ANREALAGE 파리 25주년 회고전을 들여다보다
Kunihiko Morinaga가 Sarah Andelman 및 Daft Punk의 Thomas Bangalter와 협업하여 선보인 빛 반응형 LED 아카이브 전시에 대한 세부 이야기를 공유한다.
기술과 패션의 관계가 이토록 가깝게 느껴진 적은 없었다. 웨어러블 기기와 스마트 글래스 파트너십이 점차 몰입감 넘치는 런웨이 쇼케이스와 함께 등장하고 있다. 하지만 ANREALAGE의 Kunihiko Morinaga만큼 끈질긴 낙관주의를 가지고 그 관계를 탐구한 디자이너는 없었다. 그는 두 분야 사이의 경계가 사라지는 날이 “이미 도래했다”고 믿는다.
2003년 브랜드를 론칭한 이후, 그는 LVMH Prize의 최종 후보에 올랐으며 FENDI가 파트너십을 맺은 최초의 일본 디자이너가 되었다. 또한 당신도 모르는 사이에 그의 작품을 보았을 가능성이 크다. Beyoncé의 두 번의 월드 투어 의상이나 그가 룩을 디자인한 Mamoru Hosoda 감독의 애니메이션 영화 ‘Belle‘의 여주인공을 통해서 말이다. 브랜드에 대한 아이디어는 그의 어린 시절 Doraemon에 대한 사랑과 4차원 주머니에서 꺼내어 일상을 변화시키는 도구들에서 시작되었다. Morinaga는 이 감정을 “우리와 가장 가까이에 있는 옷을 통해 사람들에게 전하고 싶었다”고 말한다.
레이블의 이름 자체는 ‘a real(현실)’, ‘unreal(비현실)’, ‘age(시대)’를 조합한 것이다. 여기서 ‘AN’은 부정관사에서 차용한 것으로, Morinaga가 일상과 비일상이 “아주 조금 떨어져 있다”는 것을 시사하기 위해 사용한 디테일이다. 이는 옷이 무엇을 할 수 있는지 실험하며 20년을 보낸 이 브랜드에 대해 많은 것을 말해준다.
이제 이 도쿄 레이블은 10월 1일 파리에서 열린 회고전 ‘JUST AN REALAGE’로 파리 컬렉션 25주년을 기념하고 있다. 이와 함께 비늘 모양의 전자 종이 픽셀로 만든 의상이 런웨이에서 색을 잃고 재로 변했다가 다시 색을 피워내는 Spring/Summer 2027 쇼 ‘SKIN’을 공개했다. 이 뜻깊은 이정표를 기념하기 위해 그는 colette의 공동 창립자인 Sarah Andelman의 컨설팅 에이전시 Just An Idea와 손을 잡았다.
전시의 중심에는 Andelman이 큐레이팅한 A-to-Z 콘셉트의 ‘SHOP’이 있다. 사과와 캔들부터 주사위 세트와 BE@RBRICK에 이르기까지 알파벳의 모든 글자에 고유한 ANREALAGE 오브제를 부여했다. 브랜드의 SS26 및 FW26 shows의 음악을 작곡한 Daft Punk의 Thomas Bangalter는 두 사운드트랙의 한정판 바이닐도 발매한다.
SHOP을 지나면 브랜드의 25개 파리 컬렉션을 아우르는 룩들이 회전하는 플랫폼 위에서 천천히 돌아간다. 완벽한 구형으로 만들어진 재킷과 피라미드처럼 똑바로 서 있는 재킷 등 기하학 교과서의 페이지처럼 만들어진 디자인이 있다. 또한 도쿄의 기술 스튜디오 MPLUSPLUS와 함께 개발한 프로그래밍 가능한 LED로 짠 드레스들도 있는데, 이 드레스들은 파리의 American Cathedral 복도를 따라 글리치 픽셀과 스테인드글라스 패턴을 번쩍이며 지나간 바 있다.
아래에서 Morinaga와 Andelman은 전시, 일본 디자인, 그리고 브랜드에 지속적인 영감을 주는 기술적 변화에 대해 더 많은 이야기를 나눈다.
25개의 컬렉션을 되돌아볼 때, 초기 작업에서 여전히 남아있는 것은 무엇이며, 가장 크게 변한 것은 무엇인가?
Morinaga: 변하지 않은 것은 런웨이에서 옷이 변형되는 순간을 만들기 위해 여전히 노력하고 있다는 점이다. 2014년 파리에서의 첫 쇼에서 나는 하얀 옷을 입은 두 명의 모델을 조명 아래에서 등을 맞대고 서 있게 했다. 그들의 옷은 회색으로 변했다. 그들이 떨어져 걸음을 내디뎠을 때, 몸이 겹쳐 그림자가 졌던 곳만 하얗게 자국으로 남았다. 그것은 자신의 그림자를 입은 옷이었다. 우리의 25번째 컬렉션인 ‘SKIN’에서 옷들은 런웨이 위에서 색을 잃고 재로 변한다. 그런 다음 동일한 런웨이에서 다시 색이 돌아온다. 내가 하고 있는 일은 첫 쇼 이후로 변하지 않았다.
변한 것은 기술과 패션이 서로 어떤 관계에 놓여 있는가이다. 첫 쇼에서 패션은 여전히 기술 안에 머물러 있었다. 우리가 파리에 왔을 때, 빛에 따라 색이 변하는 소재가 주인공이었고, 어쩌면 옷은 그것을 보여주기 위한 그릇에 불과했을지도 모른다. 이제 나는 기술을 패션 안에 배치한다. ‘SKIN’은 전자 종이를 사용하지만, 표면에 드러나는 것은 오직 옷의 형태와 그 위에 나타나는 패턴뿐이다.
재봉틀 역시 한때는 최첨단 기술이었다. 지금은 아무도 그것을 기술이라 부르지 않는다. 나는 기술을 계속 사용하다 보면 조금씩 성숙해진다고 생각한다. 10년 전, 빛에 의해 색이 변하는 소재는 오직 면과 같은 촉감으로만 만들 수 있었다. 오늘날 그것은 모피나 벨벳이 될 수 있다. 기술과 시크함이 하나의 옷 안에서 자연스럽게 겹쳐지는 것이다. 25번의 컬렉션을 거친 후, 나는 마침내 그 경지에 가까워지고 있다고 느낀다.
알파벳은 큐레이션을 위한 엄격한 규칙이다. 이러한 창조적인 접근 방식을 선택한 이유는 무엇이며, 어떤 글자와 컬렉션을 구상할 때 가장 흥미로웠는가?
Andelman: 글자 하나당 하나의 오브제씩, 총 26개의 오브제에 대해 협업하는 것은 매우 유쾌한 일이었다. K, X, Z 같은 글자들은 어려울 거라 생각했지만, 결국 우리는 각각에 대한 해결책을 찾아냈다. Apple의 A처럼 항상 그렇게 시작하기 때문에 아주 자연스럽게 떠오른 오브제도 있었고, ANREALAGE의 DNA에 있는 Quilt의 Q와 같은 것들도 있었다.
[For collections,] FW24 컬렉션을 위한 ANREALAGE와 DORAEMON의 매우 특별한 협업이 떠오른다. 이 떠다니는 옷-오브제들을 보는 것은 정말 놀라운 경험이었다.
자신의 아카이브를 돌아볼 때, 특히 향수를 불러일으키는 룩이나 순간이 있었는가?
Morinaga: 2016년의 ‘REFLECT’는 많은 감정을 불러일으킨다. 그때는 아직 과도기였다. 패션쇼를 직접 두 눈으로 보는 사람들과 스마트폰을 통해 보는 사람들의 자리가 막 바뀌기 시작하던 무렵이었다. 그래서 나는 ‘오직 화면에만 나타나는 옷을 만들어보자’고 생각했다. 10년이 지난 지금, 화면 속의 패션은 일상이 되었다.
다른 하나는 우리가 처음 파리에 왔던 2014년의 패치워크로, 빛과 그림자를 표현한 옷이었다. 나는 2천 개의 작은 자투리 원단들을 이어 붙였다. 이번 ‘SKIN’에서는 각각 가로 30밀리미터인 비늘 모양의 전자 종이 조각들로 옷을 만들었고, 그 하나하나를 ‘픽셀’이라 불렀다. 한 벌의 옷에 1천 개에서 2천 개의 픽셀이 들어갔다. 세어보니 당시의 자투리 원단 수와 거의 비슷했다. 픽셀의 기원이 패치워크였다는 사실을, 컬렉션이 끝난 후에야 비로소 깨달았다.
Colette는 항상 일본 디자이너들과 깊은 유대 관계를 맺어왔다. 그 초기 시절 이후로 일본 패션에 대한 당신의 감각이 어떻게 변해왔는지, 그리고 당신이 지켜봐 온 그 긴 이야기 속에서 Anrealage를 어느 위치에 두고 싶은지 궁금하다.
Andelman: 나는 전반적으로 일본을 사랑하며, Comme des Garçons, Junya Watanabe, sacai, Doublet 같은 일본 브랜드들의 열렬한 팬이었다. ANREALAGE는 각 컬렉션마다 명확한 테마가 있고 기술과 장인 정신 사이에 늘 독특한 균형이 존재하기 때문에 특별한 위치를 차지하고 있다.
Morinaga 씨와 그의 브랜드 ANREALAGE에 대해 깊은 존경심을 가지고 있기에 이 프로젝트에 참여하게 되어 영광이다. 파리에서 그의 25번째 컬렉션을 기념하기에 아주 좋은 순간이라고 생각하며, 방문객들은 그의 작품을 발견하거나 재발견하며 놀라움을 금치 못할 것이다.
옷을 일상을 변화시키는 장치로 처음 생각하게 된 계기는 무엇인가?
Morinaga: 어릴 적부터 공상 과학을 좋아했다. 무엇보다도 Fujiko F. Fujio의 Doraemon을 사랑했다. Doraemon은 4차원 주머니에서 비밀 도구를 꺼내 일상을 변화시킨다. 그 순간을 볼 때마다 가슴이 두근거리고 설렜다. 소년 시절의 그 기억이 생생하다. 우리와 가장 가까이에 있는 옷을 통해 사람들에게 그 감정을 전하고 싶었다. 그것이 내가 브랜드를 시작한 이유다.
ANREALAGE라는 이름은 A REAL(일상), UN REAL(비일상), AGE(시대)로 만들어졌다. 하지만 여기서 부정의 의미인 ‘UN’이 아니다. 그것은 부정관사 ‘AN’이다. 일상과 비일상은 멀리 떨어진 대척점이 아니다. 그들은 단지 아주 조금 떨어져 있을 뿐이다. 작열하는 태양이 드리운 그림자. 시들어가는 꽃, 희미해지는 색. 너무나 미세해서 우리가 거의 지나치기 쉬운 변화들이다.
하얀 옷이 밖으로 나가면 화려하게 변한다. 그것을 지켜보는 사람들을 둘러싼 공기가 아주 조금 바뀐다. 내 마음을 사로잡은 것은 옷 그 자체가 아니라, 옷이 변화시키는 그 공기였다고 생각한다.
2003년 이후로 기술에 대한 당신의 감정에 변화가 있었는가?
Morinaga: 처음 시작했을 때 기술은 멀게만 느껴졌다. 그것은 우리가 간과하는 일상을 조금 놀랍게 만들어주는 도구였다. 이제 기술은 우리 바로 곁에 서 있다. 나는 패션과 기술이 사실 매우 잘 맞는다고 믿는다. 그 경계가 사라지는 날은 이미 도래했다. ‘SKIN’ 쇼는 화면 속에 살아있는 피부를 몸에 입히려는 시도였다. 전자 종이의 픽셀들이 하나씩 색을 바꾼다. 그리고 다시 쓰인 후에도 그 색은 그대로 남는다. 오늘날에는 그것이 비현실적으로 보일지 모르지만, 이 옷이 일상이 될 날이 그리 머지않았다고 생각한다.
옷은 우리가 누구인지 소통하기 위해 가진 가장 오래된 기술 중 하나이다. 50년 후 ANREALAGE를 돌아보는 누군가가 우리가 이 순간을 어떻게 살았는지에 대해 무엇을 이해할 수 있을 것이라 생각하는가?
Morinaga: 시간이 흐르면 평범했던 것이 더 이상 평범하지 않게 된다. 한때 가치 없다고 여겨졌던 것이 백 년 후에는 가치를 지닐 수도 있다. 처음부터 ANREALAGE라는 이름 안에는 그 시간, 즉 AGE가 담겨 있었다.
옷은 인간이 만든 최초의 피부다. 살아있는 생물은 허물을 벗고, 낡은 것을 버리며 살아간다. 아마도 우리는 옷을 갈아입음으로써 허물을 벗는 법을 배웠을 것이다. 오늘날 화면 속에서 옷은 ‘skins’라 불린다. 우리는 그것을 벗었다가 다시 입기를 반복할 수 있다. 우리는 소멸할 몸과 영원한 화면 사이를 살아가며, 두 개의 피부 사이를 오가고 있다.
50년 후에 되돌아보는 누군가는 그것을 알아볼 수 있을지도 모른다. 옷이 몸을 보호하는 제2의 피부에서 다시 태어날 수 있는 피부로 변하기 시작한 시대. 인간의 수명보다 훨씬 더 오래 이 지구에 남을 것들을 위해 우리가 옷을 만들기 시작한 시대. 언젠가 그 옷들은 제3의 피부라 불리게 될 것이라 믿는다.
