2026년에도 여·남으로 나뉜 패션위크가 정말 필요할까?
공동 런웨이, 줄어드는 예산, 그리고 지속가능성에 대한 압박으로 성별로 쪼개진 패션 캘린더는 이미 한계에 다다랐다.
매년 2월과 9월이면 패션 업계는 어김없이 짐을 싸 들고 New York, London, Milan와 Paris로 향하고, 몇 달 뒤에는 남성복 컬렉션을 위해 같은 여정을 한 번 더 반복한다. 이처럼 굳어 버린 스케줄은 이제 거의 문제 제기조차 되지 않는다. 그러나 점점 더 많은 브랜드가 런웨이 위에서 여성복과 남성복의 경계를 흐리고, 끝없이 늘어나는 쇼 캘린더가 초래하는 환경적 비용을 더 이상 외면하기 어려워진 지금, 질문은 분명해진다. 과연 우리는 남성과 여성을 위한 패션 위크를 따로 운영해야 할 필요가 아직 있는가?
업계가 이미 이런 방향으로 움직이고 있다는 증거를 찾기 위해 멀리 갈 필요는 없다. Jacquemus는 오래전부터 남성과 여성을 하나의 쇼 안에서 함께 선보여 왔다. Willy Chavarria의 쇼는 마스큘린 테일러링과 드레스, 스커트를 한 런웨이에 뒤섞어 선보이며, 모델을 성별로 구분하는 것 자체를 거부한다. Maison Mihara Yasuhiro와 AMI 역시 비슷한 길을 택해, 중요한 기준을 ‘남성복’이나 ‘여성복’이 아니라 ‘컬렉션’ 그 자체로 두고 있다.
디자인 언어의 변화도 눈에 띈다. Dries Van Noten의 SS27 쇼는 컬러와 유려한 텍스처, 그리고 남성을 위한 페미니티를 정교하게 엮어낸 마스터클래스에 가까웠다. 2024년 이 하우스의 크리에이티브 디렉터로 취임한 이후, Julian Klausner의 이전 여성복 부문에서의 경험은 강력한 무기가 되어 주었다. 많은 남성복 디자이너들이 점점 더 부드럽고 섬세한 실루엣으로 기울어가는 가운데, 이번 컬렉션은 란제리와 등 라인이 드러나는 홀터톱부터 발레 슈즈에 이르기까지 다양한 레퍼런스를 총동원하며 그 흐름을 극대화했다. 성별을 훌쩍 뛰어넘어, 성적 지향과 무관하게 모든 패션 러버에게 매력을 발산할 수 있다는 사실을 마법처럼 증명한 쇼였다.
이번 시즌 다른 무대에서도 이러한 움직임은 이어졌다. Simone Rocha의 남성복 라인 확장은 러플, 시퀸, 진주 장식 등 그녀 특유의 로맨틱한 어휘를 남성 모델에게까지 확장시키며, 남성을 완전히 다른 고객층이라기보다 ‘Simone Rocha 여성’의 카운터파트로 제시했다. 이 모든 시도가 새로움만을 노린 장치처럼 느껴지지는 않는다. 오히려 하나의 크리에이티브 비전을 여러 몸 위로 자연스럽게 펼쳐 보이는 과정에 가깝다.
또한 London Fashion Week 역시 이러한 흐름에 맞춰 조용히 구조를 재편했다. British Fashion Council은 2025년을 기점으로 6월에 열리던 단독 남성복 에디션을 폐지하고, 남성복 프레젠테이션을 2월과 9월의 성별 구분 없는 일정으로 통합했다. 이는 개별 브랜드 차원의 선택이 아니라, 한 패션 수도 전체가 분리된 캘린더가 더 이상 제 역할을 하지 못한다고 판단했다는 의미다.
남녀 구분과 무관하게, 이처럼 과도하게 많은 패션 위크에 대한 문제 제기는 성별 논의보다 훨씬 이전부터 있어 왔다. 오랫동안 비평가들은, 네 개 도시를 1년에 두 번 도는 현재의 시스템 위에 Milan과 Paris의 1월·6월 남성복 위크까지 더해지면서, 에디터와 바이어, 각종 인재들이 매년 약 여덟 차례 지구 곳곳을 오가며, 실제 매장에 놓이기까지 최소 6개월은 남은 옷을 보기 위해 비행기를 타야 한다고 지적해 왔다. 여기에 오트 쿠튀르, 리조트, 프리폴 쇼까지 합세하면 이동에 따른 탄소 발자국은 더 커진다. 지속 가능성을 끊임없이 화두로 삼는 업계로서는 쉽게 변명하기 어려운 모순이다.
남성과 여성 캘린더를 통합하는 것만으로 과소비가 단번에 해결되지는 않겠지만, 도시와 하우스, 그리고 모든 쇼에 참석해야 하는 이들에게 요구되는 실제 이동과 실제 장소 비용, 실제 중복 노동을 줄이는 데에는 분명 효과가 있을 것이다.
물론 주간을 분리해 운영해야 한다는 주장 역시 여전히 설득력을 가진다. 규모도 더 작고 방문객도 상대적으로 적어 보이지만, 남성복 위크는 신생 브랜드나 소규모 레이블에게, 여성복 일정에 흡수되었다면 아예 얻지 못했을지도 모를 주목의 기회를 제공한다. 또 일부 브랜드는 서로 다른 바잉 시즌, 서로 다른 고객층, 서로 다른 리테일 캘린더라는 상업적 논리에 기대고 있으며, 혼성 쇼는 제작 단계에서 이러한 구조를 더 복잡하게 만들 수 있다. 그리고 아직 코에드로 전환하지 않은 대표적인 메이저 브랜드인 Prada, Dior와 Saint Laurent 역시 남성복과 여성복을 같은 아이디어를 두 번 반복하는 것이 아니라, 본질적으로 다른 디자인 과제로 간주하고 있다.
젠더 플루이드 담론 자체에 대한 타당한 반론도 있다. 디자이너가 남성에게 부드럽고 페미닌한 코드의 옷을 입히고, 여성에게 오버사이즈 수트를 입힌다고 해서 반드시 ‘젠더가 중요하지 않다’는 메시지를 전한다고 볼 수는 없다는 것이다. 이는 오히려, 그러한 구분이 여전히 존재하기 때문에 의미를 갖는 의도적인 도발로도 읽힐 수 있다. 그 도발은 여전히 의존한다 기존의 카테고리가 살아 있어야만 비로소 영향력을 발휘할 수 있기 때문이다.
어쩌면 지금 가장 유효한 질문은 ‘남성 vs 여성’이 아니라, 이 세계에 실제로 몇 번의 패션 위크가 필요하냐는 것일지 모른다. 젠더에 따른 분리는, 업계에서 가장 흥미로운 동시대 디자이너들 다수가 이미 더 이상 중요하게 여기지 않기 때문에야말로, 가장 먼저 덜어낼 수 있는 부분이다. 이른바 ‘빅 4’ 패션 위크를 주관하는 협회들이 London의 행보를 뒤따를지, 아니면 전통과 상업적 관성, 브랜드 노스텔지어가 분리된 캘린더를 당분간 더 연명시킬지, 향후 몇 시즌 동안 눈여겨볼 대목이다.
