Mit gerade einmal neun Jahren veröffentlichte Willow Smith ihre Durchbruchssingle „Whip My Hair“. Heute, mit 25, hat die Künstlerin mit ihrem aktuellen Album The Thread eine völlig neue musikalische Ära eingeläutet – ein Projekt, das sie als „hingebungsvolle Jazz-Pop-Fusion“ beschreibt.

Am Mittwochabend stand die Tochter eines der berühmtesten Hollywood-Paare für ein einmaliges Konzert im Londoner KOKO auf der Bühne – vor einem voll besetzten Saal modisch gekleideter Fans. Smith selbst trug von Kopf bis Fuß Free People, nachdem gerade ihre gemeinsame Kollektion mit der Marke erschienen war. Auf ihren Look angesprochen, strahlt sie sofort: „Ich trage Free People von Kopf bis Fuß und fühle mich fantastisch! Als Teenager wollte ich einfach genau die Frau sein, die ich heute bin: das hier tragen und für diese großartigen Menschen auftreten, die aus freien Stücken gekommen sind, um mich zu sehen. Ich bin so dankbar.“

Nach der Show bahnen wir uns durch eine Menge Fans den Weg hinter die Bühne, werden dort durch strenge Sicherheitsvorkehrungen und an einer Reihe ernst dreinblickender Manager vorbei eskortiert. Zwischen den Instrumenten bauen wir auf, Smiths Band direkt hinter uns. Während ich mein Mikrofon anlege und mich auf das Gespräch vorbereite, improvisiert Smith am Flügel. Ganz in ihrer eigenen Welt scheint sie nach dem Auftritt einen Moment zu brauchen, um wieder auf dem Boden anzukommen.

„Willow ist für die Homies. Willow ist für die Menschen. Willow ist für Verliebte und die Unkonventionellen“, erzählt sie. Wir sprechen über ihr Verhältnis zum Jazz und ihren unerwarteten Schwenk in Richtung dieses Genres. Darauf antwortet sie: „Ja, John Coltrane hätte seinen 100. Geburtstag, Bro – komm schon, wir müssen diese Tradition weitertragen.“

Diese Leidenschaft für Musik reicht weit über ihr eigenes Schaffen hinaus. Auf die Frage, wen sie gerade hört, zählt Smith eine lange Reihe von Künstler:innen auf, von denen mir viele bislang unbekannt sind. Das spiegelt ihre Begeisterung wider, neue Talente zu entdecken und nach Klängen zu suchen, die ganz eigenständig wirken. „HRLUM ist eine großartige aufstrebende Künstlerin, H-R-L-U-M; sie kommt aus Brooklyn. Nai Palm von Hiatus Kaiyote, oh mein Gott, Meshell Ndegeocello. So viele großartige Leute – die Liste ist endlos.“

Zwischen den Fragen zieht es Smith immer wieder zum Klavier zurück. Offenbar trägt sie noch immer die Energie und das Adrenalin der Show in sich – und ist vielleicht auch schon bereit, mit ihrer Band zu feiern. Schließlich kehren wir zum Gespräch zurück und sprechen über alles, von ihrem liebsten Snack im Studio bis zu ihren Ritualen vor dem Auftritt. „Mein liebster Studio-Snack ist wahrscheinlich eine gute Misosuppe mit Reis. Ich halte es gern entspannt, weißt du?“

Bevor Smith auf die Bühne geht, um ihre unverstellten, intimen Performances zu geben, hat sie ein Ritual, bei dem ihre Band im Mittelpunkt steht. „Ich umarme meine Band mit voller Wucht. Ich umarme sie leidenschaftlich und sage ihnen, wie sehr ich sie liebe, denn sie sind einer der Gründe, warum das hier so ist, wie es ist. Ich hab sie unendlich lieb.“

Auf die Frage, was Menschen beim Hören ihrer Musik fühlen oder für sich mitnehmen sollen, fällt Smiths Antwort schlicht aus: „Das Gefühl, gehalten zu werden, und das Gefühl, Teil von etwas zu sein, das größer ist als wir alle. Ich möchte, dass die Hörer:innen spüren, dass das Leben tatsächlich etwas bedeutet und nicht nur eine Abfolge traumatischer Ereignisse ist.“ Darin zeigt sich etwas, das Smith besonders auszeichnet: Sie hat ein Gespür dafür, unglaublich Tiefgründiges auf die lockerste Art zu sagen – als würde man sich schon seit Jahren kennen.

Bevor ich das Zeichen bekomme, dass unsere Zeit fast vorbei ist, verrät Smith noch, was als Nächstes ansteht. „Diese Phase ist für mich sehr kreativ und produktiv; ich möchte einfach weitermachen und es fließen lassen.“ Auf die Frage, wie ihr nächstes Projekt klingt, sagt sie nur: „Im Grunde spiele ich einfach sehr viel Gitarre.“

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Was passiert, wenn Blumarines charakteristische Romantik ein wenig Sonne abbekommt? Für Frühjahr/Sommer 2027 verlegte David Koma die femininen Codes des Hauses vom Boudoir an die kalifornische Küste und entwarf das Bild einer von der Sonne ausgebleichten jungen Schönheit irgendwo zwischen Beach-Girl und Bombshell.

Die Kollektion griff das filmreife Bild des Cali-Girls auf und schöpfte dabei ebenso aus dem Bohème-Stil der 1970er-Jahre wie aus der Y2K-Popkultur. Verwaschene Pastelltöne, weiche Silhouetten und von Lingerie inspirierte Lagen bestimmten den Ton: Camisoles wurden zu bodenlangen Roben, Minikleidern und Blusen, während geraffte Jersey-Leggings und -Tops wie Unterwäsche am Körper anlagen.

Diese Boudoir-Ästhetik traf auf eine eindeutig vom Surfen inspirierte Garderobe. Badeanzugartige Cut-outs zogen sich durch Jersey-Bodys, College-Tops trugen den Slogan „Blumarine Since Forever“, und eine Surferjacke aus Shearling sorgte für eine lässigere Note. Schaumartig geraffte Details und Pailletten wie Wasser setzten das Strandthema fort, während Blumenmuster Bomberjacken, Cardigans, Chantilly-Spitze und transparenten Tüll zierten.

An anderer Stelle rückten Straußenfedern, Kristall-Schmetterlinge und übergroße Schmucksteine die Kollektion wieder in jenen unverkennbaren Blumarine-Glamour; silberne florale Harnesses verliehen ihr eine fast surreale Note. Auch die Accessoires erhielten ein strandtaugliches Update: Die Marke interpretierte UGGs Enwrap Clogs mit kristallbesetzten Metallkäfigen oder zarten Straußenfedern neu – und bewies damit, dass das Blumarine-Girl für SS27 bereit für den Strand ist, sich dafür aber dennoch schick macht.

Einige der Looks sehen Sie oben; weitere finden Sie auf der Website der Marke.

Mehr von der Milan Fashion Week finden Sie hier in unserer Auswahl der besten Shows.

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Wofür steht Gucci? Für Demna geht es dabei nicht allein um Logos, Loafer oder einen bestimmten Rotton. Für seine umfassende Vision des Hauses blickt der Designer darauf zurück, was Gucci so beständig macht – und findet die Antwort in der Spannung zwischen Zugehörigkeit und Rebellion.

Mit „The Store“ präsentiert Demna seine Frühjahr/Sommer-2027-Show. Nach einem ersten Jahr, in dem er das Haus studiert und herausgefunden hat, was es ausmacht, zeigt er damit die erste Kollektion, die seine vollständige Vision für Gucci verkörpert. Sein Fazit? Gucci wurzelt im Wunsch, zu einer glamouröseren Welt dazuzugehören – und zugleich in der Kühnheit, diese Welt nach den eigenen Vorstellungen neu zu gestalten.

Diese Spannung war schon immer zentral für das Haus. Gucci beginnt bei geschniegelt-bürgerlicher Seriosität, doch seine einprägsamsten Kapitel sind jene, in denen Exzentrik, Gefahr und Sex-Appeal die makellose Oberfläche durchbrechen. Seine Geschichte wird ebenso sehr von Persönlichkeiten und Lebensstilen geprägt wie von Kleidung.

Laut Demna ist Gucci deshalb ein Haus, das sich „zwischen Aristokratie und Popkultur, Florenz und Hollywood, Tradition und Massenbegehren bewegen“ kann. Es nimmt auf, was um es herum geschieht, und bewahrt zugleich die Codes, die es unverkennbar machen.

Die Inspiration reicht zurück bis ins Savoy Hotel in London, wo Gucci-Gründer Guccio Gucci auf eine Mischung aus Aristokrat:innen, Künstler:innen und Kreativen traf. Demna möchte dieses Gefühl des Aufeinandertreffens heute wieder aufleben lassen und Gucci zu einem Ort machen, an dem scheinbar unterschiedliche Welten zusammenkommen, sich verbinden und gegenseitig beeinflussen können. Denn letztlich geht es bei „The Store“ um Möglichkeiten: um die Idee, dass Gucci ein Raum sein kann, in dem jede:r selbst entscheidet, wer er oder sie sein möchte.

Einige Looks sehen Sie oben; mehr gibt es auf der Website der Marke.

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Für Sasha Keable war das vergangene Jahr von enormem Auftrieb geprägt. Nach einer Nominierung für BBC Radio 1 Sound of 2026, einem Tiny-Desk-Auftritt bei NPR sowie Nominierungen bei den BRITs und MOBOs beginnt für die Singer-Songwriterin aus Süd-London ein neues Kapitel. Ihr Fokus liegt jedoch weiterhin ganz auf der Musik. Keable ist im R&B verwurzelt und möchte Musik machen, die sich „gelebt und echt“ anfühlt. Genauso wichtig ist es ihr, Künstler*innen, die zeitgleich mit ihr ihren Weg gehen, Raum zu geben.

Genau dieser Gedanke steht im Zentrum ihrer Partnerschaft mit Ruby Hotels und deren neuer Live-Musikreihe „Dive in with Ruby“, die aufstrebende Talente ins Rampenlicht rückt. Nachdem Keable die Reihe mit einem intimen Auftritt im Ruby Zoe in Notting Hill eröffnet hat, wird sie für ein geheimes Set eine*n Newcomer*in auswählen. So bekommt das Publikum die Chance, diese Person zu entdecken, bevor der große Durchbruch kommt.

Wir haben mit Keable über ihr turbulentes Jahr gesprochen, über die Kraft intimer Auftritte, die britischen Künstler*innen, die sie gerade auf dem Radar hat, und darüber, warum es wichtig ist, der nächsten Generation Türen zu öffnen. Lesen Sie hier das vollständige Interview.

Wie würdest du deinen Sound Menschen beschreiben, die dich noch nicht kennen?

Ich bin ein R&B-Girl und folge dem, was sich im Moment richtig anfühlt – und R&B fühlt sich richtig an. Gesang und Harmonien sind mein Ding. Aber wenn ich nicht an das glaube, was ich singe, wozu dann das Ganze? Die Musik soll sich gelebt und echt anfühlen.

Du hattest mit Nominierungen für die BRITs und MOBOs ein bedeutendes Jahr. Verändern solche Momente deinen Blick auf die nächste Phase deiner Karriere, oder konzentrierst du dich einfach auf die Musik selbst?

Es ist ehrlich gesagt verrückt. So etwas ist riesig, und ich versuche, mir wirklich zu erlauben, es zu genießen. Aber es ändert nichts daran, warum ich das alles mache. Wenn überhaupt, vertraue ich dadurch noch mehr auf mein Bauchgefühl und bleibe bei dem, was sich nach mir anfühlt. Ich mache lieber etwas Echtes, das wirklich nach mir klingt, als dem hinterherzulaufen, was ich als Nächstes angeblich tun sollte.

Was sollen Menschen beim ersten Hören deiner neuen Musik fühlen oder daraus mitnehmen?

Ich möchte, dass die Menschen etwas fühlen. Meine Musik ist persönlich, deshalb steckt viel Unverfälschtes darin, aber sie hat auch Biss. Wenn jemand darin etwas hört, das die Person selbst schon gefühlt, aber nie laut ausgesprochen hat, ist das für mich das Beste.

Dein jüngster NPR-Tiny-Desk-Auftritt war großartig. Was hat dieses Setting aus dir herausgeholt, was eine klassische Bühne vielleicht nicht könnte?

Tiny Desk war ein echter Moment, in dem sich ein Kreis geschlossen hat. Mein Vater hat es mir vor Jahren gezeigt, deshalb war es surreal, tatsächlich dort zu sein. Nach Jahren, in denen ich davon geträumt hatte, war das Beste, wirklich dort zu stehen. Man ist ganz nah dran, es gibt keine riesige Produktion, hinter der man sich verstecken kann. Entweder es schafft Verbindung oder eben nicht.

Diese Intimität war auch ein wichtiger Grund, warum es mich gereizt hat, als Auftakt-Act der Reihe „Dive in with Ruby“ aufzutreten. Im Ruby Zoe Hotel ist man nah genug dran, um wirklich zu sehen, wer im Raum ist, ihre Energie zu spüren und die Reaktionen der Fans zu erleben. Ich liebe es, so aufzutreten.

Welche Künstler*innen aus dem Vereinigten Königreich begeistern dich gerade und sollten deiner Meinung nach mehr Menschen auf dem Radar haben?

Ich muss immer Cari erwähnen – ich liebe, was sie macht, und die Musik, die sie veröffentlicht! Hört euch „The Dealer!“ an! Und auch EJ Ross – streamt seine Musik!

Es ist wichtiger denn je, neueren Künstler*innen eine Plattform und Unterstützung zu geben: Es ist hart da draußen, und wir müssen einander den Rücken stärken. Das hat mich auch zu „Dive in with Ruby“ hingezogen. Die zweite Show findet nächste Woche am selben Ort statt und präsentiert jemanden Besonderen – wer es ist, bleibt jedoch bis zum Abend geheim.

Im Vereinigten Königreich erscheint gerade so viel gute Musik. Ich liebe es, wenn Menschen jemanden in einem intimen Rahmen entdecken können, bevor alle anderen auf diese Person aufmerksam werden. Wenn die Leute danach mehr über sie wissen wollen, ist das für mich ein Erfolg.

Du hast darüber gesprochen, wie wichtig es ist, aufstrebende Talente zu unterstützen. Gab es zu Beginn deiner Karriere einen Moment, in dem dir jemand auf diese Weise geholfen hat?

Es gab auf meinem Weg definitiv Menschen und Momente, in denen es einen Unterschied gemacht hat, dass jemand an mich geglaubt oder mir eine Chance gegeben hat. Ich liebe dich, Katy B! Und auch dass Beyoncé mich erwähnt hat, war mir unglaublich wichtig!

Wenn man am Anfang steht, reicht Talent allein nicht immer aus. Manchmal braucht es jemanden, der einem eine Chance gibt, einen in den richtigen Raum bringt oder einem den Rücken stärkt, während man selbst noch versucht, alles herauszufinden. Ich glaube, das bleibt einem. Jetzt, da ich in der Position bin, jemand anderem eine Tür zu öffnen, möchte ich das ebenfalls tun. Es ist Platz für alle da.

Was können wir in Zukunft von dir erwarten?

Definitiv mehr Musik und mehr Live-Shows. Ich bin gerade in einer verrückten kreativen Phase und lasse mich einfach darauf ein, statt mir Gedanken darüber zu machen, wie das nächste Kapitel aussehen sollte.

Ich möchte mich einfach weiter herausfordern, weiter live spielen und Musik machen, die ehrlich davon erzählt, wo ich gerade stehe. Das ist alles, was mir wichtig ist.

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Die Los Angeles Lakers haben sich offiziell mit dem Luxus-buchverlag TASCHEN zusammengetan, um Lakers: An Official History of the Purple & Gold vorzustellen: die maßgebliche, autorisierte Hardcover-Chronik der legendären NBA-Franchise.

Auf 528 Seiten zeichnet das Coffee-Table-Book fast acht Jahrzehnte Lakers-Dominanz auf dem Parkett, Hollywood-Verbindungen und kulturprägende Momente nach. Es zeigt, wie die Lakers Los Angeles zu einem globalen Schnittpunkt von Sport, Stil und Entertainment machten. „Die Lakers sind ein globales Phänomen“, erklärte Jeanie Buss, Gouverneurin der Los Angeles Lakers, in einer Pressemitteilung. „Kein anderes Team hat Athleten zu Ikonen gemacht oder ein Vermächtnis hinterlassen wie die Lakers. Spieler, Trainer und Fans haben aus dieser Franchise so viel mehr als nur ein Spiel gemacht – sie haben eine unvergessliche Show geschaffen, die nun schon seit 79 Saisons läuft.“

Herausgegeben von Vikki Tobak, enthält das Buch ein Vorwort der Basketball-Ikone Kareem Abdul-Jabbar sowie ein Nachwort des ehemaligen Trainers Phil Jackson. Die visuelle Hommage verbindet zudem seltene, bislang unveröffentlichte Archivaufnahmen mit persönlichen Essays von Franchise-Legenden und prominenten Stammgästen am Spielfeldrand, darunter LeBron James, Luka Dončić, Shaquille O'Neal, Magic Johnson, Jack Nicholson, Flea und Paula Abdul.

Die Retrospektive gliedert sich in zehn Kapitel und zeichnet den Weg der Franchise von Minneapolis über die historische Showtime-Ära und den legendären Three-Peat bis zum Meistertitel 2020 nach. Zu den visuellen Höhepunkten zählen vierseitige Ausklappseiten mit allen 17 Meisterschaftsringen, die Entwicklung der Lakers-Trikots, zurückgezogene Rückennummern, historisches Werbematerial und Notizen zur Spielanalyse nach dem Abpfiff.

Lakers: An Official History of the Purple & Gold ist ab sofort über die Websites von TASCHEN und den Los Angeles Lakers erhältlich. Am 1. Oktober erscheint das Buch weltweit bei ausgewählten Händlern.

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Hunter feiert 170 Jahre Outdoor-Stil und holt sich zu diesem Anlass eine langjährige Freundin der Marke an die Seite. Für seine Herbst/Winter-2026-Kampagne mit dem treffenden Titel „Iconic by Nature“ hat das traditionsreiche britische Schuhlabel erneut mit Supermodel Kate Moss zusammengearbeitet.

Moss und Hunter verbindet eine über zwei Jahrzehnte währende Geschichte, die in dem mühelosen Festival-Stil des Models wurzelt, der seit Jahren Tumblr-Blogs und Pinterest-Boards prägt. „Ich bin seit Jahren ein treuer Fan von Hunter – seit jenem Festival, bei dem ich die Stiefel zu viel zu kurzen Shorts und einer Weste getragen habe“, erinnerte sich Moss in einer Pressemitteilung. Als sie beim Aufbruch knietiefen Schlamm vor sich hatte, griff sie zu ihren schwarzen wasserdichten Gummistiefeln – und verankerte den Original Tall Wellington Boot damit unbeabsichtigt im Popkultur-Vokabular.

Die AW26-Kollektion würdigt das Markenerbe und präsentiert zugleich moderne technische Innovationen, die über klassische Gummistiefel hinausgehen. In Europa steht der 170th Anniversary Original Tall Wellington Boot im frühesten Grünton der Marke im Mittelpunkt, versehen mit maßgefertigten goldfarbenen Beschlägen und einem Heritage-Badge mit der Aufschrift „Since 1856“. Ergänzt wird das europäische Sortiment durch technisch innovative Silhouetten wie den Downpour Tall Boot, den Elements Neoprene Chelsea Boot und die Elements Lemhi Sonic Welded PU Puffer Jacket.

Die Modelle für die USA und Kanada interpretieren klassische Texturen neu: mit dem Original Tall Wellington Boot in Black Croc, dem Giania Suede Tall Boot in „Chocolate Brown“ und dem Maribel Puffy Snow Bootie. Ergänzt wird das Schuhsortiment durch aktualisierte Sportswear- und Outerwear-Styles, darunter die Bex Signature Hunting Jacket mit PU-Kragen.

Die Hunter AW26-Kollektion zum 170-jährigen Jubiläum ist ab sofort auf der Hunter-Website sowie bei ausgewählten Händlern erhältlich.

Außerdem hat Timberland den Timberland 25 Boot vorgestellt.

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John Legend ist offiziell das Gesicht der Holiday-Kampagne 2026 von Sephora Europe – und damit der Star des größten von einem Künstler getragenen Moments der Marke in dieser Saison. Der Grammy-Gewinner hat zudem den bislang unveröffentlichten Originals song „Here It Is“ komponiert, der von der bevorstehenden Partnerschaft inspiriert ist. Noch vor dem offiziellen Kampagnenstart hat die Marke einen 30-sekündigen Vorgeschmack veröffentlicht.

 

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Der Song greift die festliche Stimmung der Feiertage auf und verbindet Legends Stimme mit Vintage-Einflüssen und klassischem Weihnachtszauber. Als Gesicht der Geschenksaison 2026 von Sephora Europe bekräftigt Legend mit der Zusammenarbeit die gemeinsame Leidenschaft für die Feiertage: Sephora Europe ist eine wichtige Anlaufstelle für Weihnachtsshopping, während Legends Kult-Weihnachtsmusik viele unserer eigenen Traditionen prägt.

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Fast ein Jahrzehnt lang haben die Gründerinnen von Café Forgot, Vita Haas und Lucy Weisner, jene Stücke aufgespürt, nach denen man suchte, ohne es zu wissen. Nun entwerfen sie selbst: Forgot heißt ihre neue Linie aus reduzierten, verspielten Essentials, die die unverkennbare Perspektive aus New York in die Alltagsgarderobe bringt.

Seit der Eröffnung von Café Forgot im Jahr 2017 haben Haas und Weisner rund um aufstrebende Designer:innen, unerwartete Fundstücke und die Kunst, sich anzuziehen, eine unabhängige Modeinstitution mit Kultstatus aufgebaut. Jetzt fließt alles, was sie auf der Verkaufsfläche gelernt haben, in ihr eigenes Label ein.

Forgot übersetzt avantgardistische Ideen in Kleidung, die tatsächlich getragen werden will: Hosen mit umklappbarem Bund, wandelbare Lagenlooks und ein Hoodie, der auch als Kleid funktioniert. Geprägt sind die Stücke von jahrelangen Beobachtungen, wie Kund:innen mit Kleidung experimentieren – von den Ausschnitten, zu denen sie greifen, bis zu den Farbkombinationen, zu denen sie immer wieder zurückkehren.

Diese Spannung zwischen Modefantasie und Alltagsrealität zieht sich auch durch die Kampagne. Inspiriert von den frühen Reality-TV-Shows, die sie als Jugendliche sahen – mit Praktika, Drama und völlig unpraktischen Outfits –, wollten Haas und Weisner auch die weniger glamouröse Seite der Arbeit in der Mode einfangen. „Der Traum und die Erniedrigung passieren immer gleichzeitig“, erklären sie und erinnern sich an alles Mögliche: vom Wegputzen von Kund:innen-Erbrochenem bis hin zum Styling von Sky Ferreira in derselben Woche.

Ein passendes Konzept für Kleidung, die sich im echten Leben bewähren soll. Die Stücke begleiten einen vom „Kistenschleppen bis zur Party“ und überbrücken so die Kluft zwischen der Fantasie der Mode und allem, was hinter den Kulissen passiert. Ebenso persönlich sind die Inspirationen für die Kollektion: die eigenen Kleiderschränke der Gründerinnen, das Team von Café Forgot, Praktikant:innen und treue Kund:innen sowie Referenzen, die von Petit Bateau und agnès b. bis zu Fiona Apple, Cory Kennedy und Mazzy Star reichen.

Forgot kommt Ende September auf den Markt und ist im Grunde die Antwort auf eine Frage, die Haas und Weisner im Laden unzählige Male gehört haben: „Was passt gut dazu?“ Dieses Mal haben sie die Antwort selbst entworfen.

Weitere Updates gibt es auf der Website der Marke.

Außerdem: Entdeckt unsere Lieblingsshows von der Milan Fashion Week.

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Nachdem New York und London hinter uns liegen, richtet sich der Blick nun ganz offiziell auf Mailand. Die Saison Frühjahr/Sommer 2027 startete am Dienstag, 22. September, mit der offiziellen Eröffnung durch Prada. Kurz darauf folgte Glenn Martens’ bittersüßer Abschied bei Diesel, wo er seine letzte Kollektion für das Label präsentierte.

Am zweiten Tag zählten Jil Sander, Fendi und MM6 Maison Margiela zu unseren großen Highlights, bevor uns bei Onitsuka Tiger besonders starke Schuhe auffielen. Während der dritte Tag zu Ende geht, haben MaxMara und Marni bereits ihre Shows präsentiert; Gucci, Moschino und Bottega Veneta zählen zu den Highlights, die noch folgen.

Lesen Sie weiter und entdecken Sie einige unserer bisherigen Lieblingsshows der Milan Fashion Week.

Prada

Für Frühjahr/Sommer 2027 stellten Miuccia Prada und Raf Simons ihre Prada-Kollektion ganz in den Fokus eines der wandlungsfähigsten Kleidungsstücke der Mode: des schlichten Rocks. Neu gedacht über Materialität und Styling, erschien er mit Kristallstickereien, dekorativen Krinolinenlagen und äußeren Hüllen aus Organza. Die Variationen zeigten, wie sehr dies unsere Wahrnehmung eines Outfits beeinflusst. Kombiniert mit dicken Pullovern, strukturierten Hemden und BH-Tops machte SS27 deutlich, welchen Unterschied solche Paarungen bewirken – und dass wir diese Entscheidungen jedes Mal treffen, wenn wir ein Outfit zusammenstellen.

Dhruv Kapoor

Dhruv Kapoor präsentierte in dieser Saison seine SS27-Kollektion mit dem Titel „PRESENCE“, die sich mit dem Konzept beschäftigt, präsent und aufmerksam zu sein. Aufbauend auf der Auseinandersetzung des Labels mit dem Thema „Transit“ in der vergangenen Saison wechselte SS27 zwischen verschiedenen Zuständen: Fließende Silhouetten trafen auf körpernahe, sonnenverblichene Farben auf leuchtend gesättigte Töne und strukturiertes Tailoring auf zartes Drapieren. Inspiriert von „der Leichtigkeit indischer Kleidung“ interpretierte die Kollektion zudem traditionelle indische Lungis, Westen und Sari-Silhouetten in subtilen Details neu. Außerdem stellte sie eine neue Zusammenarbeit mit PUMA vor, aus der die Kapselkollektion PUMA X RCB hervorging.

Diesel

Glenn Martens hat kürzlich seinen Abschied von Diesel bekannt gegeben – SS27 war daher sein Schwanengesang: eine Hommage an Genuss in seiner exzessivsten Form. Für seine jüngste Show auf der Milan Fashion Week präsentierte der Designer eine Kollektion, die kaum mehr Diesel hätte sein können. Bei all den unzähligen großartigen Looks war der Star der Show jedoch zweifellos die unerwartete Performance unmittelbar vor dem Finale. Martens engagierte das in Marseille ansässige Künstlerkollektiv (LA)HORDE und ließ 200 Performer:innen zunächst unauffällig im Publikum Platz nehmen. Dann brachen sie in sinnliche Bewegungen aus, berührten sich selbst und einander und beendeten die Show mit heftigem Headbangen. Ein echtes … Erlebnis.

Fendi

FENDIs umwerfende Kollektion erkundete diese Beziehung. Den Auftakt bildete eine Reihe von Dessous aus zarter Spitze, mit Stickereien und Pastelltönen, bevor die Looks sich zu kostümhaften Ensembles entwickelten, inspiriert von Raffaella Carrà. Auch das Set der Show bezog sich auf einen weiteren Einfluss: das Kunstwerk „Cubo di specchi“ („Spiegelwürfel“) des italienischen Bildhauers Luciano Fabro. Es zwang uns „Zuschauer zur Konfrontation“: Das Publikum saß einem verspiegelten Kubus gegenüber, in dem die Models liefen.

MM6 Maison Margiela

Neben dem Debüt einer wahrscheinlich schon bald viralen Havaianas-Kollaboration war die SS27-Show von MM6 eine Meisterklasse im Gegenteil-Tag. Die Models trugen Jacken als Röcke, zugeknöpfte Hemden als Kleider und Pullover buchstäblich so, wie es dem Label gefiel. Mit einem spielerischen Blick auf Alltagskleidung verband die Kollektion klassische Streifenoberteile mit asymmetrischen Silhouetten, kuschelige Strickwaren mit dekonstruierten Elementen und kurze Trenchcoats mit Flip-Flops in Zehenform.

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Onitsuka Tiger präsentierte am zweiten Tag der Milan Fashion Week seine energiegeladene Frühjahr/Sommer-Kollektion 2027. Die 47 Looks umfassende Kollektion mit dem Titel „ENERGY STATION“ ließ sich von klassischen Tankstellen inspirieren und versteht sie neu als Orte, an denen Menschen zusammenkommen und neue Energie tanken.

Vor der Kulisse einer improvisierten Autowaschanlage, eines Bodega-Stands und einer Zapfsäule begann die Show damit, dass zwei aufheulende Motorräder an den Gästen vorbeirasten – und der Schauplatz der Saison ergab sofort Sinn. Als Auftakt eines neuen Kapitels für die Marke sollte die SS27-Kollektion das „Erbe“ von Onitsuka Tiger „weitertragen und mit neuer Energie aufladen“.

Die Kollektion verband Tailoring mit Sportswear: Strukturierte Hemden und figurbetonte T-Shirts trafen auf Mini-Shorts, von Motorradbekleidung inspirierte Miniröcke und Wollshorts mit Anleihen an Muay Thai. Langarmshirts mit grafischen Prints wurden zu femininen Röcken mit Rüschen kombiniert, während leichte Kleider mit Seidenfransen verziert waren.

Der Star der Show war zweifellos – wie immer – das Schuhwerk der Marke. Neben einer Mule-Version des Mexico 66 gab es Biker-Boots mit Keilabsatz in leuchtendem Gelb, Metallic-Pink und Silber. Auch Fisherman-Sandalen waren zu sehen, ebenso wie neue Farbvarianten des Onitsuka Tiger Kitten Heels, die offenbar von Rennsport-Farbpaletten in Blau, Rot und Silber inspiriert sind.

Insgesamt wirkten sowohl die Kollektion als auch das Setdesign mitreißend, verspielt und ganz klar von neuer Energie durchdrungen.

Oben gibt es einige der herausragenden Looks zu sehen – inklusive eines genaueren Blicks auf das Schuhwerk der SS27-Kollektion.

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Timberland verpasst seinem legendären Yellow Boot mit dem Timberland 25 Lightweight Waterproof Boot ein modernes Update. Das überarbeitete Modell bringt die charakteristische Designsprache der Marke noch unkomplizierter und flexibler in den Alltag, reduziert dabei das Volumen, ohne auf den klassischen Timberland-Stil zu verzichten.

Die markant robuste Silhouette, die den originalen 6-Inch Boot zum urbanen Klassiker gemacht hat, bleibt erhalten. Gleichzeitig wiegt die neu interpretierte Version 25 Prozent weniger – daher auch ihr Name – und ist damit der perfekte Begleiter für Erledigungen in der Stadt, auf Reisen und für Alltagslooks.

Für funktionalen Komfort wurde der Boot mit einer wasserdichten TimberDry-Membran und einer gedämpften TimberCush-Zwischensohle ausgestattet. Neben dem ikonischen Gelb erscheint das Modell auch in der beliebten Farbgebung „Beef & Broccoli“. Die dunkelbraun-dunkelgrüne Palette, die in der Street Culture des New Yorks der 1990er-Jahre verwurzelt ist, verleiht den kälteren Monaten eine satte Retro-Note.

Indem Timberland seine funktionale DNA bewahrt und zugleich Gewicht spart, präsentiert die Marke eine frische, unkomplizierte Interpretation eines Streetwear-Klassikers für jeden Tag.

Der neue Timberland 25 Boot ist ab sofort auf der Timberland-Website sowie bei ausgewählten Händlern erhältlich.

Außerdem haben PUMA und Danïelle Cathari ihre neueste Sneaker-Kollaboration vorgestellt.

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Die in Amsterdam ansässige Designerin Daniëlle Cathari arbeitet erneut mit PUMA zusammen. Entstanden ist eine zurückhaltende, detailreiche Capsule Collection, die zwei der ikonischsten Silhouetten der Marke aufwertet. Die neue Kollektion verbindet PUMAs traditionsreiche Performance- und Lifestyle-DNA mit Catharis minimalistischer Handschrift und setzt auf Handwerkskunst, Textur und eine raffinierte Konstruktion.

Im Zentrum der Kollaboration stehen Neuinterpretationen des vom Motorsport inspirierten Speedcat und des klassischen Suede, die mit subtilen Details überraschen. Der Speedcat zeigt sich in glattem bordeauxrotem Leder und greift mit seiner modernisierten, schnürsenkellosen Konstruktion direkt auf das PUMA-Archiv zurück. Seine flache, skulpturale Form wird an der Ferse durch eingeprägte „Spinnenaugen“-Grafiken vollendet – Catharis charakteristisches Logo.

Der PUMA Suede präsentiert sich in einem sanften Blauton: Ein hochwertiges Veloursleder-Upper trifft auf eine zeitlose Gummisohle. Cathari umspielt den ikonischen Formstrip des Schuhs und ergänzt ihn auf der Zunge um einen tonal eingeprägten CATHARI-Schriftzug.

Begleitet von einer Kampagne mit klaren Studioporträts und lässig gestylten Garderobenklassikern verkörpert die Kollektion leisen Luxus im zeitgenössischen Sportswear-Kontext.

Die PUMA x Daniëlle Cathari Capsule Collection ist ab dem 26. September exklusiv bei ausgewählten PUMA-Händlern erhältlich.

Außerdem haben Jacquemus und Nike den Moon Shoe „Miami“ herausgebracht.

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Nike definiert Performance in der High Fashion mit seiner maßgeschneiderten Plattform Nike Atelier neu. Das Projekt wurde entwickelt, um unverwechselbare Athlet:innen bei bedeutenden Momenten abseits des Spielfelds in den Mittelpunkt zu rücken, und verbindet wegweisende Sportinnovation mit der Handwerkskunst der Haute Couture. Nach maßgeschneiderten Looks für Ikonen wie Maria Sharapova und Jannik Sinner präsentiert der Swoosh nun einen spektakulären Look für Leichtathletikstar Sha’Carri Richardson.

Der Look von Kopf bis Fuß ist auf Richardsons selbstbewusste Persönlichkeit und ihren Stil abgestimmt. Im Zentrum steht ein neu interpretierter Nike-FlyWeb-BH, über dem ein figurbetontes Korsett aus Rippstrick und passende Mikoshorts getragen werden. Eine Oversize-Jacke gibt dem Outfit Halt: Ihre technisch ausgearbeiteten Falten sorgen für fließende Bewegung, während von Hand gesetzte Swarovski-Kristalle das Licht wie glitzernde Regentropfen einfangen.

Bei den Schuhen hebt der Look sein Fashion-Level noch einmal an. Der maßgefertigte Vomero Premium verschiebt die Grenzen der Performance und verlängert den Sneaker zu einem oberschenkelhohen Strumpf, der an Fuß und Knöchel mit Kristallen besetzt ist.
Zum maßgeschneiderten Outfit trägt Richardson eine in Japan gefertigte Mini-Sporttasche aus Craquelé-Leder mit übergroßen, individuellen Anhängern.

Der finale Look ist kompromisslos, kühn und grenzüberschreitend – Worte, mit denen viele auch Richardson selbst beschreiben würden. Ihren Auftritt darin hatte der Leichtathletikstar beim reinen Frauen-Leichtathletik-Event ATHLOS, wo sie den 100-Meter-Sprint in der Rekordzeit von 10,80 Sekunden gewann.

Während Athlet:innen die Kultur weit über ihren Sport hinaus prägen, bietet Nike Atelier eine eigene Bühne für Storytelling auf höchstem Niveau.

In weiteren Nachrichten: Auch Keely Hodgkinson präsentierte bei ATHLOS ihren maßgeschneiderten Nike-Speed-Anzug.

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Das Wetter mag unberechenbar sein, doch Yoonchae lässt sich davon nicht aufhalten. Der Star von KATSEYE ist das Gesicht der neuesten Super-Puff-Kampagne von Aritzia und verleiht einem der bekanntesten Pieces der Marke ihre unerschütterliche Energie.

Unter dem Titel „Den Moment genießen. Nicht vom Wetter aufhalten lassen.“ rückt die Kampagne in den Fokus, einfach rauszugehen – ganz gleich, was die Wettervorhersage bereithält. Yoonchae begleitet die Super Puff durch ihren Tag und zeigt, wie mühelos sich die Outerwear zwischen Plänen, Orten und Stimmungen bewegt, ohne dabei Kompromisse beim Stil einzugehen.

Seit ihrem Debüt hat sich die Super Puff zu einem festen Bestandteil der Garderobe für kalte Tage entwickelt und ist inzwischen in einer wachsenden Auswahl an Silhouetten, Farben und Materialien erhältlich. Die aktuelle Kampagne spielt mit dieser Vielseitigkeit: Sie präsentiert die Pufferjacke nicht als Teil, das man nur bei sinkenden Temperaturen überwirft, sondern als Begleiterin, die mit allem Schritt hält, was der Tag bringt.

„Ich fand es toll, sie auf eine Weise zu stylen, die sich wirklich nach mir anfühlt“, erzählt Yoonchae. „Es ist cool, etwas so Wiedererkennbares zu nehmen und es ganz zu seinem eigenen zu machen.“ Nach KATSEYEs Aufstieg zu globalen Popstars bringt die 18-Jährige dieselbe selbstbewusste Energie in Aritzias Wintergarderobe ein – und beweist, dass ein bisschen schlechtes Wetter noch lange kein Grund ist, Pläne abzusagen.

Yoonchaes Super-Puff-Favoriten sind bereit für alles, was die Wettervorhersage bereithält. Den Look gibt es auf der Website der Marke zu shoppen.

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Bei seiner SS27-Show auf der Mailänder Fashion Week setzte MM6 Maison Margiela auf große Dramatik. Zugleich gewährte das Label auch einen ersten Blick auf eine offenbar bevorstehende Zusammenarbeit mit Havaianas.

Gemeinsam entwickelten die beiden Marken den Slim 6Toe, einen Zehentrenner in Zehenform, und den Top 6Layers, einen extrem hoch geschichteten Flip-Flop. Die beiden Modelle wurden eigens für die Show entworfen und spielen mit Margielas charakteristischem Motiv der Zahl 6. Die vertraute Silhouette der Schuhmarke erhält dabei eine unverkennbar Margiela-typische Neuinterpretation. Das Ergebnis vereint die Designsprache beider Seiten auf perfekte Weise – und geht weit über das bloße Platzieren eines Logos auf dem anderen hinaus. Das ist eine echte Kollaboration.

Auch die Kollektion selbst folgte dem für MM6 typischen Ansatz: dekonstruiert, neu erfunden und subversiv. Hemden wurden ungeöffnet als Kleider getragen, Pullover auf links und Jacken als Röcke. Streifen standen in dieser Saison im Mittelpunkt, etwa auf Tops mit asymmetrischen Ärmeln, kombiniert mit maßgeschneiderten Hosen. Insgesamt eine ausgesprochen verspielte Kollektion, die charakteristische Silhouetten mit einem Hauch von Fantasie neu erfand.

Einige der herausragenden Looks gibt es oben zu sehen. Die offizielle Lancierung der Havaianas-Kollaboration der Marke folgt im Mai 2027.

Mehr aus Mailand finden Sie in unseren Recaps zu Fendi und Diesel.

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LISA verleiht Smart Glasses ihre ganz persönliche Note. Der Star von BLACKPINK hat gemeinsam mit Meta eine Sonderedition der Meta Glasses entwickelt – mit zahlreichen persönlichen Details, inspiriert von der K-Pop-Ikone und ihrer Welt.

Die Zusammenarbeit umfasst zwei unterschiedliche Modelle, die, wie die Marke erklärt, LISAs Dualität widerspiegeln. Zum einen gibt es die Meta Adventurer LISA Edition mit einem Gestell in „Moonlit Sky“ und roséfarbenen Gläsern, zum anderen die Meta Capri LISA Edition in einer Cat-Eye-Silhouette namens „Eclipse“ mit grauen Gläsern.

Die besonderen Details beschränken sich nicht auf die Gestelle. Beide Modelle ziert an den Bügelenden und auf dem Etui ein exklusives Sternmotiv. Die Anhänger der Sondereditions-Etuis wiederum sind von LISAs Haustieren inspiriert, die zusammen als ihre L-Family bekannt sind. Auch digital gibt es etwas für Fans: Wer die Brille einrichtet, schaltet ein LISA-Erlebnis frei – darunter eine digitale Fotokarte zum Teilen in Instagram Stories, weitere Sammelkarten in der Meta-AI-App sowie ein von LISA inspiriertes Sticker-Set.

Trotz der individuellen Details bieten die Brillen die gewohnten Smart-Funktionen von Meta, darunter Open-Ear-Audio, freihändiges Telefonieren und Nachrichtenversenden, Live-Übersetzung sowie Foto- und Videoaufnahmen aus der Ich-Perspektive. Die LISA-Brillen sind über Meta und bei ausgewählten Händlern erhältlich und eröffnen Fans eine neue Möglichkeit, die Welt durch LISAs Augen zu sehen und zu teilen.

Außerdem: Entdeckt alle Trends, die wir auf den Laufstegen der Frühjahr/Sommer-Saison 2027 gesichtet haben.

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In Mailand hat ETRO dem Boho-Stil für Frühjahr/Sommer 2027 gerade eine leichtere Note verliehen. Die Kollektion mit dem Titel „ETRO HALO“ taucht die charakteristischen Paisleys, fließenden Silhouetten und die erdige Farbpalette des italienischen Hauses in sommerlichen Dunst: Vertraute Codes werden verwischt, lassen Farbe und Konturen verblassen und erscheinen neu interpretiert, bis sie beinahe verschwinden.

Die Kollektion entfaltete sich wie ein Tag in der Sonne: Zunächst dominierten kaum wahrnehmbare Nude- und Pudertöne, bevor leuchtendes Gelb und Orange Wärme einbrachten. Darauf folgten kühlere Blau- und Grüntöne, die schließlich Burgunderrot, Braun und Schwarz wichen – als ginge die imaginäre Sonne unter.

Auch ETROs Paisley-Muster wurden auf das Wesentliche reduziert. Die Prints wirkten von der Sonne ausgebleicht und kaum sichtbar, während traditionelle Motive in Partien und verwaschene Muster aufgelöst wurden. Das Ergebnis erinnerte weniger an eine direkte Wiederbelebung des Archivs als daran, dass ETRO seine eigene Geschichte durch eine leicht verschwommene Linse betrachtet.

Dieses Gefühl von Bewegung prägte auch die Silhouetten. Luftige Kleider umspielten den Körper und gingen dann in lange Schleppe über, während Fransen, transparente Lagen und durchscheinende Stoffe bei jedem Schritt mitschwingen. Geerdet wurde die Weichheit von Teilen wie Veloursleder-Blousons, Denimjacken im Patchwork-Look und präzisem Tailoring.

Auch bei den Schuhen blieb man nah am Boden: Ballerinas, Gladiatorensandalen und Kegelschuhe mit blattartigen Rändern wurden zu lässigen Boho-Taschen kombiniert. Für Frühjahr/Sommer 2027 verabschiedet sich ETRO nicht von seiner Boho-DNA, sondern lässt sie einfach atmen.

Einige der Looks sehen Sie oben; weitere finden Sie auf der Website der Marke.

Mehr von der Mailänder Fashion Week: FENDI machte uns bei seiner Show für Frühjahr/Sommer 2027 zu Zuschauerinnen und Zuschauern.

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Die Einladung zu einer Fashion-Week-Show vermittelt meist schon einen Eindruck davon, was einen erwartet. Die Einladung von FENDI beschränkte sich diese Saison auf die Worte: „Ich mag meinen Körper, wenn er mit deinem Körper zusammen ist.“ Zunächst mag das überraschen, doch keine Sorge: Diese Zeilen stammen nicht von Maria Grazia Chiuri, sondern aus einem Gedicht des amerikanischen Lyrikers E. E. Cummings aus dem Jahr 1925.

Was diese Worte mit der anschließenden Show verbindet, ist die Auseinandersetzung mit Beziehungen. Bei Cummings geht es um Liebe und Verbundenheit. Für Chiuri und Fendi hingegen steht die Beziehung zwischen Mode und dem Körper, der sie trägt, im Mittelpunkt. Die Kollektion ging dieser Beziehung nach: Den Auftakt bildete eine Reihe von Dessous aus zarter Spitze, mit Stickereien und in Pastelltönen; darauf folgten kostümhafte Looks, inspiriert von Raffaella Carrà.

Auch das Set der Show bezog sich auf eine weitere Inspirationsquelle: das Werk Cubo di specchi (Spiegelwürfel) des italienischen Bildhauers Luciano Fabro. Das Kunstwerk zwingt „Zuschauer zur Konfrontation“ – und so blickte das Publikum auf einen verspiegelten Kubus, in dessen Innerem die Models liefen.

Oben sehen Sie einige unserer Lieblingslooks. Noch mehr von der Mailänder Fashion Week gibt es in unseren Berichten zu Prada und Diesel.

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Dsquared2 präsentiert mit einer neuen Kampagne sein jüngstes Statement-Accessoire, die Roxy Bag. Sie vereint Western-Fantasien, Celebrity-Kultur der frühen 2000er und das Chaos des Stadtlebens.

Fotografiert von Hugo Comte, zeigt die Kampagne Markenbotschafterin Bad Gyal an der Seite des Models Noah Brown; auch die Dsquared2-Gründer Dean und Dan Caten haben einen Cameo-Auftritt. Die Bilder wechseln zwischen staubigen Wildwest-Landschaften und den Straßen Barcelonas und fangen jenen von Paparazzi befeuerten Glamour ein, der die frühen Nullerjahre so ikonisch machte.

Im Mittelpunkt steht die Roxy Bag, die sich an der Cowboy-Kultur orientiert, ohne wie ein Kostüm zu wirken. Sattelinspiriertes Leder, markante Schnallen und lange Riemen werden zu einer klareren, stärker körperbetonten Silhouette verarbeitet; die geschirrartigen Details schmiegen sich um den Körper der Trägerin oder des Trägers.

Die Tasche verweist zugleich auf die Geschichte von Dsquared2 und lässt sich von der Frühjahr/Sommer-Kollektion 2006 inspirieren. Selbst die Schriftart des Logos stammt direkt von einem Archivstück, das die Gründer persönlich ausgewählt haben. Das Ergebnis ist ein unverkennbarer Dsquared2-Mix aus Americana, Sex-Appeal und Celebrity-Spektakel – ein Accessoire, das geradezu dafür gemacht scheint, gesehen zu werden.

Seht euch die Kampagne oben an und besucht die Website der Marke, um das neue Accessoire zu shoppen.

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Jeanie Annan-Lewin ist eine in London ansässige Stylistin, Redakteurin und Kreativberaterin. Sie arbeitet für Editorials, Kampagnen, Runway-Shows und Celebrity-Styling und zählt Gucci, Burberry und Nike zu ihren Kund:innen. Ihre Arbeit basiert auf Storytelling und wird von fortlaufenden Gesprächen über Identität, Repräsentation und die Politik der Mode geprägt.

Für The Body Issue erzählt Jeanie mehr über die Arbeit hinter den Kulissen mit Marken, darüber, wie größere Körper in Editorials häufig dargestellt werden, und darüber, woher ihrer Ansicht nach künftige Veränderungen kommen werden.

Hier geht es zum vollständigen Interview.

Was kannst du über die Zusammenarbeit mit Marken und das Briefing erzählen? Wie kommt es typischerweise dazu?
Das ist unterschiedlich. Manchmal beauftragt mich ein Magazin mit einer Strecke, für die ich die modische Ausrichtung übernehme. In anderen Fällen tritt eine Marke direkt für eine Kampagne oder Beratung an mich heran, oder ich arbeite über längere Zeit mit Künstler:innen oder Celebrities daran, ihr Image zu gestalten. Meist gibt es ein kreatives Briefing, Moodboards und Gespräche mit dem oder der Fotograf:in und dem erweiterten Team; anschließend werden Samples bei den Modehäusern angefragt. Genau dort wird Größeninklusion oft zum praktischen Hindernis. Die Vision kann noch so ambitioniert sein – wenn die Kleidung nicht in den passenden Größen existiert, sind der Kreativität sofort Grenzen gesetzt.

Als du in der Branche angefangen hast: Was für Styling-Anfragen kamen damals von den Marken? Wie hat sich das verändert?
Über Repräsentation wurde kaum gesprochen. Erwartet wurde, innerhalb eines engen, weißen europäischen Schönheitsideals zu arbeiten: die neuesten Kollektionen an den dünnsten Models zu zeigen, ohne viel Raum, dieses System infrage zu stellen.

Heute hat sich die Sprache verändert. Marken sprechen deutlich offener über Inklusion, Diversität und Authentizität. Einige handeln tatsächlich nach diesen Werten, andere erkennen sie als Erwartung der Branche an. Die Debatte hat sich schneller entwickelt als die Strukturen, die sie tragen müssten – deshalb befinden wir uns in dieser schwierigen Situation.

Gab es einen Zeitpunkt, an dem dir auffiel, dass Marken vermehrt Curve Models besetzten?
Zwischen 2019 und 2022 gab es eine klare Dynamik. Mehr Curve Models waren in Kampagnen, auf Covern und gelegentlich auf den Laufstegen zu sehen. In einer Branche, die eine breitere Realität lange ignoriert hatte, fühlte sich das wie ein sichtbarer Wandel an. Ob dieser Moment für eine nachhaltige Veränderung stand oder eine Reaktion auf äußeren Druck war, darüber wird noch immer diskutiert.

Hat die Zahl der Curve Models in den vergangenen Jahren zu- oder abgenommen?
Sie stagniert und ist in manchen Bereichen sogar rückläufig. Curve Models sind weiterhin präsent, aber oft nur in vereinzelten oder besonders sichtbaren Momenten statt als selbstverständlicher Standard. Zudem haben alle Plus-Size-Models abgenommen, weil sie nicht mehr so häufig gebucht werden; einige wechseln in den Beauty-Bereich. Marken neigen außerdem dazu, eine einzelne inklusive Kampagne als Beweis für Fortschritt anzuführen, während sich an ihrem übrigen Output nichts ändert.

Wie werden Curve Models oder Models mit größerer Oberweite üblicherweise von Fotograf:innen und Marken dargestellt, wenn sie besetzt werden? Gibt es ein wiederkehrendes Muster?
Es gibt wiederkehrende Muster. Vollere Körper werden häufig so gestylt und fotografiert, dass sie in übergroßen Tailoring-Looks, verschlossenen Posen, vor der Brust verschränkten Armen oder Silhouetten, die die Form eher abflachen als feiern, möglichst wenig Raum einnehmen. Wenn Sexualität thematisiert wird, geschieht das meist in Extremen: entweder vollständig entsexualisiert oder hypersexualisiert. Größeren Models wird nur selten dieselbe Bandbreite, Nuanciertheit und Selbstverständlichkeit zugestanden. Am gelungensten sind die Bilder, die Körpergröße nicht zum Thema machen, sondern der Person einfach erlauben, im Bild zu sein.

Verändert sich das Styling-Briefing deiner Erfahrung nach je nach Körpergröße oder Körpertyp?
Ja, sowohl ausdrücklich als auch unausgesprochen. Man lernt schnell, welche Marken keine Samples über bestimmte Größen hinaus produzieren – und so werden Ideen bereits verworfen, bevor der Prozess überhaupt beginnt. Das ist eine strukturelle Einschränkung, die von der Branche ausgeht, nicht von der Person, die die Kleidung trägt. Deshalb sind größere Körper in Modeeditorials weiterhin unterrepräsentiert: schlicht, weil die Kleidung für sie nicht verfügbar ist.

Gab es in der Branche einen Zeitpunkt, an dem du das Gefühl hattest, dass sich Inklusion und Körperdiversität zum Besseren verändern?
Ja, besonders in den frühen 2020er-Jahren. Es gab ein echtes Gefühl dafür, dass Menschen lang gehegte Vorstellungen von Schönheit und davon, für wen Mode gemacht ist, aktiv hinterfragten. Frustrierend ist, dass sich der Fortschritt verlangsamt hat. Repräsentation ist kein Meilenstein, sondern erfordert dauerhaftes Engagement – etwas, zu dem die Branche offenbar nicht fähig ist.

Fühlst du dich aktuell in der Mode repräsentiert?
Nicht vollständig. In der Branche gibt es mehr Menschen, die aussehen wie ich, als zu Beginn meiner Karriere, doch Repräsentation bedeutet nicht nur Sichtbarkeit. Es geht um Zugang, Chancen und Beständigkeit. Und wenn man, sozusagen, die Karriereleiter hinaufsteigt, gibt es nur sehr wenige Schwarze Frauen in Machtpositionen. Das ist etwas seltsam, wenn man bedenkt, dass wir ständig als Ressource herangezogen werden. Kommt dann noch hinzu, dass man Plus-Size ist, sieht man noch weniger Gesichter. Als Fashion-Redakteurin habe ich noch immer Schwierigkeiten, Luxus-Samples in meiner Größe auszuleihen; es ist offensichtlich, dass größere Körper weiterhin als Ausnahme gelten und nicht als Teil der Kernzielgruppe.

Was muss sich deiner Meinung nach vor allem ändern? Und wer trägt die Verantwortung dafür?
Die wichtigsten Veränderungen müssen hinter den Kulissen stattfinden. Modehäuser müssen ein breiteres Größenspektrum produzieren. Einkaufsteams müssen darin investieren. Redakteur:innen müssen Arbeiten beauftragen, in denen Größe nicht als zentrale Erzählung inszeniert wird. Casting-Direktor:innen müssen ihre Vorstellung davon erweitern, was erstrebenswert ist. Fotograf:innen müssen bei größeren Körpern über wiederkehrende Bildcodes hinausgehen.

Die Verantwortung tragen alle, die die Branche prägen. Repräsentation wird oft gefeiert, wenn sie sichtbar wird. Das eigentliche Ziel ist jedoch ein Punkt, an dem sie so selbstverständlich verankert ist, dass sie nicht mehr eigens hervorgehoben werden muss.

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