링 소재를 활용해 맞춤 제작한다. 언제나 최대한 엉뚱하고 장난스럽게 만들려 한다.

엉뚱하고 장난기 넘치는 디자이너로 알려져 있다. 꽃 모티프에 얽힌 이야기를 들려줄 수 있을까?

꽃 모티프는 업사이클링을 설명하는 가장 유치하고도 직관적인, 그야말로 정곡을 찌르는 은유에서 나왔다. 꽃이 피고 수분한 뒤 시들면, 그 꽃가루가 또 다른 꽃이 되는 것처럼 죽음과 재탄생이 순환한다는 발상이다. 아플리케 꽃에는 특히 흥미로운 점이 있다. 오래된 니트 한 벌이 디자인되고 만들어지기까지는 수많은 사람의 손을 거친다. 실을 방적하거나 재배하는 단계부터 특정 색과 니트 질감을 고르고, 생산 과정을 거쳐 매장에 놓이기까지 말이다. 그러다 누군가 그것을 보고 “이 스웨터는 왠지 나한테 와닿네”라고 생각한다.

그다음에는 또 다른 사람들이 펍이나 직장 등 저마다 다른 곳에서 각기 다른 옷을 입는다. 그러다 어떤 이유에서든 더 이상 원하지 않게 된다. 우리는 그 옷들이 매립지로 가기 전에 가져와 우스꽝스러운 작은 꽃으로 잘라낸 뒤, 다른 오래된 옷에 꿰매 붙인다. 그래서 당신의 점퍼에는 북런던에서 나온 꽃이 달릴 수 있고, 같은 니트에서 잘라낸 꽃은 뉴저지에 있는 누군가의 점퍼에 달릴 수도 있다.

디자인 과정은 어떻게 진행되는지 설명해달라.

아주 유희적인 과정이다. 전체 콘셉트를 위해 리서치는 당연히 하지만, 그 밖의 것은 머릿속을 거의 비워두려 한다. 그러고는 눈앞에 있는 재료를 가지고 논다. 몇 달 동안 찾아 모은 빈티지 아이템을 바탕으로 컬렉션의 아이디어를 발전시킨다. 드로잉이나 스케치, 콜라주, 무드보드 작업은 좋아하지 않는다. 눈앞의 것을 직접 만지며 만들어보고 수정하는 편이다. 만들고 수정하다가, 만들고 포기하고, 그러다 울고(웃음), 다시 만들고 수정한다. 자연스럽게 느껴져야 한다.

디자인 과정에서 중요한 부분은 직접 옷을 입어보는 일이다. 나는 나 자신을 위해 옷을 많이 디자인한다. 샘플이 완성됐다고 생각되면 집에 가져가고, 이후 한 달 동안 그 옷을 자주 입고 싶어진다면 준비가 끝난 것이다. 그렇지 않다면 아직 아니다. 내가 입고 싶지 않은 옷을 어떻게 팔겠나.

리워크 의류에 대해 사람들이 오해하는 부분은 무엇이라고 생각하나?

리워크 의류는 본질적으로 가치가 낮다고 생각하는 사람도 있는 듯하다. 하지만 그런 인식은 바뀌고 있다고 본다. 오히려 리워크 의류가 더 아름다울 수 있다는 점을 사람들이 이해하기 시작했다. 나는 이미 누군가에게 사랑받았던 흔적이 좋다. 티셔츠에 멋지게 자리한 파티나는 새 티셔츠를 사는 것보다 늘 더 아름답게 느껴진다. 새것을 만드는 대신 이미 이야기를 지닌 옷에 또 다른 이야기를 써 내려갈 수 있다는 점이 훨씬 흥미롭다. 우리에게 새 물건은 필요 없다.

브랜드가 보여주는 포용성이 인상적이다. 디자인할 때 젠더에는 어떻게 접근하나?

디자인할 때 젠더를 크게 생각하지는 않는다. 나는 사람을 위한 옷을 만든다. 다행히 대부분의 실루엣이 넉넉하고, 치수에 맞춰 비스포크로 제작하기 때문에 체형과 관계없이 누구나 입을 수 있다. 나는 나 자신을 위해 디자인한다. 아주 화려하게 입는 편도 아니고, 그렇다고 아주 남성적으로 입는 편도 아니다. 그래서 젠더는 내 사고 과정의 일부가 아니다.

빈티지와 버려진 소재를 많이 활용한다. 지금까지 예상 밖의 소재를 옷으로 만든 사례가 있다면?

두 가지가 떠오른다. 하나는 제2차 세계대전을 위해 만들어진 아주 아름다운 침낭 커버다. 물에 강하면서도 내부가 지나치게 덥지 않도록 통기성을 갖춰야 했기에, 독특한 직조 방식의 아름다운 녹색 면으로 만들었다. 이제 거의 100년 된 원단이지만, 우리는 이 소재로 옷을 만든다. 그저 아름답다.

또 하나는 이번 주에 출시했다. 웨일스의 한 농장에서 말용 재킷을 잔뜩 발견해 여러 벌을 주문했다. 몇 년 쓰고 더는 사용하지 않았던 것들인데, 햇빛에 바랜 부분이 정말 멋지다. 말의 몸에 가려졌던 부분마다 다르게 남은 흔적이 아주 아름답게 바랜다. 아마 이 두 가지가 가장 예상 밖의 소재일 것이다.

곧 공개할 컬렉션을 소개해달라.

다가오는 컬렉션은 우리 옷이 ‘쓰레기’라는 발상에서 출발한다. 버려진 낡은 물건이라는 의미의 ‘쓰레기’이자, 빌어먹을 만큼 형편없다는 의미의 ‘쓰레기’다. 빈티지 니트나 다른 빈티지 의류에 실크스크린 프린트를 하고, 그것을 다시 다른 빈티지 의류에 더하는 과정이 큰 비중을 차지한다. 옷 자체가 의식을 지녔고, 적극적으로 구조되기를 원하지 않는다는 테마를 계속 다뤄왔는데, 이번 컬렉션은 그 자기비하를 활용한다. 크루넥 스웨트셔츠, 플란넬 셔츠, 티셔츠와 새로운 모자로 구성한 아주 작은 캡슐 컬렉션이다.

Little Simz와 Beabadoobee 등 여러 아티스트가 당신의 옷을 입은 모습이 포착됐다. 존경하는 사람들이 옷을 자신만의 방식으로 소화하는 모습을 보면 어떤 기분인가?

정말 멋지다. 얼마 전에도 이 얘기를 했는데, 사실 이름 없는 평범한 사람이 입고 있는 모습을 보는 게 더 멋진 것 같기도 하다. 버스 정류장을 지나는데 내가 모르는 누군가가 내 디자인을 입고 있는 것만으로도 충분하다. 그게 정말 끝내준다. 물론 크리에이티브 신에서 존경하는 사람들이 입는 모습을 보는 일도 특별하다. 어릴 때부터 음악을 듣거나 작업을 정말 좋아했던 이들이다. 내가 특히 좋아하는 취향을 가진 사람이 우리 브랜드의 취향도 좋아해준다면, 우리가 뭔가 제대로 하고 있다는 느낌이 든다.

옷을 입혀보고 싶은 셀러브리티가 있다면?

단연 André 3000이다. 내 꿈의 클라이언트다.

브랜드의 다음 행보는 무엇인가?

이 질문을 자주 받는데, 다음이 무엇일지는 나도 모르겠다. 원래 계획을 세우는 편이 아니다. 지금 나에게 영감을 주는 것을 중심으로 디자인한다. 다만 라이프스타일 브랜드로 더 확장하고 싶다는 생각은 확실하다. 어떤 라이프스타일을 살든 리워크 아이템으로 그 삶을 꾸려갈 수 있으면 좋겠다. 운동을 즐기는 사람이라면 액티브웨어 옷장을 만들어주고 싶고, 좀 더 단정하게 입는 사람이라면 포멀웨어도 만들고 싶다. 풋웨어도 시작하고 싶다. 이미 몇 가지 작업을 진행 중이지만, 꼭 해보고 싶다. 오래된 것들로 당신의 삶에 필요한 무엇이든 만들 수 있기를 바란다. 정확히 다음이 무엇인지는 모르지만, 그저 이 미션을 계속 이어갈 것이다.

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Diarra From Detroit가 Paramount+에서 시즌 2로 돌아왔다. 크리에이터이자 작가, 주연인 Diarra Kilpatrick는 자신의 히트작인 다크 코미디 미스터리 시리즈를 다시 선보이며, 이번에도 모터 시티 디트로이트를 향한 깊은 러브레터를 써 내려간다. 재치 넘치는 여주인공이 새로운 지하 세계의 음모를 헤쳐 나가는 가운데, 작품의 심장부에는 디트로이트의 진정한 설계자들, 즉 도시 문화를 구축하고 빚어내며 지탱해 온 흑인 여성들과 창조적 여성 주체들의 오랜 계보를 향한 찬사가 흐른다.

전 세계적으로 디트로이트 음악을 이야기할 때면 모타운부터 벨빌 테크노까지 남성 개척자들에게 시선이 쏠리곤 한다. 그러나 이 도시의 사운드 지형을 빚어낸 주역은 분명 여성들이었다. ‘하우스의 대모’로 추앙받는 Stacey "Hotwaxx" Hale은 디트로이트 라디오 전파를 통해 하우스 음악을 처음 선보이며 이 사운드를 개척했다. 이후 Sheometry를 론칭해 여성과 논바이너리 아티스트를 위한 중요한 플랫폼을 마련했다.

그 횃불은 오늘날에도 전 세계로 이어진다. Ash Lauryn은 애틀랜타에 기반을 둔 Underground & Black 플랫폼을 통해 디트로이트의 정신을 전 세계에 전하고, Ann-Marie Teasley는 국제 무대에서 디트로이트 테크노를 지켜 나간다. 아티스트 Ahya Simone은 주류 업계에서 간과되는 흑인 인재들을 적극적으로 섭외하고 조명한다.

디트로이트 스타일은 언제나 목적의식과 형평성에 뿌리를 두고 있다. 패션계의 거물 Tracy Reese는 전 세계 무대에서 전 영부인 Michelle Obama의 의상을 맡아 널리 알려졌고, 이후 생산 시설을 고향으로 옮겼다. 자신의 브랜드를 통해 지역 일자리를 만들고 지역사회를 일구기 위해서였다.

마찬가지로 Roslyn Karamoko는 Détroit Is The New Black을 지역 부티크에서 유색인 신진 디자이너들을 위한 중요한 인큐베이팅 공간으로 탈바꿈시켰다. 풀뿌리 현장에서는 스타일리스트이자 패션 옹호가인 Latrice Delgado-Macon이 지역 청소년에게 꼭 필요한 패션 장학금을 제공하며 다음 세대에 꾸준히 직접 투자하고 있다.

관광객들의 여정을 장악하는 거대한 Diego Rivera 벽화에서 한발 더 나아가면, 디트로이트의 시각적 서사는 지역의 이야기꾼들에게 속해 있다. 순수미술가 Sabrina Nelson은 35년간 작품 활동을 이어왔으며, 디트로이트 미술관에서 30년 동안 가르쳤다. 한편 다학제 예술가 bree gant는 사진을 통해 전통적 미디어가 흔히 외면해 온 흑인 여성들을 중심에 놓는다.

영화 분야에서 다큐멘터리 감독 dream hampton은 외부인이 소비하는 ‘폐허 포르노’의 관습을 적극적으로 거부했다. 대신 디트로이트 흑인 여성과 소녀들의 삶의 경험을 보호하고, 존중하며, 보존하는 살아 있는 아카이브를 담아낸다.

정통 D-타운 크리에이터인 Kilpatrick은 디트로이트 여성들의 유산을 Diarra From Detroit 새 시즌으로 곧장 이어 온다. ‘D’의 여성들이 문화를 만들어 간다는 사실을 다시 한번 증명하면서다.

Diarra From Detroit 시즌 2는 현재 Paramount+에서 독점 스트리밍 중이다.

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